sábado, diciembre 31, 2011

THE CHAMELEONS “STRANGE TIMES (2CD LIMITED EDITION)”.

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EDICIONES MÍTICAS, SUBLIMES Y SINIESTRAS EN LA MÚSICA GÓTICA & DARK & INDEPENDIENTE ( 50 ).

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LUX ATENEA WEBZINE CONMEMORA EL 25º ANIVERSARIO DE LA PUBLICACIÓN DEL ÁLBUM "STRANGE TIMES" (1986) DEL GRUPO MUSICAL THE CHAMELEONS.

Publicado por: GEFFEN RECORDS, (GFLDD 19207), 1993.
Edición comentada: 2 CD edición limitada.

CD 1:
1- Mad Jack.
2- Caution.
3- Tears (original arrangement).
4- Soul In Isolation.
5- Swamp Thing.
6- Time / The End Of Time.
7- Seriocity.
8- In Answer.
9- Childhood.
10- I´ll Remember.

Limited Edition Free Bonus CD:
11- Tears (full arrangement).
12- Paradiso.
13- Inside Out.
14- Ever After.
15- John, I´m Only Dancing.
16- Tomorrow Never Knows.

Publicado por primera vez en el año 1986 por el prestigioso sello discográfico GEFFEN RECORDS, su edición más completa no sería presentada hasta el año 1993 en una edición limitada en doble CD cuyo original (perteneciente a mi colección discográfica) es el que les comentaré en este tributo a la excelencia y al talento que el grupo musical The Chameleons siempre ha ofrecido en cada una de sus creaciones musicales. Veinticinco años han pasado ya desde su primera edición, pero la fuerza sonora y el fundamento conceptual del magnífico álbum “Strange Times” siguen estando vigentes por este carácter sonoro y artístico incomparable con el que el grupo The Chameleons ha logrado llegar a nuestras almas góticas. Una sensibilidad con las inquietudes del individuo en su travesía por la vida que, en manos de este grupo, queda convertida en una sólida base intelectual en la cual hemos quedado atrapados tras el elegante placer que siempre supone escuchar cualquiera de sus composiciones musicales. Formado por Reg (guitarra), John (batería y percusión), Dave (guitarra e instrumentos de cuerda) y el admirable compositor y sublime vocalista Mark Burgess “Birdy” (voz y bajo), la música del grupo The Chameleons se presenta como una visión y una contemplación pura de la belleza a través del estímulo de nuestro espíritu, y como una ruptura absoluta con la complacencia musical socialmente admitida como baremo artístico, convirtiendo cada una de estas joyas musicales en ese placer personal incomparablemente único. Así de contundente se presenta el arte musical de The Chameleons en este mítico álbum y, en la misma medida, es para mí un honor comentar esta delicatessen gótica a los lectores de Lux Atenea Webzine.

Iniciamos la audición de este excelso álbum con la mítica canción “Mad Jack” donde quedaron fielmente reflejadas esas endiosadas personas egocéntricas tan escasamente dotadas para la cultura como sobradas en vanidad en un mundo donde todo ha de girar alrededor suyo. A continuación, los vientos nihilistas tendrán su continuidad en el tema “Caution”, una evanescente delicia instrumental perfecta para su lírica belleza. Con “Tears (original arrangement)”, nos adentraremos en esos terrenos emocionales donde los sueños son los que vives (“dreams are what you live for”), como muy acertadamente nos susurrará Mark Burgess hasta que la intensidad sonora nos eleve a planos existenciales de esencia trascendental en “Soul In Isolation”, uno de los más gloriosos temas del grupo The Chameleons inspirado en la obra “El Vagabundo de las Estrellas (Star Rover)” escrita por el genio de la literatura Jack London. Mientras “Soul In Isolation” habla directamente a su alma, ¡¡¡déjense impregnar por lo espiritualmente sublime!!! Tras escuchar este tema varias veces por puro placer, saltaremos de una joya a otra joya musical con la canción “Swamp Thing”, un tema que siempre me hará recordar uno de los épicos e imborrables momentos del concierto ofrecido por The Chameleons del año 2000. Si había lectores de Lux Atenea Webzine que no conocían ya esta magia musical, con todos los temas escuchados hasta ahora estoy seguro que este grupo y este álbum pasarán a formar parte de su selección musical más personal, y lo mejor está aún por llegar con temas contundentes y vibrantes como “Time / The End Of Time”, o con canciones tan introspectivas y reflexivas como “Seriocity”, mientras la grandeza sonora les irradiará disfrutando el tema “In Answer” expandiendo su espíritu hasta romper todos los límites. ¡¡¡“In Answer”, la más pura esencia The Chameleons!!!

De lo expansivo pasaremos a lo contemplativo con la canción “Childhood” a través del reflejo de los recuerdos en la mente humana, siendo el tema instrumental “I´ll Remember” el cierre sonoro de auténtico lujo elegido para finalizar la edición original publicada en vinilo en el año 1986. Pero la elegancia musical del grupo The Chameleons tiene su continuidad en el Bonus CD incluido como extra en esta edición limitada del año 1993, comenzando su intenso disfrute con la mejor versión del tema “Tears”. Sin duda alguna, una de las mejores canciones publicadas no solo en la década de los ochenta, sino en toda la historia de la Música Gótica hasta nuestros días. “Tears (full arrangement)”, ¿se puede pedir una mayor belleza musical a esta canción inmortal? Con el grandioso tema “Paradiso”, la fascinación por la incomprensible danza de la vida en la que estamos inmersos nos llevará directamente a la potente canción “Inside Out”, donde nos hablará de esa adaptación del individuo a los cambios porque anclarse al pasado le llevará a la insatisfactoria nostalgia. Una acelerada fuerza instrumental que tendrá en “Ever After”, ese espíritu inconformista de ígneo entusiasmo interior. Sin duda alguna, “Ever After” será otra de las canciones que más le apasionarán de esta edición. Finalmente, las magníficas versiones de los temas “John, I´m Only Dancing” (David Bowie) y “Tomorrow Never Knows” (The Beatles) pondrán un cierre musical selecto y culto a un álbum que les invitará e incitará a nuevas audiciones.

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En el año 2000, tuve oportunidad de ver y disfrutar en concierto al grupo The Chameleons en la sala madrileña Moby Dick. Una noche inolvidable donde la más pura esencia musical gótica tuvo su más absoluto protagonismo en una noche que fue mucho más que eso. Fue una noche donde el sentimiento y la perspectiva que marcaron una época en la escena gótica madrileña llegaban a su fin a través de uno de los grupos musicales con los que más nos identificamos. Mi conocimiento y mi búsqueda de grupos góticos comenzó en el año 1982 debido a la absoluta atracción y fascinación sonora que me provocaban este estilo y esta cultura musical, y no sería hasta el año 1987, escasos meses después de la publicación de este álbum, cuando pisaría por primera vez un local gótico. Desde entonces, mi apoyo y mi participación en la escena gótica madrileña fue tan constante como discreta, y grupos como The Chameleons siempre tuvieron mi apoyo a la hora de difundir su conocimiento entre las personas afines a este estilo musical. Además, nunca se me olvidarán las interesantes conversaciones que tuve con personas comprometidas con la cultura gótica en España como Jose, alma mater de la sala madrileña Dark Hole, o Arturo, alma mater de la tienda de discos Músicas de Regimen, sobre este y otros grandiosos grupos de la escena gótica nacional e internacional. Además, como algunos lectores ya conocen, las canciones del grupo The Chameleons siempre han estado presentes en mis sesiones durante mi etapa como DJ (1999-2010), precisamente, por este fuerte sentimiento y esta absoluta identificación con la esencia musical de este excelso grupo, y canciones como “Tears (full arrangement)” incluida en el bonus CD de este álbum, siempre tuvieron una excelente acogida entre el público asistente. Por este motivo, despedir el año 2011 en Lux Atenea Webzine con la reseña de este extraordinario álbum es para mí un privilegio, y espero que su audición les lleve a sentir profundamente este ideal humano con el que se identifica el espíritu gótico. “Strange Times”, un álbum mítico por su canto a la soledad del alma, por su individualismo e idealismo, y por esa belleza siniestra que ha embrujado nuestra vida en este mundo y a la que el paso del tiempo ha hecho aún más imprescindible la audición de estos inmortales temas. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 1154
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viernes, diciembre 30, 2011

“SURREAL VERSUS SURREALISMO EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO –CATÁLOGO OFICIAL-”.

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Publicado por: INSTITUTO VALENCIANO DE ARTE MODERNO

A principios de este mes tuve oportunidad de visitar la extraordinaria exposición organizada por el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) sobre el surrealismo, un arte siempre tan interesante como cautivador. Con un catálogo oficial disponible en Internet en formato .pdf a través de la página web oficial del IVAM, su lectura previa a la visita me permitió poder dedicar todo el tiempo que me gusta brindar a la contemplación y al análisis de las obras expuestas, sin tener que estar realizando parones informativos entre obra y obra. Aunque en el catálogo no están estas obras de arte ordenadas sucesivamente en la misma secuencia de su distribución en las diferentes salas que componen la exposición, la lectura previa del catálogo nos permite localizar con suma rapidez cada una de ellas para poder tener una idea más concreta del artista y de su obra que, complementado con las explicaciones y descripciones dispuestas a lo largo de toda la exposición, les permitirá adquirir un conocimiento mucho más profundo de cada obra creada bajo la psicológica influencia del surrealismo. Y es que hay obras de arte que te sorprenden, que te dejan paralizado, que te sobrecogen por su ingenio y talento mientras nos vamos adentrando poco a poco en los evanescentes mundos de lo onírico, de lo simbólico, de aquello que se encuentra en esa fina línea de ensoñación que separa la vigilia del sueño. Pero la realidad humana también está presente en cada una de estas obras a través de un mensaje psicológico, algunas veces subliminal, donde el arte contemporáneo encuentra en el mensaje surrealista ese lenguaje único para poder expresar una idea, una visión o un concepto directo a nuestra razón. Colores, formas, gestos,… hacen de este universo del Arte Contemporáneo unido a lo surreal, esa aventura mental y psíquica de irrenunciable visita en Valencia para aquellos lectores de Lux Atenea Webzine interesados en la Cultura y en el Intelecto. El Surrealismo obliga al espectador a hacerle pensar en lo que está viendo, a pensar en aquello que, bajo una apariencia intencionadamente determinada, se esconde el verdadero mensaje que le ha dado forma y sentido. Así de grandioso se presenta el Surrealismo, y tal es la grandeza del Instituto Valenciano de Arte Contemporáneo al haber organizado una exposición de arte tan espectacular e interesante.

Tras haber visitado esta magnífica e impactante exposición en el IVAM, y en vista a la calidad de las obras expuestas, quisiera ofrecer a los lectores de Lux Atenea Webzine estas impresiones personales sobre la esencia conceptual de algunas de las joyas artísticas aquí expuestas:

- TONY OURSLER “UNTITLE (HEAD WITH TOOLS)”: Una obra impactante y siniestramente bella. Refleja la cárcel carnal en la que habita nuestra alma a través de las cadenas y de los instrumentos de tortura que la mantienen sujeta.
- INEZ VAN LAMSWEERDE & VINOODH MATADIN “ANASTASIA”: Gélidamente fetichista. Una atractiva belleza femenina que oculta su verdadera realidad interior, mientras nos embruja con una mirada que te posee.
- ROSS BLECKNER “ONE DAY FEVER”: Un cuadro que impresiona por su efecto sobrenatural, por su fuerza espiritual, por su misticismo e imagen trascendente.
- JAVIER PÉREZ “CABEZA RAÍZ”: Impresiona y sobrecoge. Parece viva, como si en un momento u otro fuera a abrir los ojos. Representa la caducidad de todo lo carnal y material que marcan y definen el miedo ancestral del ser humano a la muerte.
- MARC QUINN “THE FUTURE OF THE PLANET”: Obra siniestra. Representa el idealismo místico, tanto en su dimensión espiritual como en su dimensión terrenal. Imagen contundente sobre la trascendencia más allá de la muerte.

Otras obras de arte a destacar son:

- MATTHEW BARNEY “CREMASTER 4: LOUGHTON MANUAL”: El hombre ante el dilema existente entre su instinto animal (macho cabrío = símbolo de la masculinidad) y su esencia espiritual (traje blanco = símbolo de pureza) que trata de dar la espalda a lo animal (lo terrenal, lo material, lo carnal), pero sin perder contacto con ello (por ese motivo, está tocando el cuerno del macho cabrío pero sin mirarlo). Perfectamente podía llegar a ser una moderna carta del Tarot.
- JOHN BOCK “SEEWOLF”: Reflejo artístico de la capacidad del ser humano para adaptarse a cualquier medio y circunstancia en la vida. Una obra inspirada en el libro de Jack London “El Lobo de Mar”.
- MAURIZIO CATTERLAN “CHARLIE DON´T SURF”: Representación del individuo educado en la modernidad.
- FRANCESCO CLEMENTE “JAIN SAINT”: Una compleja obra donde queda representado simbólicamente el mundo material y el mundo espiritual separados por un inexorable vacío existencial.
- ROBERTO CUOGHI “SENZA TITULO”: Retrato del músico Arto Lindsay a través de una degradación realista de su imagen como contraste entre la imagen alterada que vemos y la verdadera imagen del artista. Sus ojos te miran y te incomodan. Su mano parece viva.
- NATHALIE DJURBUERG “SNAKES KNOW IT´S YOGA”: Interesante video de animación utilizando personajes creados con arcilla.
- FRANCESCO GENNERI “CONTRAZIONE DELLA METAFISICA Nº2”: Su efecto psicológico rompe con lo orgánico.
- ROBERT GOBER “MAN COMING OUT OF THE WOMAN”: Una de las obras más impactantes de la exposición, sobre todo para el público femenino, por su absoluto realismo. Impresiona su contundente representación de los traumas sexuales femeninos.
- DIONISIO GONZALEZ “JORNALISTA ROBERTO MARINHO II”: Símbolo de la presencia social y urbana del ser humano alterando y adaptando siempre el entorno en donde se establece.
- DOUGLAS GORDON “SELF-PORTRAIT OF YOU + ME (TYRONE POWER)”: Excelente studio psicológico de las ilusiones del público y de los fans ante las grandes estrellas. Tiene espejos en boca, ojos y frente (la frente representa cerebralmente a nuestras emociones y a nuestra personalidad) para que el espectador pueda reflejarse en ellos, convirtiéndose en la propia imagen de la obra.
- TIMOTHY GREENFIELD-SANDERS “JOHN JONES, MARINE STAFF SERGEANT”: Posmoderno en su mensaje, en esta obra sorprende la integración realizada entre carne y máquina en una ruptura psicológica de lo corporal como algo exclusivo, al haber sido sustituido lo orgánico por una máquina.
- PETER HALLEY “PRISON”: Futurista posmodernidad tecnológica. Post-estructuralismo. Te atrae y, a su vez, te invita a dar un paso atrás.
- CARSTEN HÖLLER “REINDEER”: Es un reno recién nacido pintado de verde. Sus ojos te observan y te juzgan. Una crítica demoledora de la injerencia humana en las leyes naturales.
- SHIRAZEH HOUSHLARY “FLOOD”: Una obra que te hipnotiza con esa sensación de profundidad y de dinamismo. Textura cromática casi orgánica.
- MICHAEL JOO “IMPROVED RACK (MOOSE Nº6)”: Imagen del pensamiento científico que todo lo ha de dividir y analizar por separado, cuando en el conjunto está su esencia.
- ANISH KAPOOR “UNTITLED”: Una obra que invierte nuestra imagen, confundiendo nuestros sentidos sobre la realidad que percibimos.
- KOMAR AND MELAMID “STALIN AND THE MUSES”: Extraña integración del neoclasicismo con la propaganda política. Una extraña mezcla del idealismo mitológico y las limitaciones políticas.
- OLEG KULIK “THE HOLY FAMILY”: Un cuadro muy realista y extremo que te crea tensión.
- MA LIUMING “FEN-MA LIUMING”: Fotografía del artista vestido y maquillado como una mujer como imagen de los vientos sociales posmodernos que están llegando con la globalización.
- RUDI MANTOFANI “WHEN TOUCHES THE GROUND”: Crítica de la simbología psicológica relacionada con la agresividad y con la violencia a nivel social.
- LUIGI ONTANI “LANCILLOTTO, CAVALIERE ANONIMO”: Una visión idealista del ser humano en la naturaleza. Naturalismo humanizado. Es curioso cómo su protagonista no tiene ojos triunfantes, sino resignados, porque la naturaleza le limita.
- RICHARD PRINCE “SILHOUETTE COWBOY (A HERD OF BUFFALO)”: Sensación de movimiento. Refleja el poder de la publicidad a la hora de hacer real las ilusiones sociales y humanas.
- NEO RAUCH “GEGENLICHT”: El ser humano expuesto a las letales exigencias de la productividad, de la técnica y del progreso.
- CINDY SHERMAN “UNTITLE, FILM STILL Nº6”: Contraste absoluto entre la imagen exterior (ego e ilusiones) versus realidad interior.
- CINDY SHERMAN “UNTITLE, FILM STILL Nº15”: Contraste entre sus ilusiones y deseos respecto a la realidad en la que vive.
- CINDY SHERMAN “UNTITLE, FILM STILL Nº53”: Mirada femenina de desconfianza ante los aires cosmopolitas propios de la modernidad.
- SHI YONG “THE MOON´s HUES ARE TEASING”: Contraste entre la realidad y la ilusión, entre lo que es y lo que debería ser. Una obra que nos provoca psicológicamente al romper simbólicamente con lo que pensamos que debería ser real.
- RONALD VENTURA “CUMULUS”: Esta obra es una siniestra crítica social donde la opulencia queda reflejada en un rostro lleno de dolor, de suplicio, de desgracia y de muerte. Sorprende la representación de lo industrial y de los vicios, o sobre la fascinación que provoca lo material como si la vida fuera Disneylandia.
- WANG GUANGYI “VIRUS CARRIER”: Una obra convertida en una crítica de la manipulación social a través de mensajes psicológicos relacionados con nuestros miedos ancestrales.
- WANG QINGSONG “FOLLOW HIM”: Refleja la sobrecarga informativa y cultural del individuo en nuestra sociedad, una situación que le provoca dudas e inestabilidad en su razonamiento, de ahí la gran cantidad de hojas espachurradas que tiene tiradas en el suelo. Un obra crítica con un mensaje claro y muy directo.
- WANGECHI MUTU “UNTITLE”: La figura femenina representada en su unión con la Madre Naturaleza, pero de una forma dominante y creativa marcada por la diversidad. Tiene una serpiente sin cabeza como simbólica representación de la liberación de la mujer de ese pecado cristiano que se le ha asignado. Un cuadro casi religioso y muy expansivo sensorialmente.
- YUE MINJUN “HAPPINESS”: Alienante. Imagen de la falsedad social vestida de felicidad a través de un encorsetamiento de la personalidad bajo los dictados morales y éticos de la sociedad.
- ZHANG XIAOGANG “BROTHERS AND SISTERS”: Refleja la pérdida del individualismo en la sociedad china moderna. Tienen ojos perdidos, sin alma ni libertad de pensamiento.
- ERWIN WURM “ANGER BUMPS”: Impresiona porque parece animado, pero no tiene ni vida ni personalidad (le falta la cabeza). Es una imagen psicológica de la realidad humana vista desde la perspectiva y el razonamiento científico.

“Surreal versus Surrealismo en el Arte Contemporáneo”, el interesante catálogo oficial de una exposición de Arte de imprescindible visita en Valencia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 1153
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jueves, diciembre 29, 2011

PÍO BAROJA “EL ÁRBOL DE LA CIENCIA”.

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LUX ATENEA WEBZINE conmemora el Centenario de la publicación de la obra “El Árbol de la Ciencia”(1911) del escritor y novelista español Pío Baroja.

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Publicado por: EDICIONES CARO RAGGIO / EDICIONES CÁTEDRA, S.A.
ISBN: 84-376-0522-9
Edición: 1985
Páginas: 303

“¿Cómo decir a aquella mujer que él se consideraba como un producto envenenado y podrido, que no debía tener descendencia?”

Sin duda alguna, el maestro de la literatura Pío Baroja (1872 - 1956) ha sido uno de los escritores y novelistas más cultos que hayan nacido en nuestro país. Un genio literario que destacó en su época por sus ansias inagotables de conocimiento que le llevarían, a lo largo de los años, a atesorar en su mente una amplia cultura que quedaría fielmente reflejada en sus más exitosas obras. Muchos de sus libros se han convertido en incomparables crónicas de su época, siendo su obra “El Árbol de la Ciencia” uno de estos innovadores y sorprendentes trabajos literarios en donde expresaría muchas de sus inquietudes científicas, y de su perspectiva filosófica de la existencia humana, a través de un análisis basado en una mentalidad abierta y progresista. Pío Baroja, como escritor entregado en cuerpo y alma a la creación literaria y a la observación de la vida, de la sociedad y del mundo en su diversidad, tuvo una mente mucho más avanzada que la sociedad que le tocó vivir y, mucho más aún, dentro de la tradicional y estancada sociedad rural en donde iniciaría su labor como médico. En Pío Baroja, y muy especialmente en “El Árbol de la Ciencia”, los lectores de Lux Atenea Webzine encontrarán a un genio de la literatura española que destaca por su intensidad narrativa, por su agilidad descriptiva, y por el perfilamiento de unos personajes que se sienten plenamente vivos y emotivos durante la lectura. Y dentro de esa intensidad emocional, el contraste entre lo tradicional y lo moderno encuentra en esta obra uno de sus escenarios más impetuosos y apasionados por sus enérgicos choques intelectuales.

“Sí, nos ha quitado terrores, pero nos ha quitado también la vida. ¡Sí, es la claridad la que hace la vida actual completamente vulgar! Suprimir los problemas es muy cómodo, pero luego no queda nada.”

“El Árbol de la Ciencia” está impregnado con ideas y conceptos filosóficos y científicos que invitan a la reflexión. Una interesante obra literaria donde el contraste generacional y el intercambio de opiniones a través de discusiones entre sus personajes abarcan desde la política hasta la moral y la ética de su época, y en cuyas páginas dejaría reflejadas muchas de sus experiencias como estudiante de Medicina y como médico rural, posteriormente. De por sí, esta obra está dividida en cuatro partes muy diferenciadas donde su vida como estudiante, su viaje a Valencia, su entrada en la sociedad rural como médico, y su retorno a Madrid, se terminan convirtiendo en los eslabones que dan cuerpo a esta trama cuya esencia literaria es claramente intelectual. Indiscutiblemente, “El Árbol de la Ciencia” es una extraordinaria novela, pero la fuerza literaria y el interés que despertará en los lectores de Lux Atenea Webzine que decidan adentrarse en sus reflexivas páginas vendrán dados por esta difícil y compleja relación que se establece entre el amor, la religión y la Ciencia. El siglo XIX fue el siglo de la Ciencia pero, a principios del siglo XX, esa mentalidad científica empieza a mostrar signos de desgaste como camino hacia la plenitud del individuo, y dentro de esa ruptura del razonamiento científico como respuesta a las grandes inquietudes del ser humano en la vida, “El Árbol de la Ciencia” se convierte en uno de los testimonios más rotundos de esa decadencia científica como panacea universal del pensamiento humano. Una ilusión absoluta en las bondades de la Ciencia que, en el protagonista de este libro, acabará por transformarse en desilusión, desesperanza, y pérdida del sentido de la propia existencia debido a esa inmensa grieta interior que se abrirá dentro de esta persona sensible y romántica. Un ideal en su visión del mundo que se verá oscurecido por la cruda realidad que lo rodea. “El Árbol de la Ciencia”, la novela más autobiográfica del autor como fiel reflejo literario de una época en la Historia de España. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“El acuerdo de todas las inteligencias en una misma cosa es lo que llamamos verdad.”

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Lux_Atman

Artículo Nº: 1152
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martes, diciembre 27, 2011

THE STROKES “IS THIS IT”.

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EDICIONES MÍTICAS, SUBLIMES Y SINIESTRAS EN LA MÚSICA GÓTICA & DARK & INDEPENDIENTE ( 49 ).

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LUX ATENEA WEBZINE conmemora el 10º ANIVERSARIO del álbum “IS THIS IT” (2001) del grupo musical estadounidense THE STROKES.

Publicado por: RCA, (74321 95450 2), 2002.
Edición comentada: Edición especial de CD + DVD.

CD:
1- Is This It.
2- The Modern Age.
3- Soma.
4- Barely Legal.
5- Someday.
6- Alone, Together.
7- Last Nite.
8- Hard To Explain.
9- New York City Cops.
10- Trying Your Luck.
11- Take It Or Leave It.

DVD VIDEO:
1- Videoclip “Last Nite”.
2- Videoclip “Hard To Explain”.
3- Videoclip “Someday”.
4- Videoclip “New York City Cops”.
5- Videoclip “The Modern Age”.

Sin lugar a la menor duda, “Is This It” es uno de los mejores álbumes indie de todos los tiempos al haberse convertido en ese esplendoroso disco para disfrutar desde la primera hasta la última canción porque su extraordinaria calidad musical es sencillamente insuperable. Aunque esta edición original comentada es del año 2002 al ser la más completa, en realidad, fue en el año 2001 cuando “Is This It” fue publicado por primera vez a través del prestigioso sello discográfico RCA, convirtiéndose en uno de los álbumes más revolucionarios de la primera década del siglo XXI dentro de la escena indie debido a la talentosa innovación musical aquí mostrada. Formado por Albert Hammond Jr (guitarra), Nick Valensi (guitarra), Nikolai Fraiture (bajo), Fabrizio Moretti (batería) y Julian Casablancas (vocalista), el grupo The Strokes presentan estos once temas míticos para alegrarte el día, para acompañarte en momentos de soledad, para animarte a dar un nuevo giro a tu vida en busca de esa plenitud existencial siempre esquiva y caprichosa, o para dar una mayor intensidad emocional a momentos muy especiales porque The Strokes, con ese aire desenfadado y un tanto descarado, suenan como si ya estuvieran de vuelta de todo en esta vida. Esa experiencia, con la que han engalanado cada una de estas composiciones, se siente intensamente en lo más profundo de nuestro Yo al escuchar cada uno de estos temas y, mientras seguimos embarcados en este mundo cada vez más difuso y cambiante, su música parece asentir con melódica brillantez ese espíritu occidental rebelde que tanto ha definido nuestra cultura desde hace siglos. Además de todo este despliegue de puro talento, los neoyorkinos The Strokes también lograrían adquirir algo muy difícil de alcanzar por muchas otras grandes bandas: hacerse con un estilo y un sonido personal y único que los diferenciaba muy claramente del resto de los grupos a la hora de componer canciones. Y es que, para los lectores de Lux Atenea Webzine que no los conozcan, cuando escuchen a The Strokes comprobarán fielmente cómo suenan a The Strokes y a nadie más. Un sello sonoro que les identifica claramente, e independientemente del carácter vanguardista con el que se abrieron hueco dentro del competitivo panorama musical. A través de un estilo creativo englobado dentro de la ecléctica escena indie, ellos dieron un paso más allá en lo que era arte musical sin ataduras. Por este motivo, y siempre dentro del mundo del rock melódicamente más contagioso y líricamente más embriagador, como excelso álbum de debut “Is This It” tiene canciones que se han convertido, no solamente en himnos para los más fieles seguidores de The Strokes, sino en canciones de imprescindible audición para cualquier melómano que ame el rock independiente más selecto. Una grandeza artística que viene rodeando a The Strokes desde hace una década, motivo por el cual hemos seleccionado este magnífico álbum para formar parte de nuestra sección musical más entregada a lo selecto dentro de la escena Independiente.

Iniciamos la audición de este excelso álbum con el tema que le dio título, “Is This It”, una mirada desganada al mundo que nos rodea por esa falta de identificación personal con todo lo que a la mayoría de la gente les mueve en esta vida. Con la canción “The Modern Age”, mientras la necesidad de soledad en la espera se vuelve casi vital, esa insatisfacción existencial tendrá puesta su esperanza de cambio en un mañana que habrá de alterarlo todo en positivo pero, a continuación, el irrealismo artificialmente alterado se presentará en el tema “Soma” como ese mundo ideal que, desde nuestro más profundo Yo, siempre acabará siendo rechazado porque la cruda realidad siempre se termina imponiendo. ¡¡¡“Soma”, un impresionante tema convertido en una indiscutible radiografía social!!! Esa fuerza melódica y sonora seguirá bien viva en la excelsa canción “Barely Legal”, sumergidos en esa dinámica de insatisfacción y de incomprensión absoluta sobre el sentido de la vida en relación a uno mismo, llegando incluso a los miedos interiores y a la sensación de fragilidad interior en cuanto el sublime tema “Someday” empiece a sonar en nuestra mente. En cambio, con la esencia posmoderna de la canción “Alone, Together”, será el pragmatismo más duro y extremo llevado a no ver más allá del momento, y de la gente con la que estamos compartiendo unos instante únicos e irrepetibles, lo que volverá a situarnos en esa razón de ser de nuestra existencia a través de nuevas y estimulantes experiencias. ¡¡¡“Alone, Together”, otra genialidad con el sello inconfundible The Strokes!!!

Justamente en la cara opuesta de esa nocturna moneda se encuentra la canción “Last Nite” a través de un vagar de un lugar a otro en busca de algo especial en mitad de la noche y que nunca encontraremos, y, dentro de esa misma dinámica, “Hard To Explain” nos dará esa experimentada clave con la cual lo supuestamente correcto no garantizará en absoluto el éxito, aunque la sociedad y la familia nos hayan insistido desde siempre en lo contrario. ¡¡¡“Hard To Explain”, sencillamente insuperable!!! Con “New York City Cops” nos adentraremos en el tema de este álbum cuya letra llevó a The Strokes a sufrir el peso de la censura musical en los EE.UU al ser publicado poco tiempo después del fatídico 11 de septiembre, siendo la canción “Trying Your Luck” el testimonio más claro de las relaciones humanas establecidas exclusivamente por el interés y por las indiscutibles ganancias que solamente obtiene una de las partes. Finalmente, será el extraordinario y contundente tema “Take It Or Leave It” el encargado de cerrar esta joya discográfica con una composición musical indie de auténtico lujo. Completando esta edición, los lectores de Lux Atenea Webzine podrán disfrutar de los cinco videos oficiales del grupo en el DVD extra incluido en esta edición, unos interesantes videoclips pertenecientes a sus exitosas canciones “Last Nite”, “Hard To Explain”, “Someday”, “New York City Cops” y “The Modern Age”. Un lujo audiovisual perfecto para poder sentir la música del grupo The Strokes en todo su esplendor. “Is This It”, en el Olimpo de la Música Indie siempre encontrarán este álbum sonando. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Artículo Nº: 1151
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LENNY KRAVITZ “MAMA SAID”.

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LUX ATENEA WEBZINE conmemora el 20º ANIVERSARIO del álbum “MAMA SAID” (1991) del músico, compositor y artista estadounidense LENNY KRAVITZ.

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Publicado por: VIRGIN RECORDS AMERICA, INC, (CDVUS31 261 326), 1991.
Edición comentada: CD Picture.

1- Fields Of Joy.
2- Always On The Run.
3- Stand By My Woman.
4- It Ain´t Over ´Til It´s Over.
5- More Than Anything In This World.
6- What Goes Around Comes Around.
7- The Difference Is Why.
8- Stop Draggin´ Around.
9- Flowers For Zoë.
10- Fields Of Joy (Reprise).
11- All I Ever Wanted.
12- When The Morning Turns To Night.
13- What The Fuck Are We Saying?
14- Butterfly.

Este excelso CD original lleva acompañándome estas dos últimas décadas y sigue aun conservando su grandeza cada vez que lo vuelvo a escuchar (que son unas cuantas veces al año), consiguiendo volver a apasionarme tanto o más como en el año 1991 en el que se publicó. Tal vez sea esa mezcla de recuerdos de sus conciertos, unido a una mayor experiencia de la vida (aspecto muy vivo en estos gloriosos temas), los que me siguen acompañando en cada nueva audición del álbum porque “Mama Said” sigue teniendo el privilegio de ser uno de esos grandiosos discos que se escuchan y se disfrutan desde la primera hasta la última canción en un todo musical vivo e intenso siempre capaz de emocionarte. Es verdad que este álbum tiene algunos temas espectaculares, pero sigo sintiéndolos y entendiéndolos más intensamente si los escucho todos íntegramente al completo que por separado, porque es entonces cuando adquieren ese sentido, esa fuerza vital sonora y cromática que me hipnotizó desde la primera vez que lo escuché. El álbum “Mama Said” es una delicia musical donde el funk, la psicodelia, el rock y el soul han sido inteligentemente mezclados e integrados en unas espectaculares composiciones musicales que te dejan irremediablemente entregado al inconfundible sonido Lenny Kravitz. Una delicatessen musical donde el talento creativo, unido a una cuidada imagen del artista, se convirtió en un contundente éxito comercial en todo el mundo con tres millones de discos vendidos, y cuyos ecos sonoros en directo aún perduran en la memoria de muchos melómanos. Así de grandioso se presenta el álbum “Mama Said” para los lectores de Lux Atenea Webzine que no lo conozcan, y a quienes ya lo conozcan, si la lectura de esta reseña les incita a una nueva audición, mi objetivo cultural estará sobradamente cumplido.

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Iniciamos la audición de este revolucionario álbum con el precioso tema “Fields Of Joy”, una de las pocas composiciones de este excelente trabajo cuya letra y música no han sido escritas íntegramente por Lenny Kravitz. A continuación, con el contundente tema “Always On The Run”, escrito por el conocido guitarrista Slash (grupo Guns N´ Roses) y el propio Lenny Kravitz, pasaremos de la serenidad a la intensidad rockera más urbana en un espíritu cosmopolita que se mueve entre nuestras aspiraciones personales para no perder la vanguardia y la salvaje evolución conceptual que está redefiniendo constantemente nuestro mundo posmoderno. Con “Stand By My Woman”, la serena belleza de la reflexión aparecerá melódicamente engalanada con la esencia del arrepentimiento, siendo el excelso tema “It Ain´t Over ´Til It´s Over” la expresión positiva de una actitud más creativa, activa y honesta hacia el amor expresada a través del embrujo de la música, y la seductora canción “More Than Anything In This World”, una de las más brillantes y talentosas joyas pertenecientes a este incomparable trabajo. Dentro de esta dinámica sonora de constante cambio en los estilos musicales como fruto final de su creativo eclecticismo, la vibrante calidez regresará a nuestro espíritu con “What Goes Around Comes Around” y un final de canción en el más puro estilo jazz que es toda una delicia escuchar, quedando a continuación el tema “The Difference Is Why” como otro de los momentos emocionalmente más profundos e intensos, mientras esta exquisita composición va meciéndonos delicadamente hasta dejarnos en la orilla de la contundente canción “Stop Draggin´ Around”. ¡¡¡“Stop Draggin´ Around”, la fuerza y la pasión del amor tratando de abrirse paso en la jungla urbana!!!

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Con “Flowers For Zoë”, dulce composición dedicada a su hija, nos adentraremos en un terreno sonoro influenciado por las corrientes musicales más setenteras y psicodélicas, siendo la versión del tema “Fields Of Joy (Reprise)” la muestra más clara de esta reactualización de un estilo que aún sigue hipnotizando nuestra mente con su fascinante atracción sonora. A continuación, la excelsa canción “All I Ever Wanted”, tema compuesto por Sean Taro Ono Lennon (único hijo de John Lennon y Yono Ono) y el propio Lenny Kravitz, les sumergirá en la lírica más bella, melódica, auténtica y descarnada. Una realidad humana tantas veces arrinconada y minusvalorada en la sociedad que estamos viviendo en este siglo XXI, y cuyos dulces frutos son tan difíciles de conseguir como fáciles de perder, o de echar a perder en nuestras manos. ¡¡¡“All I Ever Wanted”, para mí, una de las mejores canciones que se hayan escrito nunca!!!, y con una interpretación arrebatadoramente sublime en manos de Lenny Kravitz. La crudeza de la vida seguirá bien presente con el tema “When The Morning Turns To Night”, siendo la canción “What The Fuck Are We Saying?” otra delicatessen musical para ser degustada en medio de la noche mientras paseas por las calles de tu ciudad, iluminadas por luces de neón, observando la locura humana en la que estamos metidos hasta el cuello. ¡¡¡“What The Fuck Are We Saying?”, una reveladora composición tan magistral como brillante!!! Finalmente, el tema “Butterfly” pondrá el cierre a un admirable trabajo musical a través del sonido de la guitarra acompañada con la voz de Lenny Kravitz, ofreciéndonos los últimos instantes de luz enfocados hacia este glorioso álbum que el paso del tiempo ha convertido en una preciada obra de arte dentro del mundo de la música.

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A Lenny Kravitz he tenido oportunidad de verle en directo en varias de sus giras (como se puede comprobar en las imágenes de las entradas y booklets oficiales) y su calidad sobre el escenario es sencillamente impecable. Además, en su concierto ofrecido en el Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid tuve ocasión de tenerle a mi lado mientras cantaba uno de sus conocidos temas. Un momento único e inolvidable que me ocurrió, no por haber estado situado en primera fila junto al escenario, sino precisamente en la grada superior situada enfrente que, debido a una escapada de Lenny Kravitz durante el concierto, acabó presentándose allí de improviso justamente en la zona donde estaba yo tranquilamente disfrutando de su impresionante directo. Ese momento tan especial, junto al impresionante concierto ofrecido en La Riviera, mucho más pequeño y directo, y a la asistencia a su primer concierto en la capital perteneciente a su gloriosa primera gira, convierten a Lenny Kravitz en uno de los artistas que más he disfrutado en concierto. Además, sentir en tu propia piel la impresionante y contundente interpretación de sus temas ofrecida por Cindy Blackman a la batería, se ha convertido en otro de esos momentos musicales indeleblemente grabados en mi mente. La increíble potencia y técnica que tenía esta mujer a la batería te dejaba impresionado. Una fuerza, una resistencia y una destreza que más quisieran muchos tener. ¡¡¡Todo un lujo musical para un grupo en concierto!!!

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Antes de terminar de escribir esta reseña, como apunte final me encantaría comentarles que, personalmente, Lenny Kravitz me parece uno de los grandes genios de la música de las últimas décadas. Pero también es verdad que, desde el álbum “Circus”, se ha vuelto más previsible en sus composiciones y aunque sus grabaciones son impecables, me falta ese ingenio, ese riesgo, esa sorpresa instrumental o lírica en sus nuevos temas. Tengo la firme convicción de que talento, a Lenny Kravitz, le sobra. Estoy seguro que podría componer un nuevo álbum a este mismo nivel de calidad, de innovación y de magia musical sin necesidad de que fuera una repetición, sino simplemente una evolución conceptual destinada a volvernos a embrujar con su voz y con su música. Pero tampoco voy a negar que el mundo de la música está pasando por una etapa muy mala en lo que a ventas de discos se refiere, y, a pesar de todas estas sinceras impresiones desde la admiración, cada nuevo álbum de Lenny Kravitz siempre se convierte en un éxito en ventas que, a fin de cuentas, es lo que desea un sello discográfico en estos difíciles tiempos del gratis total en Internet que tanto daño está haciendo al panorama musical y a los artistas en su forma de ganarse la vida artísticamente a través de la venta de sus obras y de sus creaciones. Es indiscutible que cada nuevo álbum de Lenny Kravitz vuelve a registrar ventas de centenares de miles de unidades, y muchos artistas en la actualidad se pondrían en su lugar sin ninguna duda en vista a ese elevado volumen de ventas. En cambio, a mí me sigue faltando magia sonora en sus temas publicados de unos años a esta parte. “Mama Said”, cuando el eclecticismo musical se convierte en puro arte. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 1150
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sábado, diciembre 24, 2011

PAUL HOFFMAN “LA MANO IZQUIERDA DE DIOS”.

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Quiero dar las gracias a la editorial LA ESFERA DE LOS LIBROS por su cortesía con LUX ATENEA WEBZINE al enviarnos este promocional.

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Publicado por: LA ESFERA DE LOS LIBROS, S.L.
ISBN: 84-9734-931-4
Edición: 2010
Páginas: 404

Cuando empecé a leer “La mano izquierda de Dios”, apenas me hicieron falta tres hojas para quedar atrapada entre sus páginas. La rotundidad y la sincera crueldad con la que el escritor Paul Hoffman me había descrito un lugar que debería ser símbolo de pureza y sosiego, me dejó totalmente convencida de que ésta obra iba a ofrecerme grandes minutos de increíbles acontecimientos. En esta obra, relatada en tercera persona, los lectores de Lux Atenea Webzine podrán conocer las aventuras de un joven de 14 años llamado Cale, y que es capaz de asesinar a una persona en tan solo 3 segundos. Cale sobrevive confinado en el Santuario de los Redentores en Peña Shotover, siendo educado y entrenado bajo una férrea doctrina religiosa donde no hay ni escapatoria ni esperanza de futuro a corto plazo. Pero, por una extraña casualidad, Cale será testigo de una abominación que sobrepasa los límites morales con los que ha sido educado, y decide inmiscuirse en ello desencadenando una serie de acontecimientos cuyas consecuencias se escaparán de su control. A partir de entonces, ese mundo marcado por el poder, el linaje y el dinero será el escenario donde Cale tendrá que aprender a desenvolverse con rapidez para poder escapar de quienes le persiguen, demostrando que la juventud no es sinónimo de esclavitud ni la muerte una opción.

Con un sorprendente estilo narrativo, el escritor Paul Hoffman consigue atraer toda nuestra atención hacia su obra creando un vínculo de empatía entre el protagonista y el lector, incitando de esta forma a una constante lectura a través de giros en la trama que nos llevarán desde callejones sin salida al esplendor de los tiempos de caballerías y hazañas, o de una férrea sociedad teócrata al propio descubrimiento del amor. Unas transiciones radicales donde el lector de Lux Atenea Webzine disfrutará y sufrirá con la tensión de las persecuciones y de los secuestros, de los combates y de los sacrificios personales, todo ello, con la inevitable guerra como telón de fondo que les dará la sensación de que existe algo más aparte de lo que nos está narrando Paul Hoffman, como si un secreto nos fuera a ser revelado de manera inminente. “La mano izquierda de Dios”, una novela fantástica sobre el poder de la supervivencia que nos llevará desde la oscuridad hasta la luz a través de un sinfín de claroscuros.

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Atenea

Artículo Nº: 1148
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miércoles, diciembre 21, 2011

“LA GUERRA DE LOS MUNDOS (THE WAR OF THE WORLDS)”.

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Director: BYRON HASKIN Guión: BARRÉ LYNDON (basado en la novela de H. G. Wells)
Actores principales: GENE BARRY (Dr. Clayton Forrester), ANN ROBINSON (Sylvia Van Buren).
País: EE.UU Año: 1952 Productora: PARAMOUNT PICTURES Duración aprox.: 82 minutos
Publicado en España por: PARAMOUNT HOME ENTERTAINMENT (SPAIN), S.L. AÑO: 2000 Formato: DVD.

“Yo solamente sé que es grande como una casa y brilla como un ascua.”

Este largometraje sobre “La Guerra de los Mundos” se convirtió en la primera adaptación cinematográfica realizada sobre esta famosa obra literaria escrita por el maestro H. G. Wells. Incluida dentro del no siempre valorado cine B, “La Guerra de los Mundos” es una buena película de ciencia-ficción rodada en color (utilizando el sistema technicolor) y con una atrayente trama donde nos narran la invasión del planeta Tierra organizada desde Marte aprovechando el momento de mayor cercanía a nuestro planeta para poder lanzar sus naves. Una de estas naves invasoras acaba cayendo cerca de una pequeña población californiana durante el periodo estival, siendo confundida con un meteoro, pero, en muy poco tiempo, esos mismos ciudadanos pasarán de la expectación y la sorpresa ante la contemplación de tan extraño suceso, al terror y a la huida desesperada intentando salvar sus vidas. En pocos días, la sensación de vulnerabilidad y de indefensión ante este ataque destinado a exterminar la raza humana se extenderá por todo el planeta provocando el caos, el pánico social, los desórdenes, los robos y asaltos, la incomunicación entre las ciudades, los gobiernos y los países,… llegando a un inminente final casi apocalíptico del cual no ven la salida. La película “La Guerra de los Mundos” tiene imborrables escenas que se quedarán indeleblemente grabadas en la mente de los lectores de Lux Atenea Webzine, como la escena del sacerdote tratando de acercarse a los invasores para poder comunicarse con ellos, la descripción militar de las tácticas marcianas para atacar objetivos, la prueba en el laboratorio científico del ojo artificial creado por los marcianos, el ataque sistemático de las naves marcianas a la gran ciudad,… en definitiva, un admirable talento artístico y un ingenio creativo que tendría como justa recompensa el ser galardonada con un Oscar a los mejores efectos especiales.

“Si están más avanzados que nosotros, vivirán más cerca del Creador por esta razón.”

Muchas de sus imágenes ya forman parte de la iconografía del más selecto cine B de ciencia-ficción y, algunas de sus escenas, siguen siendo aún hoy día objeto de culto para muchos amantes del Séptimo Arte. El diseño de las aeronaves marcianas, el estilo descriptivo y visual tan particular con el que se va desarrollando la trama, los colores intensos elegidos para señalar la avanzada tecnología creada por estos implacables invasores, la ambientación de los diferentes escenarios, las huellas que dejan en el suelo los hombres desintegrados, el sonido tan característico de los rayos marcianos cuando son lanzados, el aspecto físico de los invasores, la clave numérica de tres que marca todo lo relacionado con lo marciano, los flexibles lanzadores de poderosos rayos desintegradores (como si fueran amenazantes serpientes atacando nuestro inconsciente),… logran crear ese ambiente tan especial y esa atmósfera de desconocimiento, incertidumbre, decadencia y desesperación en cada uno de los diferentes escenarios donde se desarrolla la acción. Unas características estéticas y visuales muy bien llevadas a la gran pantalla y que se han convertido en las inconfundibles señas de identidad de esta película para todos sus seguidores. Recientemente, el genial director de cine Steven Spielberg también rodó otra adaptación de esta obra literaria, pero dentro de un enfoque mucho más espectacular y con el actor Tom Cruise como protagonista principal. Pero, esta película de 1953, visualmente mucho más sencilla y modesta en comparación con el presupuesto infinitamente superior manejado por Spielberg, en cambio sigue teniendo ese encanto propio del cine B creado con alma y pasión, y que tanto me gusta contemplar para pasar esos momentos únicos tan especiales que solamente el arte cinematográfico es capaz de ofrecerme. Prácticamente, lo único que une a estas dos versiones, tan distantes en el tiempo y en su estilo, es la imagen de la apertura de la trampilla de la nave invasora de la cual acaba saliendo el brazo del marciano agonizante en su último aliento de vida antes de morir. Salvo esa impactante escena, ambos largometrajes no se parecen en nada a pesar de tener como fundamento la misma obra de H. G. Wells. “La Guerra de los Mundos”, si el cine es esencialmente entretenimiento, les puedo asegurar que esta película no les defraudará en absoluto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Si son mortales, habrán de tener su punto vulnerable.”

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Lux_Atman

Artículo Nº: 1147
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“EL SILENCIO DE LOS CORDEROS (THE SILENCE OF THE LAMBS)”.

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LUX ATENEA WEBZINE conmemora el 20º ANIVERSARIO de la película “EL SILENCIO DE LOS CORDEROS” (1991).

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Director: JONATHAN DEMME Guión: TED TALLY (basado en la novela de Thomas Harris).
Actores principales: JODIE FOSTER (Clarice Starling), ANTHONY HOPKINS (Dr. Hannibal Lecter), TED LEVINE (Buffalo Bill), SCOTT GLENN (Jack Crawford).
País: EE.UU Año: 1991 Productora: ORION PICTURES. Duración aprox.: 114 minutos
Publicado en España por: MGM HOME ENTERTAINMENT AÑO: 2006 Formato: 2 DVD´s (EDICIÓN DEFINITIVA)

“Sufrimiento – Agonía – Dolor. Te encanta”

Galardonada con importantes premios cinematográficos entre los que destacan sus cinco Oscars (mejor película, mejor guión adaptado, mejor director, y mejor actor y actriz) y el Globo de Oro a la mejor actriz, la extraordinaria película “El Silencio de los Corderos” ha cumplido su vigésimo aniversario este año 2011. Considerada una de las mejores películas dentro de cine de suspense, este largometraje es un sobrecogedor thriller con un atractivo guión basado en la famosa novela escrita por Thomas Harris. Una película sombría, triste, tal vez, por esa ambientación gris donde el Sol siempre está cubierto por las nubes, o cuando éste aparece con su luz en el cielo, siempre es en amaneceres o en anocheceres. Su protagonista principal, Clarise Starling, es una agente del FBI deseosa de trabajar en el departamento de ciencias del comportamiento encargada de esclarecer el dramático y sangriento caso de Buffalo Bill, un psicópata dedicado a asesinar mujeres de una talla muy concreta para luego arrancarles la piel. Pero también en ese mismo caso, Clarise tendrá que tratar con otro psicópata llamado Hannibal Lecter, un psiquiatra conocido con el apodo de Hannibal el caníbal, que se ha convertido en la pieza clave de esa investigación para poder descubrir la verdadera identidad de Buffalo Bill. La película “El Silencio de los Corderos” destacó en su momento por reflejar con precisión y detalle en la gran pantalla, toda la lógica y la metodología seguidas por el FBI en la investigación de los casos de asesinato (teniendo siempre en cuenta los avances técnicos y científicos disponibles en esta época) y, a lo largo de toda esta intrigante trama, los lectores de Lux Atenea Webzine podrán ir hallando poco a poco las pistas que se van ofreciendo para poder resolver definitivamente este caso. Pero, desde mi punto de vista, la fuerza psicológica que tiene “El Silencio de los Corderos” es la de haber conseguido que el espectador se identificara con la cotidianidad que envuelve la vida de estas víctimas, y con la sensación de indefensión social que le queda al término de la película ante los actos cometidos por estos asesinos a través de sus estudiadas argucias, sus inteligentes manipulaciones y sus violentas acciones (algunas veces impunes) para cometer sus asesinatos. Impresionan algunas escenas como cuando Clarice entra en el lúgubre e infernal pasillo de seguridad en el que se vigilan las celdas de los psicópatas, o el metódico y frío examen del cadáver de una de las víctimas en la funeraria Grieg, o incluso la incómoda sensación que tiene la pequeña agente Clarice cuando está rodeada y siendo observada por altos y corpulentos agentes en el Hall de la funeraria.

“El pulso de él no pasó de 85 incluso cuando le comió la lengua.”

La hipnótica mirada del inteligente y depravado Hannibal Lecter, excelsamente interpretado por el actor Anthony Hopkins, es una de las imborrables imágenes que se quedan en la memoria cuando ves esta película, sobre todo si tienen oportunidad de ver esta película en su versión original. Y es que Anthony Hopkins supo meterse en el difícil papel de este psicópata, sabiendo interpretar con suma maestría y credibilidad cada una de las particularidades psicológicas de Hannibal Lecter. Detalles como su delicado olfato capaz de distinguir sutiles matices y aromas, su mefistofélica capacidad para realizar un psicoanálisis de las personas a las que observa, sus inquietantes gestos, su prepotencia y sus constantes aires de superioridad respecto al resto de los mortales, su plano mental situado más allá de Bien y del Mal, sus despiadados y sangrientos actos ejecutados tan fríamente, su sarcástico y ácido humor,… son algunos de los muchos matices de la personalidad de Hannibal Lecter que Anthony Hopkins supo transmitir con absoluto talento interpretativo. La idea que se queda en la mente del espectador sobre la pragmática, paciente y sutil inteligencia de Hannibal Lecter con la cual es capaz de realizar acciones aparentemente imposibles, dadas las limitadas capacidades de movimiento que han dispuesto las autoridades, elevan aún más la valoración del arte interpretativo mostrado por este actor en la pantalla. Una terrorífica imagen de Hannibal Lecter que ve aumentado su impacto visual y psicológico con la contemplación de las espectaculares medidas de seguridad adoptadas dada su peligrosidad, tanto en prisión como en su traslado. La imagen del guardián colgado con los brazos abiertos en los barrotes de la celda de Lecter como si fuera la macabra figura de un ángel, el siniestro coche fúnebre guardado en el misterioso almacén contratado por Hannibal Lecter, o su sutil caricia al dedo de Clarice cuando le entrega los papeles del informe,… son escenas que visualmente nos atraen y a su vez nos infunden rechazo.

“Codiciamos lo que vemos.”

Pero si el personaje interpretado por Anthony Hopkins nos parece excepcional y totalmente creíble, tampoco se queda atrás la contundente interpretación realizada por el actor Ted Levine en el papel del asesino en serie Buffalo Bill. Una interpretación oscuramente magistral hasta en las burlas de Buffalo Bill hacia sus víctimas tras sus falsos gestos de sensibilidad y clemencia, o en la impactante escena de Buffalo Bill tratando de transformarse mientras la canción “Goodbye Horses” de Q Lazzarus suena como música de fondo. Además, su inquietante y descuidada casa queda como reflejo de esa ambigüedad mental que domina a Buffalo Bill, y a cuyo siniestro sótano, lleno de polillas volando en medio de una degenerada y siniestra decoración, lleva a sus víctimas para ser arrojadas a un agujero en el suelo donde las mantiene vivas y sin posibilidad de escape hasta el momento de su asesinato. Un oscuro hoyo mortal de sangrientas paredes con uñas clavadas en ella que quedan como imagen de la desesperación de esas víctimas por escapar de tan trágico destino, y quedando el caniche blanco y sedoso que Buffalo Bill tiene como mascota como simbólico contrapunto en la pantalla. Una siniestra atmósfera que quedará fielmente reflejada en la angustia y el miedo que nos muestra Clarice cuando se adentra en el sótano de la casa de Buffalo Bill, acrecentada visualmente con la simbología nacionalsocialista repartida por la casa (la colcha, el poster,…), o el juego en la oscuridad que Buffalo Bill practica con Clarice usando unas gafas de visión nocturna. Como apuntes finales a destacar en esta reseña, quisiera subrayar la corta y sorprendente presencia del cantante Chris Isaak en el reparto de esta película, interpretando el papel de agente del comando SWAT desplegado en la sala de espera del ascensor del edificio donde retienen a Hannibal Lecter, e insistir en la adquisición de esta completa edición en la que se ha incluido un segundo DVD con estos interesantes extras de imprescindible visualización: “En el laberinto: cómo se hizo –El Silencio de los Corderos-”, “Detrás de las cámaras, Original”, “Escenas eliminadas”, “Trailer de cine”, “Anuncio de TV”, “El contestador de Anthony Hopkins”, “Escenas inéditas” y “Trailer de -Hannibal-”. “El Silencio de los Corderos”, una película convertida en todo un mito cinematográfico dentro del thriller psicológico más impactante. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“No existe nombre para lo que él es.”

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Lux_Atman

Artículo Nº: 1146
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“LA VENUS RUBIA (BLONDE VENUS)”.

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Director: JOSEF VON STERNBERG Guión: JULES FURTHMAN y S.K.LAUREN
Actores principales: MARLENE DIETRICH (Helen Faraday), CARY GRANT (Nick Townsend), HERBERT MARSHALL (Edward Faraday)
País: EE.UU Año: 1932 Productora: PARAMOUNT PICTURES Duración aprox.: 94 minutos
Publicado en España por: UNIVERSAL PICTURES IBÉRICA, S.L. AÑO: 2010 Formato: Edición Coleccionista con DVD y libreto de 34 páginas.

“- ¿Cómo me dijo que se llamaba?
- Helen Faraday.
- No, necesitamos algo diferente. Algo que sea fácil de decir y difícil de olvidar…. Jones…. Eso es…. Helen Jones.”


La unión artística y creativa del director Josef von Sternberg con la mítica actriz Marlene Dietrich ha dejado a la posteridad inigualables frutos cinematográficos, siendo la excelente película “La Venus Rubia” una de sus joyas más preciadas y brillantes. Rodado en el cada vez más mágico y cautivador blanco y negro, “La Venus Rubia” es un largometraje basado en la dramática historia de un científico norteamericano entregado al trabajo (Edward Faraday, personaje interpretado por el actor Herbert Marshall) que, tras conocer un día a una artista alemana (Helen Faraday, interpretada magistralmente por la diosa Marlene Dietrich) y caer irremediablemente enamorado de ella, deciden casarse y tener un hijo. Pero, dentro de esa relación amorosa, la actitud de Edward Faraday hacia Helen como hombre por poseer a una mujer que identifica con sus más ensoñadores ideales, la cruda realidad terminará por despertarle de tan dulces e irreales sueños. Helen, como una mujer libre y moderna cuya mirada a la vida está siendo condicionada y asfixiada por esa moralidad social referente a lo que es considerado como correcto (la mujer ha de casarse, tener hijos, cuidarlos como una buena madre, sacrificar su vida en pro de su marido y de su hijo,…), terminará finalmente aceptando que su naturaleza es diametralmente opuesta a esa orientación existencial.

“- ¿Cómo te va, señorita Jones?
- Ya casi estoy.
- Esa idea que tuve de La Venus Rubia ha resultado. El local está abarrotado. Esta noche haremos negocio.”


El instinto, la mentalidad moderna opuesta a lo tradicional, la forma tan auténtica consigo misma que tiene Helen de sentir el mundo, serán los factores que terminen imponiéndose a pesar de los sinsabores y de las inseguridades que la vida pueda llegar a ofrecerle en el futuro. Helen observa su matrimonio como una unión entre un hombre que no la ve como ella es, sino como a un ideal femenino y, ella misma como esposa, se ve incapaz de seguir aceptando ese rol social que no le satisface en absoluto llegando a la conclusión de que ni el destino más benigno para ellos podría llevarles a consolidar esa relación de pareja imposible de asentar. Quedándose finalmente Edward Faraday a cargo del hijo, Helen retornará al mundo del espectáculo y del alegre Music Hall pero, cuando conoce a un dandi económicamente muy solvente (Nick Townsend, personaje interpretado por un jovencísimo Cary Grant), la lucha por la custodia de su hijo no habrá hecho más que empezar.

“- ¿Todavía le quieres?
- Me necesita.
- Yo también, Helen.
- Como él, no. Tú eres fuerte, Nick. Él no.”


En “La Venus Rubia”, la divina Marlene Dietrich consolidará su imagen de mujer fatal por excelencia dentro del mundo del cine. Una espectacular mujer, inalcanzable para el resto de los mortales, cuya sensual belleza logrará despertar grandes pasiones entre el público a través de una ambigüedad sexual, perfumada con sutiles matices perversos, que aumentará aún más su glorificada imagen como Excelsa Diva entre las divas cinematográficas. Pero “La Venus Rubia” también fue una película que crearía cierta polémica en su época no sólo a nivel social tras su estreno, sino también entre los mismos directivos de la productora antes y durante su rodaje. El choque conceptual absoluto entre la conservadora mentalidad de los magnates de Hollywood y el reflejo de las imparables corrientes sociales modernas, que ya empezaron a aparecer en la década de los veinte, sería inevitable. Pero el proyecto artístico llegaría a buen puerto con un indiscutible éxito entre el público que, a pesar de las décadas que han pasado desde su estreno y de los radicales cambios sociales que se han sucedido desde entonces, la película “La Venus Rubia” sigue conservando esa inmutable brillantez cinematográfica en este siglo XXI. Además, los lectores de Lux Atenea Webzine que se decidan a adquirirla, podrán disfrutar de todas las escenas censuradas de su época y que se han incluido en esta completa edición en su versión original subtitulada.

“Qué entienden los hombres del amor maternal.”

Quisiera destacar el trabajo del actor Herbert Marshall interpretando magníficamente el papel de marido buenazo y sereno en este largometraje, y a un joven Cary Grant identificado en esta época con la imagen del dandi seductor y elegante, y al que le falta un poco de esa fascinación visual e interpretativa con la que nos deslumbraría en sus rodajes en años posteriores. Tras “La Venus Rubia”, la imparable carrera de Cary Grant hacia el estrellato en Hollywood no hizo más que incrementarse, encontrando en las comedias su equilibrio interpretativo perfecto a la hora de mostrar su lado más irónico y divertido en escena (aconsejo la lectura de la reseña publicada en Lux Atenea Webzine sobre la biografía de Cary Grant -HERE-). “La Venus Rubia” es una película mítica que dejará a nuestros lectores con ese gusto decadente de profundo trasfondo realista sobre lo que es la verdadera existencia humana. Una excelente obra cinematográfica de irresistible atmósfera en la que quedarán sus mentes atrapadas tras la contemplación de la sublime belleza de Marlene Dietrich en la pantalla. “La Venus Rubia”, un mítico largometraje basado en la imposibilidad de ser aquello que va en contra de la verdadera naturaleza de la persona, por mucho que se desee. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Ojalá yo fuera otra persona. Entonces podría quedarme aquí contigo para siempre.”

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Artículo Nº: 1145
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“PASIÓN BAJO LA NIEBLA (RUBY GENTRY)”.

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Director: KING VIDOR Guión: SILVIA RICHARDS
Actores principales: JENNIFER JONES (Ruby Gentry), CHARLTON HESTON (Boake Tachman), KARL MALDEN (Jim Gentry), PHYLLIS AVERY (Tracy McAuliffe).
País: EE.UU Año: 1952 Productora: 20th CENTURY FOX Duración aprox.: 82 minutos
Publicado en España por: REGASA FILMS AÑO: 2010 Formato: Edición Coleccionista con DVD y libreto de 34 páginas.

“Jim, ¿qué es el amor?”

“Pasión bajo la Niebla” es la fuerza del cine en blanco y negro creado en Hollywood en la fascinante década de los cincuenta. Toda una garantía de calidad cinematográfica en la pantalla que los lectores de Lux Atenea Webzine podrán disfrutar gracias al talento en su dirección mostrado por King Vidor, sacando esa agudeza interpretativa en un joven Charlton Heston en el papel del acaudalado Boake Tachman camino al Olimpo cinematográfico, y a una espectacular Jennifer Jones transformada en la reina indiscutible durante todo el largometraje. Y es que en “Pasión bajo la Niebla”, Jennifer Jones logra transmitir esa intensidad y radicalidad en el carácter de su personaje, Ruby Gentry, al darle esa fuerza y esa personalidad salvaje casi cercana a los gestos y movimientos masculinos en su incontrolable esencia temperamental. Unes esas dos potencias interpretativas ante la cámara, Jennifer Jones y Charlton Heston, y el contraste emocional que podrán respirar irá en un apasionado crescendo cuyo sorprendente y espectacular final les dejará definitivamente entregados a esta irrepetible época cinematográfica Hollywoodiense. Además, el contrapunto femenino concentrado en el personaje de Tracy McAuliffe, interpretado por la actriz Phyllis Avery como estereotipo de la mujer norteamericana de la época en una imagen donde el pelo rubio, la sumisión al marido y la docilidad en el trato, se convirtieron casi en un encorsetado cliché femenino. Pero, sobre todo, la película “Pasión sobre la Niebla” es una historia de amor irremediablemente truncada por los roles, los prejuicios y las actitudes soberbias que el elevado estatus económico suele llevar consigo en la sociedad. Un choque de clases sociales donde el amor suele salir malparado ante el egoísmo y las envidias que éste suele generar cuando aparece entre diferentes estratos económicos.

“No es bueno para un hombre estar solo.”

Pasión y venganza, estas son las claves principales de esta trama ambientada en la sociedad norteamericana reinante en Carolina del Norte. Ruby es una joven mujer que, ansiada por todos, es el objeto de deseo de la mayor parte de los hombres del lugar con los cuales gusta jugar pero dentro de unos límites por ella establecidos. Pero cuando conoce al desahogado joven Boake Tachman, entre ellos se establecerá un tenso idilio amoroso que terminará con Ruby despechada tras haberle prometido Boake cosas que no se ha planteado cumplir jamás. Las esperanzas de Ruby con Boake traerán consigo su desesperanza, sus ilusiones llevarán a sus desilusiones, y su corazón herido por el engaño clamará venganza. Pero, para complicar aún más las cosas, Boake decidirá casarse con Tracy McAuliffe, una joven mujer rubia, coqueta, de finos y educados modales (al contrario que Ruby), perteneciente a una clase social más elevada que la suya. Con esta unión matrimonial, Boake desea satisfacer sus sueños de grandeza garantizando su posición social y su futuro económico. En resumidas cuentas, el matrimonio de Boake con Tracy se convierte en una boda con el interés económico de por medio. Pero las cosas cambiarán en el destino de Ruby. Poco tiempo después de la muerte de la mujer del millonario Jim Gentry, Ruby y Jim deciden casarse con el shock que ello supone en el círculo social de alto standing en el que éste se mueve, siendo constantes las muestras de rechazo que Ruby recibe en ese ambiente tan hostil. Una difícil situación que se complicará con el fortuito accidente mortal que Jim sufrirá en el mar y que será usado por sus amistades como excusa para acusar a Ruby de estar detrás de todo ello. Ante ese injustificado ataque contra ella, Ruby tomará la decisión de cambiar radicalmente de actitud hacia todas aquellas personas que le han herido en su vida. A partir de ese instante, toda esa gente empezará a recibir todo lo que habían sembrado en su contra, pero Ruby sigue siendo una mujer apasionada, y su hermano, obsesionado con la moral y la ética religiosa, no hará más que complicar las cosas.

“Si te comportaras como una señora, nada de esto habría ocurrido.”

“Pasión bajo la Niebla” es un largometraje donde podrán disfrutar de unas excelentes tomas exteriores filmadas bajo la atenta mirada del genial director King Vidor, y de unas espectaculares e inolvidables escenas como cuando Boake y Ruby se encuentran rodando por la playa, la imagen de Ruby fumando en el interior de su coche mientras sierran los postes que indicaban la propiedad de Boake en los pantanos, la escena del baile con los coqueteos nada disimulados de Ruby con Boake bajo la atenta mirada de su marido Jim, o la impactante imagen de Jim ante el espejo en la barra. En definitiva, un magnífico e intrigante largometraje con un final inolvidable. “Pasión bajo la Niebla”, una sublime película sobre la inconmensurable e implacable fuerza de la venganza. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Mucha gente de este pueblo se arrepentirá.”

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Lux_Atman

Artículo Nº: 1144
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lunes, diciembre 19, 2011

LUX ATENEA WEBZINE SIGUE ADELANTE.

El año 2011 está casi a punto de acabar, y me encantaría decir a todos aquellos que no han hecho otra cosa que entorpecer y despreciar a este medio de información, o han aprovechado nuestra humilde y sincera colaboración cultural para tratar de desprestigiarnos, que esperemos que algún día se den cuenta que la Cultura es la base del individuo. Y que la Cultura es la razón de ser de Lux Atenea Webzine en Internet.

La Cultura te lleva a potenciar tu interior al alimentar el intelecto, e Inteligencia, Razón y Cultura forman un todo. Pero hay personas que prefieren difamar y destruir a quienes adoramos la Cultura, a quienes difundimos la Cultura en Internet, prefiriendo por encima de todo dar rienda suelta a su Ego cargado de envidia, de celos, y de incapacidad de sentir lo culto. Por estos motivos, prefieren hacer uso de la mentira y del engaño antes que reconocer sus propias carencias y errores, y antes que aceptar el laborioso trabajo que estamos realizando en Lux Atenea Webzine cuyo éxito no ha sido provocado ni por nosotros ni por nuestras publicaciones, sino por el apoyo incondicional de nuestros lectores. A ver cuando se enteran que los auténticos protagonistas del éxito de Lux Atenea Webzine en Internet son cada uno de nuestros lectores al darnos su apoyo. Ellos son los que han logrado el éxito de Lux Atenea Webzine en la Red, y no nosotros. Pero el hinchado Ego que algunas personas tienen, y que les lleva a publicar sus reseñas y textos en Internet no para informar, sino para que le adulen y adoren, nunca se pararán a pensar que el éxito de un medio de información cultural en Internet como Lux Atenea Webzine viene dado exclusivamente por el incondicional apoyo que nos están mostrando nuestros lectores. Ellos son lo que nos siguen animando a seguir adelante, mostrándonos su apoyo al leernos y, por este motivo, nosotros seguimos adelante a pesar de los difíciles tiempos que estamos viviendo. A ver si de una vez entienden que uno puede escribir cien reseñas, mil reseñas, treinta mil reseñas si quieren, pero, si no te leen… ¿De dónde crees que viene el éxito de una página en Internet? ¿De ti, de tus reseñas, o de tus lectores?

Y lo que me parece más lamentable aún de todo esto es que algunos de estos individuos siguen aprovechándose de la confianza de las personas con las que se juntan y hablan, para dar continuidad a sus ataques a este medio de información cultural. A ver si entienden que, hagan lo que hagan, nosotros vamos a seguir adelante porque nuestros lectores nos siguen apoyando y animando a seguir, y creo que ya somos un poco mayorcitos como para sigan cayendo en esos lamentables e infantiles modos de comportamiento. Por nuestra parte, solamente les podemos decir que quien quiera estimular su Intelecto a través de la Cultura, va a tener en Lux Atenea Webzine esa página en Internet entregada en cuerpo y alma a su difusión, tanto en su diversidad más ecléctica como en su análisis, porque así estamos sintiendo y expandiendo nuestra pasión. Nuestros lectores, a pesar de la diversidad de caracteres y personalidades que les caracteriza, están firmemente unidos por el decidido apoyo que muestran hacia todo lo que está perfumado con lo culto, hacia todo lo que ha sido tocado con la esencia de la creación artística humana, y hacia todo lo que el pensamiento humano más avanzado ha logrado revelarnos. Lux Atenea Webzine es Cultura en Internet, y quienes quieran leernos, estaremos encantados de que dediquen un poco de su valioso tiempo a entrar en nuestras noticias y reseñas porque nos encanta comentar e informar sobre obras artísticas. Y a quienes antepongan lo que le han dicho o comentado negativamente sobre nosotros (sin fundamento alguno, por cierto) para no leernos, les podemos asegurar que nosotros nunca hemos obligado a nadie a entrar aquí porque creemos en la libertad de elección, y porque nos dirigimos a personas adultas con criterios serios en la vida. Quien quiera leernos, aquí estaremos, y seguiremos publicando reseñas y noticias culturales para aquellos que disfrutan informándose en Internet a través del conocimiento de obras de arte comentadas desde el respeto y la admiración, y, por este motivo, después de cinco años sigue siendo un todo placer poder seguir diciendo a nuestros lectores al final de cada reseña publicada, mi ya clásico ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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LUX ATENEA WEBZINE
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sábado, diciembre 17, 2011

WILLIAM J. BROAD “LA VERDADERA GUERRA DE LAS GALAXIAS (EL PROYECTO SDI – INICIATIVA DE DEFENSA ESTRATÉGICA)”.

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LUX ATENEA WEBZINE conmemora el centenario del nacimiento del cuadragésimo presidente de los Estados Unidos de América Ronald Wilson Reagan (1911-2004).

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Publicado por: EDITORIAL PLANETA, S.A.
ISBN: 84-320-4768-6
Edición: 1986
Páginas: 215

“Nosotros trabajamos en armas para la vida, las que salvarán al pueblo de las armas de la muerte. Se trata de una decisión moral en la que creo firmemente. No puedo entender por qué todos, en todo el mundo, no estamos trabajando en encontrar los medios para eliminar la guerra nuclear.”

Independientemente de las afinidades o discrepancias que la política de Ronald Wilson Reagan (1911-2004) pueda despertar en los lectores de Lux Atenea Webzine, de lo que no cabe la menor duda es que Ronald Reagan continua siendo el presidente más valorado por el pueblo norteamericano según nos ha indicado clara y rotundamente la última encuesta realizada por Gallup a principios de este mismo año. Con una de las victorias electorales más aplastantes en unas presidenciales, y con uno de los mayores porcentajes de votos recibidos en toda la historia de los Estados Unidos de América, a Ronald Reagan se le sigue recordando como el presidente que sacó a los EE.UU de la crisis moral y económica más dura vivida en este país durante la segunda mitad del siglo XX. Un record de popularidad entre los ciudadanos norteamericanos que todavía no ha sido superado a pesar de los tiempos de esplendor y de liderazgo que también han podido disfrutar otros presidentes que le han sucedido o precedido en el cargo. Dejando a un lado algunas cuestiones económicas de su política que no tienen relación alguna con la información contenida en este libro, en cambio, sus decisiones relacionadas con el despliegue militar estadounidense en el mundo como respuesta a la amenaza del bloque soviético, llevarían al presidente Ronald Reagan a tomar decisiones arriesgadas y muy firmes no siempre comprendidas por otros líderes occidentales. Por ejemplo, medidas disuasorias como el despliegue de misiles Pershing-II y de crucero en Europa (equipados con cabeza nuclear) y con capacidad para llegar a Moscú en diez minutos, fueron tomadas como respuesta al desequilibrio de poder militar que tenía la constante amenaza que suponía la presencia de submarinos soviéticos con misiles nucleares situados en aguas internacionales del Atlántico, y cuya cercanía a la ciudad de Washington les permitía poder realizar un posible ataque nuclear a la capital de EE.UU en pocos minutos. Dentro de esos movimientos militares orientados al equilibrio de poder durante la Guerra Fría, y donde los misiles nucleares intercontinentales fueron una de las piezas estratégicas fundamentales para los dos bloques, la administración Reagan (1981-1989) estaba decidida a apoyar a la comunidad científica norteamericana con todos los recursos posibles si el fruto de ese esfuerzo permitía alcanzar un sistema de respuesta efectivo a la amenaza que suponían los misiles intercontinentales soviéticos en caso de un ataque por sorpresa. En esa época, más de 8.000 cabezas nucleares estaban apuntando al suelo norteamericano, y el presidente Ronald Reagan estaba decidido a hacer todo lo posible para crear las armas que fueran necesarias para anular esa amenaza nuclear contra su nación. El proyecto que nacería para crear ese escudo que protegiera a los EE.UU de los misiles intercontinentales soviéticos sería conocido como SDI (Strategic Defense Iniciative, Iniciativa de Defensa Estratégica), popularmente conocido como “Guerra de las Galaxias”. Dentro de todos los libros e informaciones que los lectores de Lux Atenea Webzine pueden encontrar sobre este atrayente tema histórico y militar, ninguno lo ha tratado de forma tan directa y clara como esta interesante obra aquí reseñada.

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El proyecto SDI dispondría de unos generosos presupuestos aprobados por el gobierno norteamericano, y entre todos los diversos sistemas de defensa que se diseñarían, en este libro destacan sobre todo las armas nucleares de tercera generación, el láser de rayos X (ya sea instalado en misiles para su lanzamiento desde submarinos o en estaciones geoestacionarias en el espacio) y las supercomputadoras con tecnología basada en una sola oblea de silicio. Otras tecnologías como la fusión nuclear utilizando tecnología láser, la protección de cabezas nucleares en el espacio, los misiles balísticos con motores de combustible sólido (entre ellos se mencionan los modernos misiles MX que serían aprobados e instalados con el apoyo de la administración Reagan), el software para la predicción y cálculo de los materiales utilizados en algunas armas nucleares, las bombas “cerebro” (bombas nucleares cuya radiación es capaz de incapacitar a toda una población sin matarla),… son también mencionadas en esta obra pero sin entrar en muchos detalles técnicos debido al secretismo que siempre ha rodeado a la avanzada tecnología militar norteamericana. La obra “La Verdadera Guerra de las Galaxias” se transforma casi en el diario de este periodista del New York Times, especialista en temas científicos, tras la oportunidad que tuvo de visitar las modernas instalaciones del Laboratorio Nacional de Livermore (situadas en el estado de California), pudiendo hablar con parte de los científicos y de los mandos responsables de este colosal esfuerzo militar orientado a la defensa antimisiles. Un ambiente de trabajo que le acabaría dejando muy impresionado debido a esa extraña combinación de máximo esfuerzo y de genialidad mostrada por este grupo de científicos, mayoritariamente joven, mezclaba sabiamente con una disponibilidad de medios económicos y de alta tecnología a su alcance que únicamente puede encontrar un científico en el campo de la investigación militar. Algunos científicos míticos en la historia de la tecnología nuclear norteamericana como el físico Edward Teller, padre de la bomba de hidrógeno, adquieren una destacada importancia en estas páginas debido al decidido apoyo mostrado a esta clase de armas defensivas destinadas a proteger a los Estados Unidos de América ante posibles ataques nucleares contra su población (o contra sus instalaciones militares) mediante el uso de misiles balísticos intercontinentales.

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Cuando el proyecto SDI empezó a tomar forma a través de la aplicación de una serie de avanzadas tecnologías en el desarrollo de la defensa, el escudo antimisiles fue concebido y dimensionado en tres fases fundamentales, independientes entre sí, pero escalonadas en su función defensiva tanto en la destrucción de los misiles balísticos lanzados, como en la eliminación de cada una de las cabezas nucleares en el espacio que supusieran un peligro para la nación. Ante un ataque nuclear soviético, se activaría una primera fase, formada por satélites de detección de lanzamiento de misiles balísticos desde el territorio soviético, que pondría en marcha todo este sistema de defensa activando una serie de estaciones espaciales dotadas con varios láser de rayos X cuyo disparo, trataría de destruir esos misiles balísticos lanzados antes de que pudieran soltar sus cabezas nucleares en el espacio. Si algunos misiles lograban traspasar esta primera línea de defensa, una segunda fase se activaría detectando qué cabezas no eran más que señuelos destinados a burlar el sistema defensivo y qué cabezas nucleares soltadas eran verdaderas, procediendo a su destrucción mediante otro sistema de armas. Las cabezas nucleares que hubieran logrado traspasar este segundo nivel defensivo se encontrarían con una tercera fase del escudo antimisiles en el camino a su destino. En esta última fase, radares, misiles y armas de alta energía tratarían de eliminarlas antes de que pudieran detonar el explosivo nuclear sobre sus objetivos. Como se puede comprobar, el uso de la alta tecnología en terrenos científicos como la informática, las comunicaciones, la óptica, la aeronáutica o la física nuclear se convirtieron en la esencia fundamental de este proyecto, tratando de alcanzar con éxito estos ambiciosos objetivos. En esta defensa de carácter militar, los riesgos no solo aparecieron a nivel científico y tecnológico, sino a nivel de toma de decisiones políticas debido a los escasos 100 segundos que disponía el presidente para decidir si activaba o no el escudo antimisiles para evitar una ataque nuclear soviético. A nivel militar, la instalación de este escudo antimisiles también podía suponer una nueva escalada nuclear en el espacio ya que esta tecnología de defensa podía tener aplicaciones ofensivas, activando una posible guerra nuclear preventiva por parte de los dirigentes soviéticos (acto que precisamente trataba de evitar) antes de que el escudo estuviera plenamente operativo, debido a la posibilidad de que fueran atacados sin posibilidad de respuesta.

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En las páginas de este libro, los lectores de Lux Atenea Webzine comprobarán cómo el autor también ha sabido reflejar los miedos, incluso dentro de la propia comunidad científica norteamericana, respecto al despliegue del escudo antimisiles debido a la posible ruptura del equilibrio de fuerzas que el MAD (Mutual Assured Destruction, Destrucción Mutua Asegurada) estaba garantizando a los dos bloques ante un ataque nuclear entre ellos y, mediante el cual, ninguna de las dos potencias atacaría a la otra porque sus poderosas fuerzas nucleares garantizaban la completa aniquilación del rival en caso de recibir un ataque. Pero, con el escudo antimisiles, el MAD quedaría obsoleto al permitir a una de las partes anular el ataque con misiles balísticos intercontinentales del contrario, dejando la posibilidad de lanzar un ataque preventivo contra el otro al tener la seguridad de estar protegido en caso de que este respondiera lanzando sus cabezas nucleares, siendo estas destruidas antes de llegar a sus objetivos. En realidad, lo que sí logró el programa SDI fue un aumento de los gastos militares en la Unión Soviética, siendo un esfuerzo más aplicado a su maltrecha economía nacional que provocaría un colapso cuyo efecto fue el hundimiento de todo el bloque comunista en Europa tras la caída del Muro de Berlín. Dentro de la estrategia llevada a cabo por Ronald Reagan, que llevó a los soviéticos a su ruina económica por el incremento en los gastos militares que eran necesarios para poder contrarrestar el poder militar norteamericano, proyectos como el SDI fueron fundamentales para embarcar a los soviéticos en aventuras tecnológicas y militares de alto coste que no podían asumir. Tras el colapso del bloque comunista, el SDI dejó de tener su razón de ser quedando en la historia militar de los EE.UU como uno de los esfuerzos económicos, científicos y militares más revolucionarios y avanzados que jamás se hayan propuesto poner en funcionamiento. Unas innovaciones tecnológicas que tendrían su recompensa en multitud de aplicaciones científicas que, gracias a los generosos fondos destinados a este proyecto, permitieron realizar una revolucionaria proyección de la tecnología civil y militar Made in USA en todo el mundo. Como siempre ha sucedido a lo largo de toda la Historia de la Humanidad, los avances científicos y tecnológicos han aumentado considerablemente en tiempos de guerra (o de conflicto entre naciones), cambiando el mundo con la presencia de estos avances obtenidos gracias al fruto conseguido tras los nuevos descubrimientos realizados. “La Verdadera Guerra de las Galaxias (El Proyecto SDI)”, cuando la Ciencia es capaz de crear armas tan avanzadas que parecen más propias de la ciencia-ficción. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Incluso el presidente Reagan aludió a este peligro en su discurso de marzo de 1983: << Reconozco claramente que los sistemas defensivos tienen limitaciones y suscitan ciertos problemas y ambigüedades. Si se los empareja con sistemas ofensivos, puede considerarse que fomentan una política agresiva, y eso nadie lo desea. >>”

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Lux_Atman

Artículo Nº: 1143
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martes, diciembre 13, 2011

ANDREW KING & BROWN SIERRA “THALASSOCRACY”.

Quiero dar las gracias al artista británico ANDREW KING por su cortesía con LUX ATENEA WEBZINE al enviarnos este promocional, y por haberme dedicado y firmado este excelso trabajo musical.

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EDICIONES MÍTICAS, SUBLIMES Y SINIESTRAS EN LA MÚSICA GÓTICA & DARK & INDEPENDIENTE ( 48 ).
Publicado por: EPIPHANY, (EPYPHANY 05), 2008.
Edición comentada: CD con libreto de 12 páginas firmado y dedicado por Andrew King (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL).

1- HMS Advance.
2- Nancy of Yarmouth.
3- Banks of Green Willow.
4- The Good Luck Ship.
5- Polly on the Shore.
6- HMS Resolution.
7- Nelson´s Death.
8- HMS Audacious.
9- The Captain´s Apprentice.
10- The Dark Eyed Sailor.
11- The Bold Princess Royal.
12- The Bonnie Bunch of Roses.
13- HMS Defiant.

En mayo del año 2008, el sello discográfico EPYPHANY RECORDS publicaría el excelso trabajo realizado por Andrew King y el grupo Brown Sierra (formado por Pia Gambardella y Paddy Collins) titulado “Thalassocracy”. Un impresionante álbum convertido en un más que merecido homenaje cultural a la que fue, durante siglos, la columna vertebral en la que se sustentaría el imperio inglés hasta mediados del siglo XX: la Royal Navy. Del maestro Andrew King siempre me ha gustado su pasión por la cultura como medio artístico esencial para dar forma a una idea, a una filosofía, a una perspectiva única e incomparable del espíritu europeo en el mundo, y en esta esplendorosa dimensión musical orientada al renacimiento del sentimiento y de la esencia histórica del pueblo inglés, los lectores de Lux Atenea Webzine encontrarán en “Thalassocracy” ese esplendoroso álbum que estaban buscado donde la lírica y la música se encuentran profundamente enraizadas en la firme voluntad del pueblo inglés. Un espíritu emprendedor y dominador que les llevaría, desde el reinado de Enrique VIII, a un progresivo control de los mares como garantía de su propia supervivencia, y que, con el paso de los siglos, les obligaría a una constante potenciación de sus fuerzas navales hasta alcanzar el dominio absoluto de los mares en todo el mundo en el siglo XIX. Talasocracia, un dominio del mar como garantía de su imperio que, desde mediados del siglo XX, han heredado los Estados Unidos de América como nueva potencia mundial basada en el poder naval.

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El insigne álbum “Thalassocracy” es un homenaje musical y cultural a la Royal Navy y a esa nueva Atenas europea llamada Gran Bretaña, inexorablemente unida a la talasocracia como fundamento nacional. Con la Royal Navy como garantía de ese dominio de los mares, de la misma forma que Francia y posteriormente Alemania (la nueva Esparta) han quedado unidas a una visión de su poder mucho más continental para garantizar su supervivencia como nación en Europa, cualquier historiador conoce la importancia que ha tenido la Royal Navy como poder supremo en el que se ha apoyado el Reino Unido para adquirir la gran importancia política y geoestratégica que acabaría alcanzando esta nación en Occidente, y una persona tan apasionada con las raíces históricas de la cultura inglesa como Andrew King, no ha podido evitar dirigir todo su talento artístico a la creación de un amplio y profundo trabajo en pleno siglo XXI que pudiera revivir ese ambiente imperial y triunfante, lleno de gloria nacional, a través del poder de la música tradicional.

En el extraordinario álbum “Thalassocracy”, de clara dimensión e inspiración marítima y oceánica, Andrew King y el grupo Brown Sierra han sabido reflejar la esencia de una época. La firme determinación de unos marineros y de unos oficiales ingleses que, frente a todos los peligros externos y a todos los miedos internos, antepusieron siempre su deber con la patria por encima de todo. Cuando los lectores de Lux Atenea Webzine escuchen esos temas, magníficamente interpretados, podrán sentir en su propia piel esas emociones y sentimientos que dieron como fruto a unas baladas y canciones que se convertirían en un factor determinante en el mantenimiento de una moral alta siempre decisiva en los momentos de dificultad, ya fuera en las largas travesías marítimas sin tocar tierra, o en los duros combates navales donde la Royal Navy hizo acto de presencia. Y es que los temas incluidos en este álbum son algo más que composiciones. Son himnos directamente relacionados con el vínculo y con el sacrificio demostrado por los ciudadanos ingleses con su nación, y donde las aspiraciones personales muchas veces quedaban en un segundo o tercer plano anteponiendo siempre su deber con la patria. Esa atmósfera, es la que ha quedado fielmente reflejada en estas interpretaciones, transmitiendo con absoluta autenticidad y realismo, el idealismo y el valor de todos aquellos que, de alguna forma u otra, formaron parte de la gloriosa y temida Royal Navy. Aunque la mayoría de estos temas son canciones y baladas tradicionales originarias de los siglos XIX y XX, algunas de estas composiciones están inspiradas en ilustres oficiales ingleses (como Horatio Nelson, 1758 - 1805), o en unidades navales que destacaron por sus emblemáticas acciones y por su simbolismo marcial en defensa de la nación, completando este excelso álbum en cuya atmósfera musical respiraran ese heroísmo y esa entrega más propia de otras épocas en Europa.

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Con la audición de este ilustre álbum damos inicio a esta travesía con el tema “HMS Advance” (HMS, His/Her Majesty´s Ship, Buque de Su Majestad), una impactante composición instrumental donde la recreación sonora está infundida en el poderoso y dominante influjo de los sonidos inspirados en el estilo experimental e industrial. De lo experimental pasaremos a la música folk y tradicional del tema “Nancy of Yarmouth”, una popular balada de la región de Anglia Oriental, cuya letra nos habla de la carta escrita por un marinero a su amada mientras describe las diversas penurias y dificultades a las que han de enfrentarse en el barco en su travesía por el mar. A continuación, “Banks of Green Willow”, grabada originalmente en el año 1906 a través de las grabaciones fonográficas de David Clements (nacido en 1829), nos presenta una emotiva atmósfera musical donde las ilusiones y las esperanzas familiares se hayan inevitablemente unidas al mar en su destino, siendo el tema “The Good Luck Ship”, canción tradicional también conocida con el título de “The Royal Oak”, uno de esos himnos patrióticos donde la heroicidad contra los franceses se convierte en su lema principal. En cambio, “Polly on the Shore”, dentro del folk tradicional inglés, se presenta mucho más trágica con la historia de un herido de muerte en la batalla mientras recuerda a sus seres queridos instantes antes de morir. Una impresionante interpretación de Andrew King mientras los efectos sonoros creados por Brown Sierra nos dan ese ambiente de realismo como si Andrew King estuviera en persona cantando en medio de la batalla naval.

El tema “HMS Resolution” es un homenaje al legendario buque utilizado por el capitán James Cook (1728 - 1779) en sus viajes de exploración, realizado por el grupo Brown Sierra a través de la música experimental. Retornando a la esencia musical folk, de nuevo la música se convierte en el homenaje a la legendaria figura histórica de Horatio Nelson, muerto en la batalla de Trafalgar el 21 de octubre de 1805. En Londres, una estatua dedicada a su memoria y una plaza con el nombre de esa emblemática batalla siguen recordando su trágica muerte, siendo este tema una de las más emotivas interpretaciones realizadas por Andrew King en todo este álbum. Una solemnidad ambiental donde su solitaria voz logra transmitir con profundo sentimiento ese estado de dolor ante tan irreparable pérdida. ¡¡¡“Nelson´s Death”, sublime solemnidad!!! A continuación, la tragedia seguirá acompañándonos en cuanto el tema instrumental “HMS Audacious”, compuesto por Brown Sierra, se convierta en el recuerdo al hundimiento de este acorazado inglés de la clase King George V, primer buque perdido por la Royal Navy en la Primera Guerra Mundial.

Una inevitable muerte en el mar de un joven marinero también será el origen de la triste canción “The Captain´s Apprentice”, hasta que la balada “The Dark Eyed Sailor”, que se remonta al siglo XIX, nos sumerja en un ambiente ético y moral donde la lealtad de una mujer hacia su amado ha de permanecer firme a pesar de las dificultades y de las tentaciones que puedan aparecer con la incertidumbre tras años de espera. En cambio, la canción “The Bold Princess Royal” nos hablará de una princesa real cuyo viaje, con destino a Terranova, se vio importunado por el ataque de unos piratas, siendo sus acciones inteligentemente burladas gracias a la valentía mostrada por esta ilustre figura de la realeza. Siguiendo con la música folk tradicional del siglo XIX, en “The Bonnie Bunch of Roses” nos adentraremos en la época napoleónica a través de una versión del tema cuyo texto fue creado por Cyril Poacher. Una delicia musical cargada de sentimiento y de sabiduría ante las ambiciones no alcanzadas por Napoleón, a pesar de sus exitosos años de esplendor. Finalmente, el tema instrumental “HMS Defiant” pondrá el punto final a este excelso álbum gracias a la música experimental con la que el grupo Brown Sierra ha presentado sus obras en este impresionante trabajo. “Thalassocracy”, cuando la música se convierte en arte inspirado en la gloriosa historia nacional de un país. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Lux_Atman

Artículo Nº: 1140
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