martes, noviembre 30, 2010

RAZORFADE “THIS CLEAR SHINING”.

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Quiero dar las gracias al sello discográfico ALFA MATRIX, y muy especialmente a BERNARD VAN ISACKER, por su cortesía con LUX ATENEA WEBZINE.

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(Alfa Matrix copyright)
Publicado por: ALFA MATRIX, AM1156CD, 2010
Edición comentada: CD (PRESS RELEASE OFICIAL SÓLO PARA MEDIOS DE INFORMACIÓN)

1- The Razor Fades.
2- Chemical Distraction.
3- Shout Down.
4- Clear Shining.
5- Burning.
6- Hiding My Demons.
7- Horizon.
8- Breathe.
9- Fear Is Rising.
10- Walking On Water.
11- Fooled Again.
12- Cold As The Night.
13- A Push Away From Falling (Version).

“This Clear Shining” es el título del álbum con el que el grupo musical Razorfade se adentran en la escena musical gótica a través de una mezcla de rock gótico y dark-electro en sus composiciones. Con una imagen y un diseño artístico llevado a cabo por Oliver Haecker, este excelente álbum vio la luz el pasado 19 de noviembre a través del prestigioso sello discográfico Alfa Matrix en dos ediciones, CD y doble CD edición limitada. Razorfade es el nuevo proyecto musical protagonizado por miembros de bandas míticas como Ikon y Suspiria adentrándose en terrenos dark-electro más propios de selectos ambientes nocturnos que de clubs góticos debido a la apertura conceptual que esta banda nos muestra en cada una de sus composiciones. Guitarras y sintetizadores encuentran su oscuro equilibrio perfecto en manos de Razorfade para convertir la audición de sus temas en una experiencia muy personal, alejándose de estereotipos musicales característicos en la escena gótica a la hora de estructurar y componer canciones dentro de cada uno de sus estilos musicales, y esta innovadora frescura sonora y vocal es donde los miembros de Razorfade nos demuestran todo su talento e ingenio en la creación de temas de siniestra alma melódica. Pero pasemos directamente a su audición porque este álbum viene cargado de temas de grandiosa calidad destinados a renovar la escena musical gótica en este siglo XXI.

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(Alfa Matrix copyright)

Así de entrada, solamente con escuchar el primer minuto de la canción “The Razor Fades” inmediatamente tomamos consciencia de estar ante uno de esos temas de obligada incorporación a una sesión gótica que se precie por su absoluta entrega a la cultura y a la calidad musical. Y es que será inevitable escuchar cinco o seis veces más este tema antes de pasar a la siguiente canción. Después de haber sido atrapados por la hipnótica “The Razor Fades”, la contundencia dark-electro de “Chemical Distraction” seguirá haciéndonos vibrar con fuerza hasta que las ambientaciones de “Shout Down” nos lleven a exaltados estados de expansión espiritual. Tras haber escuchado las tres primeras canciones de este álbum uno se pregunta ¿dónde ha situado Razorfade la máxima intensidad sonora y emocional en este trabajo? Metidos de lleno en esta enérgica ascensión por el dark-electro más impetuoso, nuestra pasión musical se dispara en cuanto entramos en el espíritu electrónico de la década de los ochenta con el que Razorfade ha dado vida a la canción “Clear Shining”. Será en el tema “Burning” con el que retornemos a la senda inicialmente marcada desde el comienzo del álbum, y con ambientes algo menos intensos adentrándose en nuestros oídos a través de la canción “Hiding My Demons”, nos preparamos para volver de nuevo a lo pasionalmente intenso.

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Mientras nuestra mente pide más y más calidad gótica en la composición de canciones, que tanta falta hace en estos tiempos tan escasos de imaginación, será el tema instrumental “Horizon” la antesala de la vigorosa canción “Breathe” donde las bases rítmicas clásicas de décadas pasadas se han recombinado en secuencias electrónicas mucho más actualizadas e innovadoras hasta dar con una composición compleja donde se condensan lo gótico y la vanguardia propia del espíritu musical club. “Fear Is Rising” tiene un ambiente más misterioso, con un tempo mucho más pausado y que se convierte en el estado sonoro ideal previo a la belleza musical de “Walking On Water”, una canción destinada a volver a combinar magistralmente esas aproximaciones al rock gótico de los noventa con la electrónica más oscura. Sin duda, el tema “Walking On Water” estará presente en la pista de más de un local gótico que se precie. Sin descanso posible, “Fooled Again” se presentará absolutamente electro en su composición, con impactantes secuencias sonoras donde se aprecia la gran calidad que este álbum atesora en su producción, pero será en “Cold As The Night” donde el esplendor conceptual de Razorfade alcanza su punto más alto. ¡¡¡“Cold As The Night”, vaya canción tan impresionante como contundente!!! Si en los próximos meses en todo local gótico donde haya sesiones dark-electro no ponen esta canción, por favor, pídanles que se actualicen o, sino, mejor que se dediquen a otra cosa. Con “A Push Away From Falling (Version)” llegamos al final de este excepcional trabajo musical, pero para el lector de Lux Atenea Webzine que irremediablemente se haya quedado enganchado a la impresionante música de Razorfade y quiera más, le aconsejo la edición limitada de este album en doble CD que contiene un bonus CD adicional titulado “Re-Shining”, incluyendo en su interior el siguiente listado de canciones: “Chemical Distraction (One More Hit)”, “Hiding My Demons (Secrets And Lies)”, “Fooled Again (Ex.Es Remix)”, “Shout Down (Beneath The Hand That Strikes)”, “Burning (Conflagration Mix By Adam-V)”, “Liberation (US Extended Club Mix)”, “Sounds Like A Melody”, “Fear Is Rising (Victims Ball Remix)”, “Shout Down (Dave Foreman Club Mix)”, “Walking On Water (Drowning On Words)”, “Cold As The Night (Parralox Remix)”, “Hiding My Demons (Acoustic Version)” y “Breathe (Friends Of Alice Ivy Remix)”. Una edición limitada que todo melómano amante de la mejor música gótica no debe dejar la oportunidad de adquirirlo en estas fechas tan señaladas. “This Clear Shining”, sin lugar a dudas, un excelso álbum destinado a ofrecer canciones emblemáticas a locales góticos que se precien por su calidad musical. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 794
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HAUSHETAERE “SYNDICATE”.

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Quiero dar las gracias al sello discográfico ALFA MATRIX, y muy especialmente a BERNARD VAN ISACKER, por su cortesía con LUX ATENEA WEBZINE.

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(Alfa Matrix copyright)
Publicado por: ALFA MATRIX, AM1162CD, 2010
Edición comentada: CD (PRESS RELEASE OFICIAL SÓLO PARA MEDIOS DE INFORMACIÓN).

1- Hetaere.
2- The Game.
3- Believe feat. Joe Rilla.
4- Rotes Sofa.
5- East & West.
6- Rauschgift.
7- Sunshine is my Destroyer (Album Version).
8- Cold Feel.
9- Blutspiel.
10- Sky.
11- Girls.
12- Milieu.
13- Dream.

El pasado 19 de noviembre el prestigioso sello discográfico Alfa Matrix presentó el álbum “Syndicate” del grupo musical Haushetaere, una banda alemana cuyas composiciones se mueven entre el dark-pop y el Harsh EBM más actual. Un primer trabajo con el que Haushetaere se presentan ante el público más afín a las oscuras corrientes góticas dentro de la música electrónica aunque sus canciones, de clara inspiración ecléctica en su composición, llegan a cruzar al otro lado del mundo underground&independiente para situarse dentro del fundamento sonoro muy cercano al espíritu pop. Dentro de ese amplio abanico musical, Haushetaere trata de apoyar todo su mensaje a través de la búsqueda de esas melodías que logran atraer la atención de quienes escuchen sus temas para invitarles a sentir esa magia tan especial que solamente la música sabe transmitir a nuestro cerebro. Los lectores de Lux Atenea Webzine comprobarán cómo este álbum está lleno de contrastes sonoros y vocales donde podrán sentir esa tensión latente. Por ejemplo, en un tema tan desgarrador como “Hetaere”, la dulzura vocal femenina presente en esta composición acaba resaltando aún más su oscura belleza debido a la oposición mental que sus efectos emocionales provoca. Otro caso muy claro donde se percibe ese doble perfilamiento sonoro es en la canción “The Game”, donde secuencias claramente pop son moldeadas hasta darles un ritmos dark electro de lo más sorprendentes junto a oportunas pinceladas EBM. Por este motivo, el álbum “Syndicate” se ha ganado un merecido puesto dentro de la selección musical que venimos realizando en esta webzine. Un álbum que, estoy seguro, va a influir a futuras canciones electrónicas que aparecerán dentro de la escena electrónica independiente.

En un nuevo giro en el estilo musical, la canción “Believe (feat. Joe Rilla)” se presenta con un interesante hip-hop observado a través del filtro de los ambientes electrónicos de inspiración ethereal. “Rotes Sofa” es mucho más radical y potente, con un carácter sonoro perfectamente identificable con el sello característico de la escena independiente alemana, hasta que la canción “East & West” nos envuelva con su esplendoroso y expansivo trasfondo melodioso. El poderoso tema “Rauschgift” es, sin duda, una de las joyas musicales de este álbum. Una innovadora composición donde las ansias postindustriales propias de los ciudadanos de la sociedad occidental en este siglo XXI se acaba sintiendo en esta canción hasta en su última nota. ¡¡¡Impresionante “Rauschgift”!!! A continuación, la furia industrial se desatará en “Sunshine is my Destroyer” con una concentrada dosis sonora oscilando entre el noise y el EBM con enraizados fundamentos. Quienes amamos la música compuesta dentro del estilo noise disfrutamos con la audición de magníficos temas como “Sunshine is my Destroyer”, observando como la influencia del noise dentro de la música electrónica de vanguardia no para de expandir sus redes sonoras. Bajando un par de peldaños dentro del nivel de intensidad musical nos adentraremos en la sobrecogedora e hipnótica canción “Cold Feel” hasta que “Blutspiel” corte radicalmente esa atmósfera con pasajes retro que dan a su sensualidad musical, ese encanto único y cautivador. Retornando a la estela pop nos encontramos con el tema “Sky”, con la canción “Girls” siguiendo esa misma línea hasta que “Milieu” nos sumerja en ese ambiente nocturno tan individualista como exclusivo. A continuación, la canción “Dream” se convierte en la última parada que da cierre a este trabajo admirable en su elaboración, ofreciendo arriesgadas composiciones vanguardistas que adquieren un gran valor musical hoy día en vista al panorama musical independiente existente.

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(Alfa Matrix copyright)

El album “Syndicate” también ha sido publicado en una edición limitada incluyendo un bonus CD adicional en exclusiva titulado “Syndicus”, con remixes de sus canciones realizadas por grupos musicales de la categoría de Leaether Strip, C-Lekktor, Acylum, Darkmen, Ad Inferna, Dolls of Pain,… Un segundo CD que contiene los siguientes temas: Loser (feat. Leaether Strip), Hetaere (Ad Inferna Remix), Sunshine is my Destroyer (Darkmen Remix), East & West (Ice Ages Remix), Sky (C-Lekktor Remix), The Game (Aengeldust Remix), Hetaere (Mesmer's Eyes Version), Believe feat. Joe Rilla (Acylum Remix), Sunshine is my Destroyer (Sonic Violence Experience Remix), Rauschgift (Man and Machines Remix), Rotes Sofa (Cold Drive Remix), Sunshine is my Destroyer (Eftos Remix) y Sky (Dolls of Pain Version). “Syndicate”, la inagotable aparición de grupos punteros en Alemania sigue ofreciéndonos nuevas sorpresas musicales como la aquí presente. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 793
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LEAETHER STRIP “DARK PASSAGES + SEASONS CHANGE – I DON´T”.

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Quiero dar las gracias al sello discográfico ALFA MATRIX, y muy especialmente a BERNARD VAN ISACKER, por su cortesía con LUX ATENEA WEBZINE.

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(Alfa Matrix copyright)
Publicado por: ALFA MATRIX, AM1160DCD, 2010
Edición comentada: PRESS RELEASE OFICIAL SÓLO PARA MEDIOS DE INFORMACIÓN del 2CD LIMITED BOX

CD 1 “Dark Passages”:
1- Dark Passages.
2- Twisted Games.
3- Everything Dies.
4- Violence.
5- Embracing Life´s Fire.
6- Amanda.
7- The Dead Stare.
8- Lilith.
9- When Hate Takes Over.

CD 2 “Seasons Change + I Don´t”:
1- The End of the Road.
2- Black Magic Woman.
3- Bondage is not a Crime.
4- Seasons Change – I don´t (feat. Amanda Eisemann).
5- Dead Swan.
6- It´s not Real.
7- It´s so Real.
8- Door with no Handle.
9- My Shadow is your Home (Extended).
10- Dark Passages (Extended).
11- Everything Dies (Extended).
12- Voluntary Confinement (Secret mix)
13- Embracing Life´s Fire (Mortiis remix).
14- My Shadow is your Home (Ehron VonAllen Remix).

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(Ole Lauritsen copyright – Alfa Matrix)

Cada nuevo trabajo publicado por Leaether Strip siempre se convierte en una absoluta garantía de calidad en sus canciones. En esta nueva edición, publicada el pasado 13 de noviembre, no solamente nos presentan su nuevo trabajo sino que lo presentan en un doble álbum en el que se ha incluido la banda sonora original de la obra cinematográfica de horror “Dark Passages” dirigida por César Cruz. Una ambientación musical de auténtico lujo compuesta por el danés Claus Larsen, alma mater de Leaether Strip, para una película gótica en su concepto y muy terrorífica en su rodaje y montaje definitivo. Sin lugar a duda, esta privilegiada unión de dos mentes cuyo fruto final ha sido esta asombrosa obra audiovisual ofrecerá al espectador una exhibición de imagen y sonido que no le dejará en absoluto indiferente, y dentro de ese mensaje directo a su cerebro, la magnífica obra musical de Claus Larsen se transforma en una de las claves fundamentales para darle credibilidad a través del sonido. El lector de Lux Atenea Webzine también encontrará en este doble álbum el nuevo trabajo musical de Leaether Strip titulado “Seasons Change – I Don´t” donde disfrutarán con la audición de las obras que dan sentido a la evolución creativa de Claus Larsen a través de un estilo dark-electro cuyas raíces EBM e industriales siguen condicionando totalmente la forma con la que da cuerpo y consistencia a cada una de sus canciones. Siempre con la belleza siniestra como eje fundamental de sus composiciones, Leaether Strip continúa atrayendo nuestra placentera atención hacia su música, pudiendo sentir la esencia de la música electrónica más underground creada desde la década de los noventa en cada nuevo álbum de este mítico grupo que se presenta.

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(Ole Lauritsen copyright – Alfa Matrix)

Alfa Matrix vuelve a ser el sello discográfico a través del cual se siguen presentando extraordinarias obras musicales en la actualidad y que se caracterizan por su innovador concepto e idea, sobresaliendo cada uno de sus nuevos álbumes por ese mimo en la producción, esa constancia a la hora de publicar y esa tremenda pasión con la que este prestigioso sello discográfico está marcando cada nueva presentación musical. Teniendo esto presente, el doble álbum “Dark Passages - Seasons Change – I Don´t” de Leaether Strip sorprenderá a nuestros lectores con dos conceptos opuestos unidos tan férreamente como las dos caras de una misma moneda. En “Dark Passages” tendrán emocionantes experiencias musicales cuando escuchen temas tan directos y vibrantes como “Dark Passages”; composiciones oscuramente instrumentales como “Twisted Games”, “Violence”, “Amanda” (de trece minutos de duración); excelentes construcciones electrónicas en “Lilith” (más de veinte minutos de duración); melodiosas canciones como “The Dead Stare”; ambientaciones siniestras de corte futurista en “Everything Dies”; e impresionantes temas como las excelsas e inquietantes “Embracing Life´s Fire” y “When Hate Takes Over”.

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(Ole Lauritsen copyright – Alfa Matrix)

En el álbum “Seasons Change – I Don´t” podrán disfrutar de catorce nuevos temas creados tras su experiencia sonora cinematográfica, apreciándose muy claramente esa libertad conceptual en la composición de estas magníficas canciones que la banda sonora de la película no podía ofrecer debido al equilibrio entre música y acción en la trama que ha de respetarse, y potenciar a su vez. Unas canciones llenas de matices e innovadora riqueza electrónica que van desde la sugerente “The End of the Road” al sobresaliente talento musical de “Black Magic Woman” o la sensualidad dark-electro de “Bondage is not a Crime” y “Seasons Change – I don´t (feat. Amanda Eisemann)”; desde la siniestra “Dead Swan” a las dos esplendorosas caras creativas de “It´s not Real” e “It´s so Real”; de la innovación pura de “Door with no Handle” al dinamismo de las versiones extendidas de las canciones “My Shadow is your Home”, “Dark Passages” y “Everything Dies”, hasta llegar a los extraordinarios remixes de las canciones como “Voluntary Confinement”, destacando la nueva visión musical ofrecida por Mortiis en “Embracing Life´s Fire” y Ehron VonAllen en “My Shadow is your Home”. Indiscutiblemente, escuchar a Leaether Strip sigue siendo un lujo musical incomparable para todos los melómanos comprometidos con la música creada con inteligencia e ideas renovadas. “Dark Passages - Seasons Change – I Don´t”, más de veinte años de experiencia musical cuidadosamente concentrados en un doble álbum como si del mejor perfume emocional se tratara. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 792
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lunes, noviembre 29, 2010

“THE WORK OF DIRECTOR ANTON CORBIJN”.

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Director: ANTON CORBIJN
Año: 2005
Publicado por: MUTE FILMS Año: 2005 Formato: DVD con libreto de 56 páginas.
Duración aprox.: 128 minutos

¿Quién no ha caído rendido ante la grandeza artística mostrada en excelsos videoclips como “Enjoy the Silence” de Depeche Mode, “Electrical Storm” de U2 o “Heart-Shaped Box” de Nirvana, por poner unos claros ejemplos de su calidad como director? Y es que cuando uno ve los geniales videoclips que ha creado, dando ese toque suyo tan característico a cada uno de ellos a la hora de darles su propia personalidad, no puede más que preguntarse cómo consigue dar siempre con la clave simbólica para hacer de estas cortas tramas audiovisuales, algo imborrable para nuestra mente. Una personalidad única que se observa en sus escenas y que los hace muy diferentes en el concepto y presentación de cada uno de ellos, pero en los que también se aprecia muy claramente la mano de este artista tan innovador y vanguardista. El impacto visual, auténtico pilar artístico alrededor del cual van apareciendo las ideas en su mente, finalmente articulará estos casi cortometrajes de espíritu musical destinados a marcar la mente de quienes los contemplen, a través de sus imágenes. Es obvio que una buena canción no necesita un videoclip para ser mejor o para tener éxito, pero es indudable que como carta de presentación propagandística de cara al público, el videoclip se ha convertido en el auténtico campo de batalla donde los sellos discográficos luchan para atraer la atención del público. Una buena canción con un excelente videoclip que hipnotice al público con sus imágenes, se convierte en la perfección sensorial absoluta para una gran parte de sus fans y de sus futuros seguidores, y es que incluso los videoclips han conseguido hacerse ya con su cuota de seguidores en todo el mundo, embrujados por unas obras audiovisuales que se han convertido en verdaderas maravillas artísticas. Uno de los directores que más se han entregado en esa labor de calidad y de cuidado de la imagen es Anton Corbijn, motivo por el cual se ha ganado sobradamente esta edición dedicada a su extraordinaria obra audiovisual. A continuación, les dejo la lista de todos los videoclips aquí incluidos para que se hagan una rápida idea de la importancia de este creador en la exitosa difusión pública de las canciones de muchos de estos grupos y artistas musicales:

1- Propaganda “Dr. Mabuse”.
2- David Sylvian “Red Guitar”.
3- Echo and The Bunnymen “Seven Seas”.
4- Golden Earring “Quiet Eyes”.
5- Echo and The Bunnymen “The Game”.
6- Depeche Mode “Behind the Wheel”.
7- Joy Division “Atmosphere”.
8- Joni Mitchell with Peter Gabriel “My Secret Place”.
9- Depeche Mode “Enjoy the Silence”.
10- U2 “One (director's cut)”.
11- Nick Cave and The Bad Seeds “Straight to You”.
12- Depeche Mode “Walking in My Shoes”.
13- Nirvana “Heart-Shaped Box”.
14- Henry Rollins “Liar”.
15- Metallica “Hero of the Day”.
16- Metallica “Mama Said”.
17- Depeche Mode “Barrel of a Gun”.
18- Depeche Mode “It's No Good”.
19- Herberg Gronemeyer “Bleibt Alles Anders”.
20- Mercury Rev “Opus 40”.
21- Mercury Rev “Goddess on a Hiway”.
22- Joseph Arthur “In the Sun”.
23- Herberg Gronemeyer “Mensch”.
24- U2 “Electrical Storm”.
25- Travis “Re-Offender”.
26- The Killers “All the Things That I´ve Done”.

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¿A quién no se le ha quedado grabada la escena protagonizada por Dave Gahan en el videoclip de la canción “Enjoy the Silence” donde vestido como un rey, porta una silla de playa mientras camina por lugares montañosos? Clásica pincelada kitsch made in Corbijn. ¿Quién no se ha quedado maravillado viendo el particular diseño del coche utilizado en el rodaje de la canción “Behind the Wheel” de Depeche Mode? Inventiva made in Corbijn. ¿Cuántas personas se han quedado petrificadas contemplando la oscura solemnidad presente en el videoclip de la canción “Atmosphere” de Joy Division? Sello de calidad audiovisual made in Corbijn. ¿Quién no ha quedado profundamente impactado al ver el impresionante videoclip de la canción “Heart-Shaped Box” del grupo musical Nirvana? Plasticidad creativa made in Corbijn. ¿Quién no se siente alterado al observar el enloquecido videoclip de la canción “Liar” de Henry Rollins? Colores intensos made in Corbijn. Así podía estar describiendo más y más sensaciones que las personas han experimentado al contemplar los videomusicales rodados por este genio de la imagen. Gracias también a esas sensaciones, que ha sabido muy bien provocar en todos nosotros, ha logrado que admiremos cada una de sus creaciones como auténticas obras de arte. Esa es la grandeza artística de Anton Corbijn. Además, este DVD incluye como extras las proyecciones realizadas en el tour “It´s No Good” del grupo Depeche Mode, making of del videoclip de la canción de U2 “Electrical Storm”, el primer videomusical rodado por Anton Corbijn, el documental sobre su vida titulado “NotNa”, comentarios y entrevistas realizadas a artistas y grupos musicales de renombre como U2, Depeche Mode, Travis, Samantha Morton, Metallica, Nick Cave, Echo and The Bunnymen, Mercury Rev, New Order, Joseph Arthur, Kurt Cobain, Herbert Gronemeyer,… ¡¡¡Qué más se le puede pedir a esta edición!!! “The Work of Director Anton Corbijn”, un DVD que se ha convertido en una preciada joya audiovisual sobre el mejor director de videoclips del mundo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 791
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“DEAD SPACE: PERDICIÓN (DEAD SPACE: DOWNFALL)”.

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Desde el año 2006 difundiendo pasión por el Séptimo Arte a través del análisis de obras pertenecientes a la cultura cinematográfica más selecta y underground.


Director: CHUCK PATTON
País: EE.UU Año: 2008
Productora: FILM ROMAN / ELECTRONIC ARTS / STARZ MEDIA
Duración aprox.: 74 minutos
Publicado en España por: SONY PICTURES
AÑO: 2008 Formato: DVD

“Si algo se cruza en vuestro camino, cortad primero y preguntad después.”

Animación, Terror y Ciencia-Ficción. Tres palabras que definen perfectamente esta película de animación cuyas impactantes escenas gore garantizan una gran espectacularidad visual en la pantalla al cinéfilo lector de Lux Atenea Webzine. Con una trama que, básicamente, sigue los parámetros ya establecidos en la mítica película “Alien”, “Dead Space: Perdición” adquiere un interés destacado al convertirse en la precuela del homónimo y conocido shooter de terror de EA Games, cobrando su visualización previa una gran importancia antes de empezar a jugar al videojuego ya que el final de esta película se ha enlazado con su inicio. Por lo tanto, si alguno de nuestros lectores juega a “Dead Space” y no entiende su trama, o muchas otras de las características y particularidades que lo definen y perfilan, seguro que esta película resolverá todas sus dudas al respecto. “Dead Space: Perdición” es una película de animación cuya trama de ciencia-ficción está basada en el descubrimiento de una gigantesca estructura extraterrestre en la superficie de un planeta, y que originará un serio conflicto religioso debido al fanatismo que presentan los seguidores de una corriente religiosa que se autodenominan como unitologistas. Tras este interesante y enigmático hallazgo, extraños sucesos empiezan a encadenarse en la base instalada en las cercanías de esa misteriosa construcción, junto a una serie de asesinatos y de actos violentos como nunca se hayan conocido en ese lugar. Con terroríficas sorpresas apareciendo constantemente en pantalla a lo largo de toda la película, debido a las especiales características alienígenas que se presentan, y a la excelente combinación de alta tecnología con angustiosos ambientes donde oscuridad y sangre están siempre presentes, convierten estos escenarios en auténticos cementerios high-tech en el espacio.

“O salvamos a esa gente, o morimos en el intento.”

Conviene recalcar que ésta es una extraordinaria película de animación destinada a un público adulto debido a sus impactantes y sangrientas escenas. Con dibujos influenciados por el diseño de personajes que es característico en el estilo occidental de creación de películas y de series de animación, en este largometraje se han combinado imágenes de gran calidad con dibujos muy esquematizados y sin prácticamente tonalidades cromáticas. Inteligentes detalles tecnológicos engrandecen esta película como la sierra de luz, el indicador luminoso de vida que llevan a la espalda los humanos, el sistema utilizado para sacar el monolito extraterrestre del planeta… nos ofrecen esa realidad tecnológica futurista que tanto nos atrae a los fieles seguidores de este estilo cinematográfico. Con una atmósfera oscura y tétrica donde el misterio y el suspense dominan esta historia en la mayor parte de su desarrollo, “Dead Space: Perdición” destaca por sus impactantes escenas sangrientas donde la estética gore hace acto de presencia con todo tipo de mutilaciones, desmembramientos, cuerpos que revientan desde dentro, escenarios salpicados con sangre hasta el último rincón, brutales cortes e impactos en los cuerpos… haciéndonos recordar de nuevo que esta película de animación no está hecha para ser visualizada por el público infantil. Eso sí, una vez vista y analizada, por su calidad creo que este largometraje debería haber tenido un poco más de promoción en los medios de comunicación para dar a conocer esta magnífica obra a número mayor de espectadores interesados siempre en este género cinematográfico. “Dead Space: Perdición”, una terrorífica película de animación que será muy apreciada por los incondicionales seguidores de la temática “Alien”. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Nos han engañado con dioses espaciales…”

Félix V. Díaz
RESEÑA Nº:

En Lux Atenea Webzine solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Otras reseñas recomendadas:

jueves, noviembre 25, 2010

"CARRETERA PERDIDA (LOST HIGHWAY)".

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Director: DAVID LYNCH Guión: DAVID LYNCH y BARRY GIFFORD
Actores principales: PATRICIA ARQUETTE (Renee Madison / Alice Wakefield), BILL PULLMAN (Fred Madison), BALTHAZAR GETTY (Pete Dayton), ROBERT BLAKE (hombre misterioso), ROBERT LOGGIA (Mr. Eddy / Dick Laurent), MICHAEL MASEE (Andy), JACK NANCE (Phil), RICHARD PRYOR (Arnie), GARY BUSEY (Bill Dayton), NATASHA GREGSON (Sheila)
País: EE.UU Año: 1996 Productora: LOST HIGWAY PRODUCTIONS. INC. Duración aprox.: 123 minutos
Publicado en España por: CAMEO MEDIA, S.L. AÑO: 2006 Formato: CAJA 2 DVD´s (EDICIÓN LIMITADA)

Lo primero que me gustaría avisar al lector antes de que siga leyendo esta reseña es que, para mí, la película “Carretera Perdida (Lost Highway)” es el largometraje más extraordinario y excelso que haya visto nunca entre todas las películas que, hasta el momento, he visualizado. Una subjetiva mirada que, indiscutiblemente, condiciona mi análisis y comentario debido al estado de absoluta fascinación que esta película me provoca cada vez que la vuelvo a disfrutar. “Carretera Perdida (Lost Highway)” ha sido la única película que, hasta la fecha, he ido a verla en cinco ocasiones a una sala de cine desde su estreno, y no dejaría pasar la oportunidad de repetirlo si en este país hubiera salas de cine que tuvieran en cartelera películas clásicas e independientes de culto (que las hay y muy buenas como para llenar una sala). Y es que la genialidad que David Lynch nos muestra en cada una de sus obras cinematográficas hace aún mayor la grandeza del cine independiente a través de escenas únicas que quedan grabadas en el inconsciente de todo aquel que las presencia. Esta es la magia del surrealismo aplicada a la imagen, a la trama, a la estética propia de un estilo único con el que David Lynch nos hace ver el mundo a través de los ojos de ese ser humano real alejado de las falsas esencias espirituales con las que le gusta ser retratado, y que son más propias de mitológicas fantasías y morales religiosas que de la auténtica realidad del ser humano como retorcida e implacable especie depredadora de su propia especie. Dentro de esta difícil y complicada temática psicológica tratada por David Lynch en alguna de sus películas, “Carretera Perdida (Lost Highway)” destaca por encima de todas ellas por su crudeza a la hora de presentar la cruel realidad de lo cotidiano. Creo que a cualquier lector de Lux Atenea Webzine no le hace falta irse muy lejos del lugar donde vive para encontrar a personas con existencias tan trágicas y corruptas como las aquí mostradas. Solamente hace falta analizar un poco cómo está el mundo en este siglo XXI para ver a Lynch más como un incómodo revelador de todo aquello que no queremos ver ni conocer, que como un director de cine que hace películas surrealistas sin más pretensiones.

Cuando vi esta película el día de su estreno en una sala de cine, fue toda una sorpresa encontrar en su reparto a actores como Robert Blake (cuyo protagonismo en la serie “Baretta” es sencillamente inolvidable para las personas de mi generación), Robert Loggia (un actor impresionante y con una fuerza para trasmitir credibilidad en pantalla cuando hace de mafioso que me marcó desde la primera vez que le vi actuar en la serie “S.W.A.T. Los Hombres de Harrelson”), Richard Pryor (tristemente, esta fue su última aparición en una película; le podemos ver en escena en una silla de ruedas debido a la esclerosis múltiple que padecía; un actor cómico inolvidable en largometrajes protagonizados junto a otro gran actor, Gene Wilder), Michael Massee (un excelente actor de auténtico lujo cuando hace de villano, de asesino, de infame personaje en una película, y es que con sólo verlo en pantalla, te crees de inmediato su personaje) y Jack Nance (un magnífico actor que fue un clásico en películas y cortometrajes rodados por este genial director). Se nota que a David Lynch no le gusta trabajar con estrellas situadas en lo más alto de la fama y del éxito en el momento de ponerse a trabajar en el rodaje de una película. Eso no quita que cuente con actrices y actores famosos, reconocidos inmediatamente por el público, para dar vida a sus complejos personajes. Pero si una actriz o actor famosos entra en el reparto de una de sus películas, tengan por seguro que su exaltado Ego hace ya tiempo que quedó sosegado en pro de la calidad interpretativa. Desde mi punto de vista, no he vuelto a presenciar la interpretación de un personaje tan bueno como el de Fred Madison en esta película a cargo de Bill Pullman. Y, por supuesto, en esta excelsa película es imposible no mencionar la irresistible atracción que Patricia Arquette nos ofrece en varias escenas, dando un toque de morbo y glamour a un personaje que se mueve psicológicamente entre dos polos opuestos muy inestables. Pero si alguien se ha quedado perplejo y, a su vez, atraído por la presencia del Hombre Misterioso en este largometraje, le aconsejaría también que viera la película “Carnival of Souls”, reseñada en Lux Atenea Webzine, para adentrarse un poco más en sus raíces conceptuales.

“Carretera Perdida” es un drama de misterio y suspense que nos habla de seres marcados por un karma inflexible que, de forma cíclica, sigue condicionando sus vidas aunque estos se reencarnen y vivan en otra época y en otras circunstancias. Una película que señala a los seres humanos como individuos inexorablemente atraídos por el Mal, por todo lo perverso, por todo aquello que les llevará a la perdición a través del señuelo del placer y de sentirse dueños de un destino que ya perdieron en el mismo momento de nacer. Una película de amores imposibles, de atracciones carnales imposibles, de purezas imposibles,… en resumidas cuentas, de felicidades imposibles disfrazadas de momentos únicos en compañía de personas que también disfrutan engañando a su verdadera esencia a través del constante engorde de un Ego eternamente insatisfecho. Un largometraje que presenta al ser humano a través de sus crueles actos en un presente donde se creen dioses sobre la tierra por hacer todo lo que sus caprichosos Egos les mandan, sin pensar un momento en las consecuencias que esas acciones traerán consigo. Unos fotogramas que destilan corrupción, que huelen a insatisfacción, que hacen brillar a los siete pecados capitales como carta de presentación de nuestra especie en el mundo real en el que vivimos, aunque no lo queramos admitir a simple vista. Unas escenas que irradian vigor en personajes muy poderosos por ser capaces de comportarse en este mundo como jueces de todas aquellas personas que se cruzan en su camino como si su presencia sobre la tierra estuviera tocada por un don divino que los situara más allá del Bien y del Mal. Individuos que aspiran a ser nuevos dioses y que, para conseguirlo, no dudan en sacrificar lo que sea y a quien sea para lograr ese objetivo. Así de cruda se muestra la película “Carretera Perdida” al espectador tras convertir lo cotidiano en algo terriblemente opuesto a ese mundo feliz con la que, desde muy pequeños, nuestra sociedad trata de convencernos a través de la influencia familiar, los amigos, la religión, el mundo del trabajo, las relaciones amorosas, la vida en pareja,… en definitiva, en “Carretera Perdida” lo cotidiano se presenta siempre como un Infierno, no porque David Lynch así lo quiera reflejar, sino porque el mundo es y ha sido siempre así de demoníaco desde el nacimiento del primer ser humano en este planeta. En “Carretera Perdida”, la Humanidad es mostrada tan siniestramente corrupta porque así es como le gusta vivir al ser humano en sociedad, diseñándola de acuerdo con sus principios hipócritas destinados a cubrir todas sus corruptelas. Basándonos en esos principios, e independientemente de la época que elijamos, comprobamos siempre que quienes tienen el poder, lo ejercen a voluntad y capricho sin que nadie pueda hacer nada por impedirlo, y quienes no lo tienen, aspiran a que algún día puedan estar ellos en el lugar de quienes lo poseen para poder hacer exactamente lo mismo. Y no hablo del poder desde el punto de vista de la política en particular, sino de toda la sociedad en general. Un poder que se presenta siempre en toda su más corrupta esencia ya sea en la familia, en las amistades, en los negocios, en los placeres carnales,… en resumidas cuentas, en todo aquello en lo que el ser humano fija su interés y acaba moldeando. Por este motivo, todo es cíclico en la oscura trama de esta película como si fuera una rueda del Destino que no para de girar y girar en el tiempo.

Podía hablar de muchos otros detalles de este complejo largometraje como, por ejemplo, su banda sonora (ya reseñada), a la que valoro personalmente como la mejor y más excelsa que haya visto hasta el momento para engrandecer una película aún más. Una obra cinematográfica de corte gótico donde el abanico visual y conceptual es tan abierto que tanto lo sensual como lo psicodélico, tanto lo violento y como lo selecto, tanto lo visceral y como lo racional, al final encuentran su sentido en las emociones que provoca su oscura trama en el espectador. Además, a todos los lectores de Lux Atenea Webzine que estén interesados en tener más información sobre este largometraje, les aconsejaría que adquirieran esta edición limitada ya que contiene un segundo DVD con extras que incluye dos interesantes entrevistas realizadas a David Lynch en los años 1996 y 2005, y entrevistas a otros de sus actores principales como Bill Pulman, Patricia Arquette y Robert Loggia. “Carretera Perdida (Lost Highway)”, el universo Lynch adentrándose en la psicología humana para destapar todas sus inmundicias a través de la siniestra estética de sus imágenes rodadas. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Lux_Atman

Artículo Nº: 786
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“LA MONTAÑA SAGRADA” (the holy mountain), 1973.

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Desde el año 2006 difundiendo pasión por el Séptimo Arte a través del análisis de obras pertenecientes a la cultura cinematográfica más selecta y underground.

Director: ALEJANDRO JODOROWSKY
Guión: ALEJANDRO JODOROWSKY
Actores principales: ALEJANDRO JODOROWSKY, JUAN FERRARA, HORACIO SALINAS
País: MÉXICO-EE.UU Año: 1973
Productora: ABKCO
Duración aprox.: 108 minutos
Publicado en España por: CAMEO
AÑO: 2007 Formato: DVD

Estamos ante una de las películas más innovadoras y vanguardistas que se hayan rodado nunca dentro del cine independiente. Considerada como película de culto por muchos cinéfilos, sus avanzados conceptos reflejados en inolvidables imágenes han convertido a "La Montaña Sagrada" en una de las mejores películas de cine de autor rodadas en la rebelde y transgresora década de los setenta. Un largometraje cuyo contenido temático pasó a ser inmediatamente etiquetado como escandaloso e inmoral en su época debido a la clara denuncia que, en este largometraje, Alejandro Jodorowsky realiza sobre toda la hipocresía existente en los seres humanos, en su cultura y en su sociedad a lo largo de los siglos. Porque “La Montaña Sagrada” no refleja otra cosa que la danza que todo hombre ha de realizar con el destino desde su nacimiento, y que ineludiblemente le obliga a ir aprendiendo sobre la marcha mientras es empujado por las consecuencias que traen cada uno de sus actos, si no quiere que los errores cometidos malgasten su preciado tiempo de vida. La talentosa mente del genial Alejandro Jodorowsky llegó a idear esta película de corte místico desde una perspectiva puramente simbólica, y donde los toques surrealistas con pinceladas siniestras nos ofrecen un viaje por la mente humana, por sus deseos y debilidades. Mostradas con crudeza visual, algunos lo consideran tan provocador que el mero hecho de etiquetar a estas obras cinematográficas de Alejandro Jodorowsky como geniales películas de culto, les parece absolutamente rechazable. De todos es sabido que las verdades ofenden al ser humano. Personalmente, considero a Alejandro Jodorowsky como una de las personas clave dentro del pensamiento, del arte y del misticismo del siglo XX. Una persona con la que tuve el placer de hablar en Madrid hace ya algunos años, y cuya mirada al mundo de la existencia humana creo que, como mínimo, requiere una sincera reflexión sobre el trasfondo de sus avanzados conocimientos en relación al ser humano. No solamente en el teatro y en el cine han destacado sus creaciones artísticas por su brillantez, sino también por el estudio serio y riguroso que viene realizando sobre la mente humana, y su reflejo en la personalidad y en el cuerpo de las personas a través de dos conceptos a los que ha denominado como psicogenealogía y psicomagia. Sus beneficiosos efectos han ayudado a muchas personas a resolver problemas que consideraban imposibles de solucionar, y menciono estos datos porque quiero que nuestros lectores tengan una idea amplia y global sobre la visión que este maestro de la vida, y sobre cómo pudo nacer la idea de rodar una película tan impactante como “La Montaña Sagrada” en su mente.

No he dejado de estudiar y de profundizar en la esencia de “La Divina Comedia” desde hace dos décadas, y el estudio del contenido simbólico utilizado en la creación de la trama de esta película, irremediablemente me ha llevado a ver paralelismos con la estructura astrológica de la conocida obra de Dante. Un proceso de purificación espiritual a través de las características esotéricas que resultan propias de cada planeta en el mundo de la astrología porque, desde una perspectiva puramente mística, el objetivo final es aligerar al alma de todas las inmundicias que conllevan los enganches carnales y la opacidad espiritual para poder alcanzar la liberación. Un ansiado retorno a lo primigenio, a ese lugar donde se originó nuestra alma, y que puede ser alcanzado tras pasar por un largo periodo de tiempo en ese plano existencial donde el sufrimiento y la irresistible atracción hacia todo lo que nos tienta y ata a lo material, ha de ser asimilado interiormente para lograr rechazar con absoluta eficacia esos poderosos influjos. La grandeza de la mística mostrada conceptualmente por Jodorowsky en esta película, nos lleva a observar cómo ese sufrimiento y esas atracciones materiales no han de ser rechazadas por sistema, sino que han de ser atravesadas por la fuerza generada en nuestro inconsciente desvelado, ya que si los rechazáramos por sistema o dogma, más que evitar su fatal influjo, lo que haríamos es potenciar su influencia en nuestro inconsciente más obscuro. Una visión esotérica que considero acertada en sus planteamientos puramente prácticos. Además, nadie duda de la fuerza de las imágenes a la hora de transmitir una idea, una visión, un mensaje… por complejos que estos sean. Y si en el caso de una película tan bien rodada como “La Montaña Sagrada”, unimos el tremendo poder de las palabras a lo visual con significado simbólico, la eficacia de este sistema audiovisual es más que evidente. Como apunte a destacar, en este magnífico DVD también se han incluido como extras las escenas eliminadas de la cinta original, el proceso de restauración de la película,… ofreciendo al espectador una visión global de esta auténtica obra maestra. “La Montaña Sagrada”, una película concebida para despertar consciencias, más que para el entretenimiento. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
RESEÑA Nº:
En Lux Atenea Webzine solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Otras reseñas recomendadas:
“LA DANZA DE LA REALIDAD”, ALEJANDRO JODOROWSKY.
“CABARET MÍSTICO”, ALEJANDRO JODOROWSKY.
"EL MAESTRO Y LAS MAGAS", ALEJANDRO JODOROWSKY.
“PSICOMAGIA”, ALEJANDRO JODOROWSKY.
"MANUAL DE PSICOMAGIA", ALEJANDRO JODOROWSKY.
“ALBINA Y LOS HOMBRES-PERRO”, ALEJANDRO JODOROWSKY.
"EL DEDO Y LA LUNA”, ALEJANDRO JODOROWSKY.
“METAGENEALOGÍA”, ALEJANDRO JODOROWSKY y MARIANNE COSTA.
“LAS ANSIAS CARNÍVORAS DE LA NADA”, ALEJANDRO JODOROWSKY.
“LA VÍA DEL TAROT”, ALEJANDRO JODOROWSKY y MARIANNE COSTA.

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miércoles, noviembre 24, 2010

ROBERT MUCHEMBLED “UNA HISTORIA DE LA VIOLENCIA, del final de la Edad Media a la actualidad”.

Quiero dar las gracias a EDICIONES PAIDÓS por su cortesía con LUX ATENEA WEBZINE.

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Publicado por: EDICIONES PAIDÓS IBÉRICA, S.A.
ISBN: 84-493-2421-5
Edición: 2010 (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Páginas: 398

“Un hecho inaudito desde hace siglos es que la inmensa mayoría de los jóvenes europeos de la segunda mitad del siglo XX no ha matado ni herido jamás a un ser humano, sobre todo porque la guerra ha desaparecido del corazón del continente.”

Ediciones Paidós vuelve de nuevo a sorprenderme con la publicación de otro excelente libro sobre temáticas de actualidad. “Una Historia de la Violencia” es una detallada obra donde el lector, al igual que me ha sucedido a mí durante su lectura, encontrará rigurosos datos e informaciones sobre la violencia en Occidente cuyo acertado análisis eliminará muchas visiones erróneas que tenemos sobre este asunto tan candente en la sociedad: la violencia. Sin lugar a dudas, una gran parte de la culpa de esa equivocada idea que el ciudadano actualmente tiene sobre la violencia en nuestra sociedad, desde un punto de vista histórico y realista, viene dado por el giro tremendista y morboso con el que los medios de comunicación vienen mostrando cada una de las informaciones relacionadas con actos violentos ocurridos en las últimas dos décadas. Una saturación tanto en medios informativos como la televisión, la radio o la prensa (ya sea publicada en papel o en formato digital), en el que se mira más su impacto emocional en los ciudadanos que en contrastar y contar la realidad de esos trágicos sucesos. Personalmente, he de reconocer que, pese a seguir pensando que estamos presenciando un incremento de la violencia en nuestra sociedad año tras año, me dejó perplejo la primera parte de este libro tras leer, en palabras de este excelente profesor universitario, que la violencia ha caído radicalmente en Europa desde la Edad Media hasta nuestros días. Con el escepticismo en mi mente, me dispuse a analizar al detalle cada frase, cada párrafo, cada información aportada para dar una base científica a tal afirmación, y tras finalizar la lectura/análisis de esta obra, puedo afirmar que, efectivamente, sus conclusiones son correctas. Los fríos y objetivos datos aquí expuestos corroboran sus conclusiones, aunque estas nos puedan sorprender a primera vista.

“Su conducta belicosa, muy ostentosa, expresa las frustraciones de los excluidos de la sociedad de consumo que quieren no sólo tomarse la revancha sino también apropiarse de todos los signos del poder y la riqueza.”

Una de las características de esta obra que más me ha sorprendido es la facilidad con la que Robert Muchembled va articulando y ordenando estos datos cronológicamente, tomando en cuenta factores tan importantes como los cambios sociales, la evolución de las economías europeas, las migraciones del campo a la ciudad, la visión popular de la violencia y de los violentos, la transformación social que la tecnología ha provocado en la sociedad, los cambios políticos en las naciones,… para no dejar un cabo suelto a la hora de aportar pruebas claras y muy concluyentes a sus explicaciones en referencia a la evolución de la violencia en la sociedad. Comprobar cómo de una sociedad muy violenta como la existente en la Edad Media, Europa ve reducir drásticamente el número de actos violentos a partir de mediados del siglo XVII (momento en el que finaliza la Guerra de los Treinta Años), consolidándose posteriormente tras un cambio progresivo y generalizado en la sociedad de la inmensa mayoría de las naciones europeas, te engancha irremediablemente a seguir leyendo esta obra con avidez. Comprender cómo una sociedad feudal caracterizada por lo agrario como sostén económico y social de la nobleza, crea un sistema mucho más violento que esa misma sociedad dominada por un sistema económico basado en el comercio realizado en núcleos urbanos por la burguesía, te permite entender en mayor profundidad cómo se produjeron estas caídas tan pronunciadas en el número de delitos registrados por la justicia. Comprobar cómo ese rechazo social a todo lo relacionado con los actos sangrientos, que va desarrollándose poco a poco en toda Europa hasta quedar prácticamente eliminada la pena de muerte en sus sistemas judiciales, vemos que tiene luego su otra cara social con el interés que el público termina mostrando hacia la literatura en cuyos contenidos están presentes la sangre y los crímenes. Una presencia de la violencia, de la brutalidad y de la sangre que, a lo largo de los siglos, ha terminado pasando del mundo real al imaginario, y que en la actualidad, ese universo ficticio también está incluyendo a una parte de la producción cinematográfica con más éxito en taquilla, las series de animación más impactantes y los videojuegos de contenido violento. Además, comprobar que las mujeres protagonizan tan solo el diez por ciento de todos los delitos que se cometen, en un porcentaje que no ha variado prácticamente en los últimos siete siglos, le deja a uno muy sorprendido y alarmado sobre la importancia del factor masculino en la ejecución de actos brutales y violentos en todos los niveles sociales. Estos y muchos otros datos de interés, son los que encontrarán en esta obra imprescindible para poder conocer la evolución de la violencia en Europa hasta nuestros días. “Una Historia de la Violencia”, una más que oportuna publicación editorial para poder dejar de ver nuestro presente de forma tan interesadamente manipulada por los medios de información. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Se produce un cambio radical de actitud de las masas y de los humildes respecto a la brutalidad. La causa principal parece ser la modificación del espacio urbano, ahora superpoblado.”

Lux_Atman

Artículo Nº: 784
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“SU PROPIA VÍCTIMA (DEAD RINGER)”.

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Director: PAUL HENREID Guión: ALBERT BEICH y OSCAR MILLARD
Actores principales: BETTE DAVIS, KARL MALDEN, PETER LAWFORD
País: EE.UU Año: 1964 Productora: WARNER BROS. PICTURES Duración aprox.: 111 minutos
Publicado en España por: IMPULSO RECORDS, S.L. AÑO: 2009 Formato: DVD

“Margaret, no te preocupes. Todo irá bien.”

“Su Propia Víctima” es una magnífica película que Bette Davis rodaría tras el inesperado gran éxito del largometraje “¿Qué fue de Baby Jane?”, comentado recientemente en Lux Atenea Webzine. Un dramático thriller cuya admirable remasterización realizada para esta edición en DVD nos permite disfrutar, en toda su riqueza visual, esta trágica historia protagonizada por dos hermanas gemelas: Edith (tosca, seca, y cuyas graves dificultades económicas están a punto de dejarla en la calle por no tener dinero para seguir pagando el alquiler de su casa) y Margaret (elegante, educada, una rica viuda sin hijos muy poco afectada por el reciente fallecimiento de su marido, a cuyo entierro asiste Edith al comienzo de la película). Tiempo atrás, Margaret le quitó su amor a Edith, casándose posteriormente tras haberlo engañado diciéndole que estaba embarazada de él. El descubrimiento de ese engaño tras el fallecimiento del marido de Margaret se convertirá en el desencadenante de una venganza personal de Edith contra Margaret y que la llevará a cometer un horrible crimen. Tras sutituir a su hermana en su confortable vida, la aparición de un policía (Karl Malden) unido a Edith, y, sobre todo, de un amante secreto de su hermana Margaret (Peter Lawford), acabarán complicando su nueva vida de privilegiado status.

La genial interpretación que Bette Davis realiza para dos personajes tan iguales físicamente y, a su vez, tan diferentes en su esencia tras haber sido moldeados de forma tan distinta tras el acceso de bienes y riquezas, ofrece una gran credibilidad a esta dramática historia propia del mejor cine negro. Una trama muy bien construida donde la tensión y el suspense llevan al espectador a no levantarse del asiento hasta su grandioso final. Detalles como la contraseña de la caja fuerte de la casa de su hermana, la simpatía/rechazo del perro hacia sus dueños como eficaz indicador de la auténtica realidad que permanece oculta a la mirada de la Razón de los seres humanos, la estética oscura y siniestra de muchos de los escenarios aquí mostrados (llegando a adentrarse en el terreno de lo tétrico y lo macabro en algunas ocasiones), la mirada analítica de Karl Malden como pocos actores pueden ofrecernos en la representación de un agente de la ley, el uso de la máscara como clave de las relaciones humanas en sociedad (e incluso, en la intimidad), las dificultades que se presentan a Edith para adaptarse a su nuevo rol,… convierten a esta película en una auténtica joya del Séptimo Arte para ser disfrutada en múltiples veladas, porque… ¿Qué sería de la magia del cine si no lo pudiéramos disfrutar en la oscuridad de la noche?

“Su Propia Víctima” es un largometraje donde la venganza toma sentido en una persona que ha sufrido grandes carencias en su vida cotidiana tras haber sido engañada. Amor y riqueza que se alejaron de su vida tras los maquiavélicos planes tramados por una hermana más interesada en estar rodeada de lujo y prosperidad económica, que de estar al lado de la persona a la que ama. Esta justificación al crimen cometido, que se percibe claramente en la primera parte de esta historia, es la que da al espectador esa dualidad moral entre lo socialmente condenable y la justicia tomada por la mano de una persona que no ha visto su existencia realizada por culpa de un cruel engaño. Además, las difíciles situaciones a las que se enfrentará Edith en su papel de Margaret, llegarán a afectarla psicológicamente tanto en su personalidad como a la nueva mirada con la que ha de ver el mundo. Un entorno al que debe engañar con eficacia para que no descubran su verdadera identidad. “Su Propia Víctima” es un largometraje que destaca por sus excelentes escenas y tomas rodadas, todo ello, a través de la magia y el ambiente que sólo las películas filmadas en blanco y negro pueden ofrecer al amante del buen cine. Cine en blanco y negro que, por cierto, parece estar reviviendo una segunda época de esplendor como forma de expresión audiovisual en este inicio del siglo XXI. Algo deben tener las obras cinematográficas rodadas en blanco y negro para seguir despertando emociones en los espectadores más cultos. “Su Propia Víctima”, una excelente película para dejarse hechizar por el hipnótico embrujo interpretativo de Bette Davis. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Lux_Atman

Artículo Nº: 782
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B.S.O. / OST “CARRETERA PERDIDA (LOST HIGHWAY)”.

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Publicado por: NOTHING / INTERSCOPE RECORDS / MCA, (IND-90090), 1996
Edición comentada: CD
1- David Bowie “I'm Deranged (Edit)”.
2- Trent Reznor “Videodrones; Questions”.
3- Nine Inch Nails “The Perfect Drug”.
4- Angelo Badalamenti “Red Bats with Teeth”.
5- Angelo Badalamenti “Haunting & Heartbreaking”.
6- The Smashing Pumpkins “Eye”.
7- Angelo Badalamenti “Dub Driving”.
8- Barry Adamson “Mr. Eddy's Theme 1”.
9- Lou Reed “This Magic Moment”.
10- Barry Adamson “Mr. Eddy's Theme 2”.
11- Angelo Badalamenti “Fred and Renee Make Love”.
12- Marilyn Manson “Apple of Sodom”.
13- Antonio Carlos Jobim “Insensatez”.
14- Barry Adamson “Something Wicked this Way Comes (Edit)”.
15- Marilyn Manson “I Put a Spell on You”.
16- Angelo Badalamenti “Fats Revisited”.
17- Angelo Badalamenti “Fred's World”.
18- Rammstein “Rammstein (Edit)”.
19- Barry Adamson “Hollywood Sunset”.
20- Rammstein “Heirate Mich [Edit]”.
21- Angelo Badalamenti “Police”.
22- Trent Reznor “Driver Down”.
23- David Bowie “I'm Deranged (Reprise)”

Es de sobra conocida la pasión musical que la música oscura y alternativa despierta en el director de cine David Lynch. Prueba de todo ello fue la selección musical que escogió para dar ese espíritu musical único e imborrable, con el que fascina y encanta a sus seguidores, para su mítica película “Carretera Perdida (Lost Highway)”. Tras asistir al estreno de esta película en una conocida sala de cine madrileña situada en la Gran Vía, tras haber presenciado el sublime espectáculo emocional y psicológico que esta película atesora, absolutamente fascinado por su banda sonora me dirigí a una conocida tienda de discos cercana a la sala para comprarla. Ese mismo día no pude disfrutar de su audición en casa al no tenerlo a la venta en ese momento, pero, tras insistir en su búsqueda y compra, poco tiempo después pude hacerme con este impresionante álbum que comentaré a continuación. Un disco glorioso, siniestro, con alma, superlativo en su calidad y muy espléndido en cuanto a los grupos musicales y cantantes escogidos para ser protagonistas en esta aventura musical perfectamente organizada para provocar en el melómano, emociones intensas y momentos muy placenteros en cada audición. En mi caso en particular, en más de un centenar largo de ocasiones he disfrutado escuchando este álbum (y sigo disfrutando), permaneciendo su esencia emocional más potenciada por los efectos musicales que provoca en mi mente debido a su extraordinaria concepción donde se vertebró y equilibró lo clásico con lo vanguardista, lo puramente instrumental con lo lírico, y lo siniestro con el hedonismo más exquisito. Una banda sonora inigualable en la que no incluiría finalmente la excelsa canción “Song to the Siren” de This Mortal Coil por una cuestión de derechos de autor. Una mítica canción a la que ya dediqué un merecido homenaje con la reseña que escribí sobre su edición original publicada en vinilo en el año 1983 dentro del especial que dediqué en Lux Atenea Webzine a toda la obra musical de este mítico e inolvidable proyecto musical experimental llamado This Mortal Coil, ideado por el genial Ivo Watts-Russell, propietario del prestigioso sello discográfico 4AD.

Indudablemente, escuchar esta banda sonora es toda una garantía para experimentar fuertes sensaciones. Empiezas a escuchar la canción “I'm Deranged (Edit)” de mi admirado David Bowie, y es que mentalmente te transportas de inmediato al comienzo de esta excelsa película. Pero es que escuchas la versión de esta canción que da cierre a este álbum, y tampoco sabes con cual de las dos quedarte por su gran calidad. Te lanzas de cabeza a escuchar los grupos más siniestros y alternativos, como Rammstein, Marilyn Manson, Nine Inch Nails, The Smashing Pumpkins o Trent Reznor, y caes totalmente rendido ante su influjo musical (en el caso de Rammstein, nunca olvidaré cuando a varios conocidos DJ´s de la escena gótica madrileña les recomendé algunas canciones de su primer álbum “Herzeleid” nada más salir a la venta en el año 1995, y que incluían las aquí presentes, respondiéndome cada uno de ellos que no les gustaba en absoluto y que este grupo no tendría éxito alguno en la escena gótica; años después, todos ellos incluían las canciones de Rammstein en sus sesiones hasta el hartazgo, e, incluso, alguno presumía de haberlos descubierto… ¡¡¡Qué cosas tan sorprendentes llega a escuchar uno en esta vida!!!). Te pones a escuchar a compositores un poco menos oscuros como el mítico Lou Reed, y te embruja con su inigualable estilo a la hora de hacer música de verdad. Decides ambientar tu mente con la música más selecta a través de las canciones de Barry Adamson, Angelo Badalamenti o Antonio Carlos Jobim aquí incluidas, y la luz empieza a irradiar tu soledad a través de melodías que saben a vida mirada a través del cristal del individualismo. Y es que “Carretera Perdida (Lost Highway)” es un álbum destinado a ser escuchado por almas de la noche, por melómanos elitistas que quieren escuchar música con espíritu, por personas a los que los sinsabores de la vida le han llenado de experiencia suficiente como para poder diferenciar lo verdaderamente auténtico de lo falso e intrascendente. Este es un disco para ser venerado por su magnífico contenido musical, y por ese carácter único que lo transforma en algo muy personal e íntimo. “Carretera Perdida (Lost Highway)”, para mí, la mejor banda sonora de una película que se haya publicado nunca en toda la historia del cine hasta nuestros días, y que difícilmente será superada en el futuro, a medio y largo plazo, en vista a lo que se está presentando como música para largometrajes. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Lux_Atman

Artículo Nº: 781
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martes, noviembre 23, 2010

“KAGEMUSHA, LA SOMBRA DEL GUERRERO”.

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En el centenario del nacimiento de AKIRA KUROSAWA, en Lux Atenea Webzine conmemoramos los 30 años de la presentación de esta sublime película.

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Director: AKIRA KUROSAWA Guión: AKIRA KUROSAWA y MASATO IDE
Año: 1980 Duración aprox.: 152 minutos
Publicado en España por: TWENTIETH CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A. Año: 2007
Formato: 2 DVD´s

Galardonada con la Palma de Oro en el Festival de Cannes del año 1980, y el César a la Mejor Película Extranjera otorgado por la Academia de las Artes y Técnicas del Cine de Francia en 1981, “Kagemusha, la Sombra del Guerrero” es una película que la crítica especializada ha considerado como una auténtica obra maestra creada dentro del universo cinematográfico. De la mano del genial director de cine japonés Akira Kurosawa, al que, sinceramente, admiro profundamente por la calidad de sus maravillosas obras rodadas, el lector de Lux Atenea Webzine que decida asistir a este gran espectáculo visual de la imagen concebida como una obra artística, comprobará con sus propios ojos cómo el color, el movimiento, la coordinación, las tomas,… acaban convirtiéndose en el radiante alma de una película que le dejará asombrado por su sublime belleza. Con una trama basada en una historia situada en el periodo feudal en Japón, será la búsqueda de un doble que pueda hacerse pasar por un poderoso señor feudal (ante su inminente muerte) para evitar la pérdida de sus dominios, lo que llevará a la persona que finalmente encuentran como doble a romper con su poco honorable pasado, retomando su vida como respetado señor de la guerra. Un ladrón que, de la noche a la mañana, se le presenta una oportunidad única para renacer y cambiar su aciago y triste destino a través de una nueva existencia aristocrática que le otorga sentido vital y orgullo. Pero la vida cotidiana de un poderoso señor feudal también está llena de compromisos, de decisiones importantes que ha de tomar como gobernante, y de inevitables peligros que ha de esquivar, que le llevarán a replantearse muy seriamente si continúa protagonizando ese teatro de la realidad.

Cuando en España empezó la expansión del formato de vídeo doméstico VHS y de los videoclubs, aparte de alquilar las películas más interesantes del momento, también me aficioné a alquilar películas japonesas debido al fascinante mundo cinematográfico que me mostraban a través del cuidado de la imagen y del color como parte plástica fundamental que da sentido al largometraje. Con unos actores que, viniendo de una esencia puramente teatral, interpretaban sus personajes utilizando gestos y expresiones nada comunes en el resto de películas occidentales, ese estilo tan característico en sus películas te obligan a fijar la mirada en sus personajes mientras la escena ofrece ese ambiente único y bello como solamente los grandes directores japoneses son capaces de mostrar. Sobre todo, en tomas exteriores donde la naturaleza, el hombre y lo urbano pasan a ser considerados como una belleza fugaz que es inmortalizada en fotogramas tras una paciente espera. Y es que no hay nada mejor que la belleza circunstancial que nos rodea para dar realismo y credibilidad a una trama, independientemente del escenario donde se desarrolle. Esa es la grandeza del cine japonés a la hora de convertir el escenario en el diario de la existencia humana, ya sea en su carácter externo o en su universo interior y privado. Uno de estos directores con ese don para reflejar la belleza en imágenes fue Akira Kurosawa, y en este año en el que en Lux Atenea Webzine estamos conmemorando el centenario de su nacimiento, es todo un honor y un placer escribir esta reseña sobre una de sus mejores películas. Los tiempos han cambiado radicalmente desde los tiempos del VHS (con todos esos mágicos momentos que te ofrecía buscar una película y alquilarla sin saber qué te ibas a encontrar luego), y en esta cuidada edición en dos DVD´s podrán no sólo admirar esta grandiosa película, sino también conocer un poco más sobre su historia gracias a los imprescindibles extras aquí incluidos (entrevistas con Lucas, Coppola y Kurosawa; Akira Kurosawa: Es maravilloso crear; Imágenes: La continuidad de Kurosawa…). “Kagemusha, la Sombra del Guerrero”, un drama donde el color, el movimiento y los gestos interpretativos convierten a este largometraje en una película mítica dentro del más selecto cine japonés. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 780
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“SERIAL EXPERIMENTS LAIN”.

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Desde el año 2006 difundiendo pasión por el Séptimo Arte a través del análisis de obras pertenecientes a la cultura cinematográfica más selecta y underground.


Director: NAKAMURA
Guión: CHIAKI KONAKA
País: Japón Año: 1998
Productora: PIONEER LDC
Duración aprox.: 325 minutos
Publicado en España por: SELECTA VISIÓN S.L.U.
Año: 2009 Formato:
CAJA CON 4 DVD´s MÁS EXTRAS (EDICIÓN COLECCIONISTA DE 1500 UNIDADES NUMERADAS)



“No importa donde vayas porque todo el mundo está conectado.”

La empresa SELECTA VISIÓN ha publicado esta impresionante edición limitada de la serie de animación “Serial Experiments Lain” que incluye 3 DVD´s con los 13 capítulos de la serie, un DVD con extras, un CD con su banda sonora original, un libro de 48 páginas con ilustraciones y diseños, un cómic manga inédito de 20 páginas y una lámina creadas en exclusiva por Yoshitoshi Abe sólo para esta edición. Pero, ¿qué hace tan atractiva y especial a esta serie de animación japonesa para ser comentada en Lux Atenea Webzine? “Serial Experiments Lain” son ambientes postmodernos propios de una gran ciudad; son secuencias iridiscentes que incitan a la reflexión; es el bullicio y las relaciones personales reducidas a un pequeño grupo socialmente uniforme; son los pensamientos de la mayoría de la gente basados en estereotipos socialmente establecidos; es la presencia de lo teológico, de Dios y la muerte en una serie de animación; es la soledad y la sensibilidad interior de quienes son marginados socialmente por pensar de manera distinta a lo comúnmente aceptado; es la influencia de Internet (llamado Wired en la serie) en el pensamiento de las personas; es la existencia de diferentes Yo dentro de una misma mente y cuerpo (cuya denominación médica es Trastorno de Identidad Disociativo, motivo por el cual se usaron tres voces distintas en Lain, su protagonista principal, para indicar al espectador qué Yo de Lain están viendo en ese momento); es el existencialismo filosófico y la evolución mental humana debido a la influencia de la tecnología; son familias desestructuradas donde cada uno de sus miembros vive encerrado en su propia realidad (como, por ejemplo, la familia de Lain con un padre al que la función paternal se le hace grande y se refugia en el trabajo, y una madre que no se relaciona con sus hijos porque no asimila lo que el destino le ha traído tras haberlos concebido); son personas que no se relacionan con otras porque, aunque les gustaría hacerlo ya que sienten fuertes vínculos con ellas, su inmadurez les hace dar prioridad en su vida a las opiniones de la mayoría que la suya propia; es la pérdida de contacto con la realidad y el desasosiego que sienten una gran parte de las personas que viven en una gran ciudad moderna; es el Yo como semilla de un futuro dios, y la crónica insatisfacción que siempre aparece en la mente humana cuando el ser alcanza el ansiado poder absoluto; es la insensibilidad inherente en las estructuras sociales oficiales y de los miembros que pertenecen a ellas, frente a los problemas que aquejan a las personas que acuden a ellas, siendo éstas tratadas más como un número, o como un objeto, que como un ser con sentimientos; es el suicidio y la violencia vistos como una impactante fractura social que afecta considerablemente a las personas en su interior. Como se puede ver, en “Serial Experiments Lain” se abordan muchas las temáticas de actualidad que son tratadas en esta serie anime de forma tan compleja como hipnótica a los ojos del cinéfilo lector de Lux Atenea Webzine.


“Serial Experiments Lain” es una serie que engrandece la imagen artística de la animación japonesa al convertirse en una auténtica obra maestra, gracias a una trama mucho más cercana a lo filosófico que a ser destinada a su consumo masivo para el entretenimiento. Usando el típico estilo del dibujo anime para dar vida a los escenarios y a sus personajes, “Serial Experiments Lain” se presenta con un claro espíritu ciberpunk en la concepción y definición final de la serie, mostrando a la tecnología más como una enemiga que como aliada del ser humano debido a su poder sin control y a su incuestionable influencia en nuestro presente e inminente futuro. Trece episodios vertebran esta serie de animación donde los productores llegan incluso a arriesgar con innovadoras ideas, como el Accela (un mecanismo nanotecnológico que, ingerido por una persona, permite alterar sus sentidos y la percepción del mundo que le rodea), el protocolo IPv7 concebido como la evolución del IPv6 (el IPv6 sustituye al IPv4 actualmente usado mayoritariamente en Internet debido al inminente agotamiento de sus direcciones disponibles) en el que se ha incluido una memoria emocional, el Navi (ordenador con navegador incorporado que es capaz de interactuar con el usuario a través de su propia voz), la Psique (dispositivo tecnológico que, colocado en la placa del ordenador donde está situado el microprocesador, permite al usuario navegar por la Red de forma libre)… y, todo esto, teniendo en cuenta que esta serie de animación fue creada y presentada a finales de la década de los noventa (1998). Sin lugar a dudas, los cinéfilos lectores de Lux Atenea Webzine que compren esta edición, tendrán en sus manos una auténtica joya audiovisual que volverán a ver en múltiples ocasiones, y que, incluso, recomendarán a sus amistades. “Serial Experiments Lain”, cuando el cine de animación es creado para provocar el análisis de la realidad en el espectador. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
RESEÑA Nº:

En Lux Atenea Webzine solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Otras reseñas recomendadas:

domingo, noviembre 21, 2010

“¿QUÉ FUE DE BABY JANE? (WHAT EVER HAPPENED TO BABY JANE?)”

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Director: ROBERT ALDRITCH Guión: LUKAS HELLER
Actores principales: BETTE DAVIS, JOAN CRAWFORD, VICTOR BUONO,
País: EE.UU Año: 1962 Productora: WARNER BROS. PICTURES Duración aprox.: 135 minutos
Publicado por: WARNER HOME VIDEO ESPAÑOLA, S.A. Año: 2006 Formato: 2 DVD´s (EDICIÓN ESPECIAL)

La película “¿Qué fue de Baby Jane?”, catalogada por los expertos cinematográficos como auténtica obra maestra por excelencia dentro del Séptimo Arte, ha sido señalada por Lux Atenea Webzine para formar parte de nuestra particular selección de largometrajes recomendados para nuestros lectores en esta edición especial que incluye, a parte del DVD de la película, un segundo DVD con extras en donde destacan documentales de calidad como “Bette Davis: Un volcán benévolo” (BBC, 1983), “Perfil cinematográfico: Joan Crawford” (BBC, 1967) y “Bette y Joan: La ambición ciega”. Premiada en el año 1962 con el Óscar al Mejor Diseño de Vestuario, esta película, basada en la novela de Henry Farrell, nos ofrece un drama espectacular y terriblemente sobrecogedor sobre dos hermanas artistas cuya fama en la juventud se desvaneció a raíz del trágico y fatal accidente de una de ellas cuyos ecos en el presente, condicionan y marcan totalmente su vida, su actitud y su convivencia en una misma casa. Con una estética siniestra y tenebrosa constante a lo largo de toda la película, y que encuentra sus puntos álgidos en muchos de sus pasajes de corte claramente macabros, “¿Qué fue de Baby Jane?” es un largometraje que provoca al espectador con las crueles y despiadadas escenas que presencia, identificándose inconscientemente con unos personajes y rechazando visceralmente a otros de forma inmediata (esa es la auténtica magia de la belleza siniestra), pero en donde la identificación definitiva sobre quién es el verdugo y quién la víctima en su auténtica realidad, quedan convertidos en ese enigma permanente a lo largo de toda la historia y que solamente en los últimos minutos finales de la película llega a ser desvelado de forma magistral por el director. Las impresionantes escenas protagonizadas por una terrorífica Bette Davis, en su impactante papel de Jane Hudson, junto a una desamparada Joan Crawford, encarnando a su hermana Blanche Hudson, conmoverán profundamente a los lectores de Lux Atenea Webzine, sacando de su interior esos irremediables pensamientos y enrabietados instintos ante la contemplación de actos tan sumamente sádicos y crueles, haciendo que la vida del personaje con el que se identifiquen les resulte de lo más injusta y vergonzosa.

Con actos despóticos llevados al extremo de su sofisticación más destructiva, y que incluso son llevados al campo del sometimiento psicológico de quien lo sufre y padece, amplificado aún más con la respuesta absolutamente sumisa que quien lo recibe, alterarán y condicionarán el juicio del espectador ante un sufrimiento que ha de contemplar sin poder hacer nada. Con pensamientos en la mente del espectador en donde en las frases constantemente aparecen las palabras “Yo lo que haría en su lugar es…”, “Yo no lo soportaría y allí la dejaría abandonada porque…”, o “Pero por qué no hace… y…”, inevitablemente surgirán emociones tan propiamente humanas en respuesta a los inhumanos padecimientos que otra persona está sufriendo. Indudablemente, solamente dos excelsas actrices como Bette Davis y Joan Crawford pudieron dar vida y absoluto realismo a una historia tan dramática a través de gloriosas interpretaciones rodadas para este largometraje, que se presentan tan estratosféricas como inalcanzables para la gran mayoría de los actores de Hollywood en la actualidad, y que han convertido (y seguirán convirtiendo) a “¿Qué fue de Baby Jane?” en una obra maestra inigualable e insuperable. Presenciarán impresionantes escenas como las melancólicas canciones interpretadas por Jane Hudson (Bette Davis) recordando su gloriosa época pasada (que vivió entre los suaves pero caducos algodones de la fama); las visitas a la casa convertidas en ángeles salvadores para Blanche Hudson (Joan Crawford) pero a los que los hechos circunstanciales terminarán por cerrar todos sus sentidos a los gestos de auxilio; pero, sobre todo, será ese disco sonando, esa siniestra e inquietante muñeca a tamaño real de Jane Hudson cuando era una niña, esa oscura habitación convertida en una Dama de Hierro de cuatro paredes, esas escaleras vistas como una montaña inexpugnable, ese teléfono tan inalcanzable como una estrella en la noche, esas notas escritas pidiendo ayuda donde los elementos parecen jugar en contra de quien las envía,… son los que dan ese toque y ese ambiente tan dramático como desesperado a escenas definitivamente imborrables.

Ver los gestos, la mirada, los movimientos en escena como si fuera una danza macabra de Bette Davis bajo la influencia del horror, y de su vengativa esencia tan manifiestamente rebelde, son los que la convierten en una actriz única y muy carismática. Lo mismo sucede con Joan Crawford y su inaccesible capacidad de interpretación en cuanto a su tremendo poder para trasmitir realidad y autenticidad absoluta a un personaje, por difícil y complejo que este sea. Sólo con observar detenidamente su rostro ya nos habla de sufrimiento sin necesidad de abrir los labios, en un cuerpo cuya energía vital vemos cómo se va perdiendo poco a poco, asumiendo su pérdida como si fuera su trascendental destino como ser sobre la tierra. Observar lo cotidiano como una danza siniestra en donde una persona rota vive lo insufrible en una casa convertida en una insoportable y tortuosa cárcel, donde hasta el más mínimo detalle, donde hasta el diseño de sus elementos de decoración se presenta con una imagen funesta y desquiciada en su manifestación física, en esta película sitúan a Joan Crawford en lo más alto del Olimpo cinematográfico junto a Bette Davis. Joan Crawford y Bette Davis, dos colosales y radiantes auras que brillan con fuerza en cada fotograma de esta magna película, hasta convertir la mente del espectador en el registro imborrable de sus interpretaciones, siendo estas mucho más cercanas a las incomparables e ilimitadas capacidades de lo divino que a las propias del más común de los mortales. Lo más increíble es que en la época en que se rodó está película, tanto Bette Davis como Joan Crawford decían que estaban pasando por una crisis en su carrera como actrices. Después de ver esta película, ¿darán credibilidad a esa valoración pública que tuvieron? Además, el absoluto rechazo y enemistad que estas dos actrices siempre se mostraron a lo largo de su vida, y que estuvo bien presente durante este rodaje, ¿no ha dejado ese toque sarcástico y perverso en cada una de sus geniales escenas? ¿Será su esencia gótica unida a lo moderno lo que hace más atractiva aún a esta terrible historia? ¿Cuántas vidas ha roto el mundo del espectáculo en aquellas personas que tras haber disfrutado de las mieles de la fama y del éxito, han acabado bebiendo las hieles del olvido y del desinterés público? “¿Qué fue de Baby Jane?”, una lujosa y respetable mansión en cuyo interior se encuentra la sala de torturas del mismísimo Infierno sobre la tierra. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Lux_Atman

Artículo Nº: 778
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“EL PODER OCULTO DE LOS NÚMEROS Y SUS VALORES MÍSTICOS”.

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Publicado por: EDITORIAL HUMANITAS, S.L.
ISBN: 84-7910-338-8
Edición: 2001
Páginas: 192

“El trece era el número sagrado de los mejicanos y del pueblo del Yucatán.”

Desde que el ser humano inició su aventura por el aparente mundo racional y concreto de los números y las matemáticas, algunas mentes privilegiadas empezaron a darse cuenta que esos mismos números también tenían ciertas cualidades externas a lo puramente racional que, pese a su carácter aparentemente misterioso, también obedecían en realidad a leyes perfectamente catalogables como científicas respecto a su capacidad para ser unidas y dirigidas hacia un objetivo concreto. Además, las extrañas coincidencias que la combinación de ciertos números ofrecía, su curiosa posición dentro de series establecidas para ordenarlos y organizarlos, su equivalencia incluso con el reino de las letras y las palabras, fueron revelando una sabiduría más allá de lo puramente racional que no solo implicaba al ser humano respecto al mundo, sino a desvelar al propio individuo ese universo interior tan desconocido en su consciencia. De esta forma, los números empiezan a mostrar un orden cuyo mensaje implica al individuo en todas sus facetas existenciales, ya sea desde un punto de vista esotérico como exotérico, ya sea desde un punto de vista religioso como científico, ya sea desde un punto de vista lógico como práctico en las diversas manifestaciones técnicas, ya sea dentro del mundo de sus creaciones materiales para su confort como para dar alma a sus obras artísticas. Los números van creciendo en importancia dentro de cada mente humana que ha visto el amplio poder que estos poseen, y su descripción es la que da origen a libros como el aquí comentado.

“Los Druidas tenían una preferencia religiosa misteriosa por el número 6.”

“El Poder Oculto de los Números y sus Valores Místicos” no es la primera obra que leo sobre esta interesante temática, pero, en cambio, si la veo como uno de los mejores libros con el que los lectores de Lux Atenea Webzine pueden empezar a adentrarse en este atrayente universo cuyos conocimientos les dejarán, como mínimo, sorprendidos. Quien quiera ver el mundo de los números únicamente desde un punto de vista matemático, finito y muy delimitado en sus características, tiene todo su derecho a hacerlo. Pero tampoco podrá negar que muchas cosas que a su alrededor fueron así establecidas, tienen relación directa con esta visión esotérica de esos mismos números porque su poder reside precisamente en su aplicación armoniosa en el entorno y en su mente respecto al desarmonizado ser humano. Unos números que reorientan desequilibrios hacia el orden, alejando el caos de todo lo vital. Un poder trascendente que puede ser tanto revelador de inestabilidades como estimulador de una fraternidad inconsciente externa a la mente humana que la hace ser más feliz y sensible a su verdadera raíz existencial. “El Poder Oculto de los Números y sus Valores Místicos”, la sorprendente esencia de los números cuya particular energía propia de cada uno de ellos, encuentra su perfecta explicación dentro de nuestra propia cultura y espiritualidad. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Nuestros sentidos físicos se conocen como 5, y son un juego incompleto, hay, de hecho, 7 formas o modos de percepción.”

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Lux_Atman

Artículo Nº: 777
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