domingo, noviembre 29, 2009

MÀRIUS CAROL “LAS PLUMAS DEL MARABÚ”

Quiero dar las gracias a LA ESFERA DE LOS LIBROS por su cortesía con LUX ATENEA WEBZINE.

Publicado por: LA ESFERA DE LOS LIBROS, S.L.
ISBN: 84-9734-880-5 Edición: 2009

“Carlos Gardel, el célebre cantante de tangos que eligió Barcelona para darse a conocer en Europa.”

Esta obra ha sido uno de los libros más interesantes que haya leído en los últimos años. Su temática, la historia de la Barcelona nocturna del último siglo y medio, dejará muy sorprendidas a las personas que no hayan vivido en la Ciudad Condal, y más de un barcelonés no podrá evitar tener una sonrisa en los labios mientras lea estas páginas llenas de placeres y diversiones. Esta Barcelona canalla, como lo ha definido Màrius Carol, periodista del periódico “La Vanguardia”, ha dejado su huella en los modos y costumbres de una ciudad caracterizada por una visión más europea de la vida respecto al resto de grandes ciudades de este país. Por poner un ejemplo, Madrid, pese a ser la capital de España, nunca ha tenido esa fijación en su mirada cultural hacia el norte de Europa, y pese a ser una ciudad muy cosmopolita y abierta, no ha tenido ese carácter hedonista y excéntrico tan afrancesado como ha tenido Barcelona durante todo este tiempo. Culturalmente hablando, Madrid es mucho más tradicional en comparación con Barcelona, siempre entregada a la vanguardia y a los pensamientos más innovadores, o al menos, así lo ha venido siendo durante este siglo y medio.

“Cualquier locura de la imaginación podía llevarse a cabo en el establecimiento, y para ello contaba incluso con una sección de disfraces donde el cliente...”

En estas páginas se encontrarán con las personas que dieron forma a esa placentera vida, en épocas en donde la censura estaba siempre presente. Con el ingenio siempre por delante, y sabiendo aprovechar muy bien los momentos que aparecían en el horizonte (la Primera Guerra Mundial, la Sexta Flota Norteamericana en la década de los cincuenta), la ciudad de Barcelona empezaría a destacar en todo el continente por sus desenfadados espectáculos, y por el lujo y lo sofisticado que en ellos se ofrecía a un público siempre deseoso de nuevas diversiones. Y dentro de estas diversiones, el amor puramente carnal no podía quedarse al margen.

“Picasso había inmortalizado el Barrio Chino, pues -Les demoiselles d´Avignon- no tenían nada de francesas, sino que eran rameras de la calle Aviñón de Barcelona...”

Aunque el peso del trato carnal no se puede apartar en algunos locales de renombre de la época, pese a toda su importancia, en esta obra no lo es todo. Locales nocturnos, cabarets, music-halls, salas de fiesta, cafés-concierto, salas de espectáculos,... junto a grandes vedettes y artistas que en nada tuvieron relación con ese particular negocio, convirtieron la noche en todo un acontecimiento que traspasaría fronteras gracias a una mirada al espectáculo cargada de erotismo, fascinación, ensoñación, sentido del humor y, sobre todo, por su alto contenido picante. Unos artistas que, en algunos casos, vieron su trabajo reconocido con la fama, el éxito y el recuerdo; y en otros, pese a la entrega y la calidad del espectáculo ofrecidos, ese reconocimiento quedó restringido a un ámbito local. Dos caras de una dolce vita barcelonesa que se mostraría siempre intensa, descarada y sin complejos.

“Si una mujer coleccionaba amantes, ninguna podía presumir de un carné de baile con cinco reyes, como Guillermo II de Alemania, Nicolás II de Rusia, Leopoldo II de Bélgica, Alfonso XIII de España o Eduardo VII de Inglaterra. Lo que no consiguió fue ser recibida en audiencia por el papa León XIII...”

En este libro, el lector quedará sorprendido con los Reales encargos de las primeras películas subidas de tono rodadas en España, con la relación tan especial que tuvieron Dalí y su musa Amanda Lear, con la historia del origen no oriental del famoso Barrio Chino de Barcelona, con Camilo José Cela y su gusto por los platos rotos, con el contorsionisa lituano de la sala Bagdad que estuvo como traductor para Jordi Pujol en la visita a Cataluña del presidente de Lituania,... También se encontrará en estas páginas con historias de lupanares (Madame Petit, el Chalé del Moro, La Casita Blanca, Bailén 22,... ) y madames (la señora Rius y sus meublés), de cines clandestinos (el Triunfo, el Tetuán,...), de cupletistas (La Bella Chelito), de bailarinas y cabareteras (la Cachavera, la Bella Otero, Hermanas Pinillos,...), de conocidos cafés-concierto (La Hechicera, El Canal, El Barcelonés, El Ambigú, el Café de la Alegría, El Tesoro,...), de cabarets (el Bar del Centro, el Paralelo, La Buena Sombra, La Criolla, El Excelsior, Au Cabaret du Tango, Barcelona de Noche, Gambrinus, Bagdad,...), de music-hall (el Odeon, Edén Concert, el Montecarlo, El Molino, el Apolo,...), y de otros artistas de renombre (la Bella Dorita, Madame Arthur, Coccinelle, Frégoli, Lita Claver, Pipper, Ángel Pavlovski, Mimi Pompón, Dolly Van Doll, Tania Doris, Bibi Andersen, Amanda Lear, Crista Leem, Chiqui Martí,...), todo ello, perfectamente ilustrado en las páginas centrales con una colección de imágenes de sus principales protagonistas como testimonio visual de esta vida nocturna. “Las Plumas del Marabú”, las sugerentes boas de plumas que engalanaron las noches de Barcelona, una ciudad tan tolerante como abierta a nuevas sensaciones. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“El Molino, el último teatro de varietés de Europa, admirado por personajes tan dispares como Federico Fellini o Charles Aznavour, es historia viva del siglo XX. Cuando apagó los neones de su fachada, Barcelona también perdió parte de su luminosidad...”

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Lux_Atman

Artículo Nº: 526
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sábado, noviembre 28, 2009

WASHINGTON IRVING “LA LEYENDA DE SLEEPY HOLLOW Y OTROS CUENTOS DE FANTASMAS”

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LUX ATENEA WEBZINE conmemora el 150 aniversario de la muerte de escritor norteamericano WASHINGTON IRVING (3 de abril, 1783, Manhattan - 28 de noviembre, 1859, Tarrytown).
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Publicado por: VALDEMAR.
ISBN: 84-7702-388-3 Edición: 2009

“... mis ojos jamás tienen reposo; mi destino es una vigilia constante...”

En este volumen, la editorial Valdemar ha reunido los relatos cortos más conocidos del escritor Washington Irving. Con “La leyenda de Sleepy Hollow” como protagonista principal de este libro, en esta obra el lector encontrará una de las mejores propuestas literarias en lo que al conocimiento del trabajo realizado por este escritor del siglo XIX. Considerado por algunos como el escritor romántico norteamericano por excelencia, tras la lectura de este libro puedo asegurar que esa etiqueta se queda demasiado justa en vista al estilo y a la temática literaria que Washington Irving desarrollaría. Muestra de ello es este volumen que, aunque haya sido mencionado lo fantasmagórico en su título, la clase de terror que va a encontrar el lector en este libro no le provocará pesadillas cuando duerma, ni miedos cuando se encuentre solo en casa. En cambio, su exquisito estilo narrativo le dejará cautivado, convirtiendo la lectura en todo un placer exótico. Por este motivo, escribir un artículo sobre estos cuentos de Washington Irving, y mucho más, en este aniversario tan señalado, se convierte en mi más sincero y sentido homenaje a un escritor que convirtió la literatura en un tributo a la más pura imaginación.

“¡Qué osadía la tuya, miserable, pues pretendes alcanzar lo que ningún sabio ha logrado con su ciencia!”

Tal vez influido por la genial película rodada por Tim Burton, esperaba más de “La leyenda de Sleepy Hollow” de lo que me he encontrado. Sin poner en ningún momento en cuestión su indudable calidad literaria, he de decir que este es uno de los pocos casos en donde una película supera a la obra literaria original. Es verdad que Tim Burton es un director cinematográfico único, y que él nunca negó que este relato corto fue más una inspiración para hacer la película que el modelo exacto a seguir para crearla. “Sleepy Hollow”, una película que en este año 2009 también celebra los diez años de su estreno en cartelera. Por este motivo, considero este caso en particular como una prueba muy clara de la desinformación cultural que los medios audiovisuales pueden llegar a ofrecer de un libro, un hecho histórico, una época, una cultura,... cuando la taquilla importa más que la verosimilitud en lo mostrado al público. Y eso que este es uno de los pocos casos en donde a la obra literaria se le ha sacado más brillo aun, un factor nada común en un universo cinematográfico más dado a cortar y eliminar textos, o páginas enteras, que a seguir con exactitud metódica esa misma obra.

“Ese loro tiene en su lengua toda la sabiduría del Oriente, y lo mismo es capaz de expresarla en prosa que declamando poesías, como el más culto de los hombres.”

Tras la lectura de “La leyenda de Sleepy Hollow”, será con el cuento de “Rip van Winkle” cuando veo porqué este escritor es tan valorado y homenajeado en los EE.UU. “Rip van Winkle” me ha encantado con esa sátira desplegada a la hora de contar la historia de un hombre al que el tiempo le juega una mala pasada. A continuación, en “La aventura de mi tío”, nos encontramos con un relato corto lleno de frases ácidas y un tanto irónicas respecto a franceses e ingleses, mientras en “El espectro del novio”, vivirán una intrigante historia contada en el fogón de la cocina de un hostal. La inolvidable experiencia vivida por un estudiante alemán en la ciudad de París durante la Revolución Francesa, se convierte en el argumento de “La aventura del estudiante alemán”, y, en “El diablo y Tom Walker”, un hombre miserable, un siniestro árbol en un pantano y un trato con el Diablo, con el dinero de por medio, formarán la trama principal de esta historia. A partir de aquí, el giro en la temática abordada nos llevará a tierras españolas a través de una serie de cuentos, en donde la cultura árabe de Al Andalus estará siempre presente.

“Ya que en este mundo nada le faltaba, comenzó a temer por la otra vida...”

“La leyenda del astrólogo árabe” es la historia del difícil pago que tuvo que realizar un rey moro a un mago de increíbles poderes, mientras “La leyenda del príncipe Ahmed Al Kamel”, es un bello cuento sobre un príncipe árabe al que no se le pudo apartar del influjo del Amor. A continuación, la majestuosidad de la Alhambra se transformará en el escenario principal de los dos siguientes relatos. “Leyenda de la rosa de la Alhambra” es la historia de amor de un paje y una muchacha andaluza en la España de Felipe V, y, en la “Leyenda de las dos estatuas discretas”, el lector disfrutará con este cuento protagonizado por un jardinero de la Alhambra al que la Fortuna le sonríe. Un relato corto en el que Washington Irving llega a enlazar su trama con “La leyenda del astrólogo árabe”. Como cierre a este volumen, en “La leyenda del soldado encantado”, será un misterioso hecho ocurrido en la entrada a la cueva de San Cipriano de la ciudad de Salamanca, situada en la plazoleta del Seminario de Carvajal, lo que desencadene una sobrenatural historia vivida por un estudiante salmantino en la ciudad de Granada. Un anillo de misteriosa simbología marcará el destino de este estudiante con espíritu de tuno.

“También ellos lo miraban con gran extrañeza y se acariciaban meditabundos la barbilla preguntándose quién sería... Tanto vio hacer aquello, lo de tocarse la barbilla, que al fin hizo mecánicamente lo mismo... para comprobar atónito que tenía una barba casi medio metro de larga.”

Leyendo a Washington Irving, comprobarán cómo la esencia cultural que ofrece la visión cosmopolita del mundo puede hacer sentir el espíritu de un país extranjero como algo propio. Así se siente la experiencia de este escritor en España, y cómo nuestras raíces culturales le dejarían profundamente impactado. Una impresión que se puede llegar casi a tocar en alguno de estos relatos, dándoles ese toque de realismo a estos cuentos de leyendas. Pero el lector se preguntará, ¿por qué no he hecho referencia a los fantasmas en la descripción anterior de cada uno de estos cuentos? Sencillamente, porque estos entes no son fantasmas cuya presencia inspire miedo a los personajes, sino que son entidades sobrenaturales que forman parte de la leyenda popular dentro del paisaje, dentro de la ciudad, dentro de algunos edificios... y de esta manera, fantasmas y hombres crean un conjunto que asienta su base en la cultura legendaria de una región o país, como un pasillo temporal que sigue uniendo el pasado con su presente. Dentro de esa magia literaria descriptiva, Washington Irving hace de la belleza narrativa, uno de sus mayores valores dentro del mundo literario, provocando en el lector esa dulzura en la lectura que le lleva a devorar páginas y páginas sin darse cuenta. “La leyenda de Sleepy Hollow y otros cuentos de fantasmas”, asómense a la obra de un escritor cuyos restos descansan en el cementerio de Sleepy Hollow, y que llegó a bautizar a la ciudad de Nueva York con el nombre de “Gotham”... ¿les suena de algo ese nombre? ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“En la cúspide de la torre había una figura de bronce, que representaba a un lancero moro a caballo, fija a un eje, con el escudo al brazo y la lanza en alto, en actitud vigilante; más si se acercaba el enemigo, se volvía la figura del moro hacia la parte por donde llegara y preparaba su lanza cual si estuviese dispuesto para el combate.”

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Lux_Atman

Artículo Nº: 525
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miércoles, noviembre 25, 2009

DAVID OVASON “LA ARQUITECTURA SAGRADA DE WASHINGTON”


Publicado por: EDICIONES MARTINEZ ROCA, S.A.
ISBN: 84-270-3438-9 Edición: 2008

“¿Qué tiene Washington D.C. para que en 200 años de animada historia, se haya convertido en el foco de atracción de los constructores de zodiacos y sea la ciudad más rica del mundo en cuestión de símbolos lapidarios arcanos?”

En este año 2009 se puede empezar a ver muy claramente que, tras la publicación de “El Símbolo Perdido”, último libro escrito por Dan Brown, la ciudad de Washington no volverá a ser vista como lo era antes. La capital de los Estados Unidos de América parece haber sido concebida, arquitectónicamente hablando, como una representación simbólica de la unión entre el Cielo y la Tierra. Con edificios creados en lugares muy determinados, inaugurados en fechas muy señaladas por acontecimientos astrológicos muy concretos, con disposiciones de calles, avenidas y edificios emblemáticos formando símbolos muy claros si los uniéramos con líneas rectas en un plano de la ciudad,... todos estos sorprendentes pero incuestionables datos, fueron estudiados, analizados y descritos por el investigador David Ovason a finales del siglo XX en una obra que se ha convertido en una de las joyas literarias dentro del campo de la investigación. En “La Arquitectura Sagrada de Washington”, libro publicado en el año 1999, David Ovason muestra a sus lectores cómo la capital de los EE.UU y algunos lugares muy determinados, fueron señalados muy claramente por los primeros colonos europeos que llegaron a estas tierras debido a su importancia de trasfondo esotérico.

“Un manojo de hojas de acacia tapa el grado ascendente, pero está muy claro que el importantísimo Ascendente está en el signo de Virgo.”

Lo primero que quiero decir antes de pasar a comentar este libro más al detalle, es que aquí, las casualidades son tantas que es imposible dar esa respuesta como contestación a unas preguntas que irán apareciendo desde las primeras páginas. Aquí no se habla de interpretaciones sobre un tema o una circunstancia. Aquí se habla de una realidad arquitectónica de esotérico significado cuyos símbolos, corroboran un origen mistérico relacionado con el conocimiento oculto guardado por la sociedad secreta de los masones. Puede parecer muy fuerte esto que he dicho, pero si investigan un poco en la pertenencia a la masonería de los principales líderes norteamericanos que han gobernado este país desde su independencia, comprobarán cómo el porcentaje de masones dentro de las diferentes administraciones, gobiernos y presidencias ha sido siempre muy elevado. Lo mismo ha sucedido con destacadas personalidades relacionadas con las empresas más poderosas del país, con los hombres más ilustres dentro del mundo de la Cultura, con científicos, con los protagonistas principales dentro del mundo de los medios de comunicación más importantes,... en resumidas cuentas, estamos ante una presencia importante de la masonería en niveles sociales y económicos cruciales para dar forma a los Estados Unidos de América tal y como lo conocemos en la actualidad. Sin el ideal masónico, y sin la indeleble presencia de sus miembros a lo largo de su historia, EE.UU sería muy diferente; al igual que la ciudad de Washington, su capital.

“Esta idea de la dualidad de lo espiritual arriba y lo terrenal abajo.”

El lector comprobará cómo en la colina perteneciente a un terrateniente, al comienzo de la llegada de los primeros colonos a esta zona, que sería bautizada, curiosamente, con el nombre de Roma (todavía se conserva el papel original que así lo certifica), siglos después, esa misma colina se convertiría en un lugar muy simbólico en el futuro nacimiento de la nación más poderosa del planeta, y por consiguiente, de su capital. También, en estas páginas el lector hallará respuesta a la pregunta de porqué Washington D.C. tiene en su poder el record mundial de la ciudad con más representaciones zodiacales públicas en su área, con más de treinta en total (la segunda ciudad en el mundo con más representaciones zodiacales públicas es Londres con cuatro), a parte de tener el mayor horóscopo del mundo esculpido en mármol, o que en el centro de la ciudad se llegan a concentrar hasta veinte de estos zodiacos públicos. ¿Por qué esta insistencia en la representación astrológica en la capital de los EE.UU?

“El triángulo estelar de Virgo revela el misterio de la ciudad.”

Lo zodiacal pasa a ser una cuestión casi anecdótica si lo comparamos con otros hechos cruciales en la historia arquitectónica de esta ciudad. Sus principales edificios y estatuas conmemorativas fueron concebidos desde perspectivas simbólicas basadas en hechos futuros relacionados con la astronomía y la astrología. De esta forma, eclipses lunares, paso de cometas muy determinados, alineamientos planetarios concretos,... señalaron fechas muy precisas en las que estos elementos arquitectónicos se inauguraron para pasar a formar parte del paisaje urbano de la capital, y además, con una presencia muy destacada en algunos de estos casos. En otros, en cambio, su significado simbólico y su presencia quedaría más desapercibida (con intencionalidad o no) dentro de una ciudad marcada por la belleza de sus edificios y monumentos.

“Con la introducción en la cultura europea de la miopía espiritual e intelectual que se llamó -racionalismo-, estos intentos de conectar la Tierra con influencias estelares se rechazaron como supersticiones.”

Representaciones zodiacales, acontecimientos astrológicos,... ¿quedan más elementos de trasfondo esotérico en la ciudad de Washington sin comentar todavía? Por supuesto. En este libro, David Ovason no se ha olvidado estudiar la historia y el significado simbólico de elementos arquitectónicos tan emblemáticos como el impresionante Obelisco de la ciudad, la belleza de la Casa del Templo, el salón de estatuas del Capitolio, la Biblioteca del Congreso, el Auditorio Ministerial, el edificio de la Comisión Interestatal de Comercio,... en un amplio y profundo estudio de una arquitectura cuya marca esotérica queda claramente explicada por el espíritu masón que lo ha concebido. Aquí os dejo otro libro fundamental para separar la verdad y lo ficticio en el contenido del libro “El Símbolo Perdido” de Dan Brown. “La Arquitectura Sagrada de Washington”, una ciudad unida a estrellas y constelaciones muy determinadas a través de su arquitectura. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“No nos queda ninguna duda de que el diseño de la ciudad estuvo en manos de personas que conocían a fondo las enseñanzas astrológicas y la necesidad de que la humanidad busque sus raíces en el mundo espiritual.”

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Lux_Atman

Artículo Nº: 523
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sábado, noviembre 21, 2009

ALAE NOCTIS "ALAE NOCTIS"

Quiero dar las gracias a MUTANT-E RECORDS, y muy especialmente a JOSE E., por su cortesía con LUX ATENEA WEBZINE.

Publicado por: MUTANT-E RECORDS, 2009
Edición comentada: CD

Night-owl young / Dark crystal dreams / Shockwave / The end of the world / Dreams maker / Fiesta en el cementerio / Espectros / Scorpio´s Moon / El peregrino del Hades / Trance / Leyenda visigoda / Spells of love

Me ha gustado con que elegancia simbólica, usando las letras alpha y omega en el lateral del disco, se ha mandado el mensaje del contenido de este álbum a los seguidores del grupo Alae Noctis. La compañía discográfica Mutant-e Records ha publicado el albúm “Alae Noctis” (titulado con el mismo nombre del grupo), un disco grabado el pasado mes de junio en el que han incluido las canciones de la primera demo de la banda. Aparecido entre los años 1998 y 1999, la columna principal de Alae Noctis ha estado formada por Daniel y Diego. Desde entonces, como así ha venido sucediendo desde siempre en la mayoría de los grupos musicales, la entrada y salida de músicos ha sido constante hasta llegar a la formación actual, compuesta por Daniel (batería), Guillermo (voz, bajo sintetizado y guitarra sintetizada) y Diego (voz y guitarra sintetizada). Con un estilo claramente oscuro, Alae Noctis se mueve con soltura en estilos musicales tan dispares como el punk, el rock gotico, el techno, el folk medieval, el dark ambient, el metal o la vanguardia electrónica. Indiscutiblemente, dentro del dark-wave , Alae Noctis es el grupo musical por excelencia si buscamos una banda musical en España que tome lo ecléctico por tarjeta de identidad.

Con la contundencia de una voz ligeramente rota, la canción “Night-owl young” nos adentra dentro de un rock gótico influenciado en su definición y estructura por los aires musicales de la década de los noventa. Una demoledora forma de atraer la atención de todos aquellos que decidan escuchar este álbum. Ambientes más tenebrosos aparecerán en “Dark crystal dreams”, con un estilo dark-electro muy marcado y en el que destacaría, por encima de todo, su parte instrumental. Una genialidad propia de las mejores bandas europeas dentro del dark-wave. En la misma línea musical encontraremos la canción “Shockwave”, pero esta es mucho más impactante por su potencia y energía desplegada. “Shockwave” perfectamente podía convertirse en una de esas canciones que un DJ decide poner cuando quiere llenar, con absoluta seguridad, una pista de público. Aconsejo a todos los lectores amantes del dark-electro que tomen nota del nombre de esta excelente canción. Dando continuidad al estilo dark-electro que veníamos disfrutando hasta ahora, la canción “The end of the world”, como su nombre nos indica, se presenta totalmente apocalíptica y desgarradora, predominando las atmósferas opresivas y destructoras a través de efectos perfectamente armonizados con el resto de la estructura musical. Con esta canción, Alae Noctis me han sorprendido. “The end of the world” queda guardada dentro de mi selección discográfica personal. Una excelente canción, sí señor.

Retornamos a aires más rockeros con “Dreams maker”, más melancólica y suave, y cuyo trasfondo gótico tendrá continuidad en la canción “Fiesta en el cementerio”, una composición musical que se mueve dentro del rock gótico nacional más clásico. Una canción que encantará a todos los seguidores de la música puramente afterpunk, y perfecta para formar parte de una sesión musical destinada a ser paladeada en la fiesta de Halloween celebrada en un local. Las brumas nos seguirán acompañando con la canción “Espectros”, con un fondo instrumental siniestro que es una preciosidad. Me encanta el ingenio que demuestra el grupo Alae Noctis a la hora de componer canciones. Con “Scorpio´s Moon”, retornamos a caminos más sobrios y que nos llevan a las atmósferas dark-ambient de “El peregrino del Hades”, como paso obligado antes de adentrarnos en la hipnotica “ Trance”. A continuación, el espiritu medieval se apoderará de nosotros escuchando la canción “Leyenda visigoda”, al final de la cual, y cerrando este excelente álbum, nos encontraremos con el synth-pop de la canción “Spells of love”. “Alae Noctis”, un álbum imprescindible para poder conocer la obra musical de uno de los mejores grupos nacionales. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 521
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I GOT A VIOLET “BACKWASH”

Quiero dar las gracias a GOVIND KHURANA - NEW MODEL LABEL por su cortesía con LUX ATENEA WEBZINE.

Publicado por: GOVIND KHURANA - NEW MODEL LABEL, (NML006), 2009
Edición comentada: CD

Ghost ranch / Priest pube / Swing swang / Brand new dance / Glitter hairspray / Girls R cats / Wasted life / First moon / Candy floss / Junky´s elevator

Stefano Sagredin (guitarra y vocalista), Alberto Spadon (guitarra, bajo, teclados y acompañamiento vocal) y Elia Domeneghetti (batería) componen este grupo musical nacido en Italia a finales del año 2004. Desde entonces, esta banda de rock ha pasado por una serie de cambios en la formación hasta llegar a los componentes actuales, los cuales, tras haber autoproducido varios promocionales, finalmente han conseguido grabar un álbum que cuenta con el apoyo de la compañía discográfica italiana New Model Label (Govind Khurana). A partir del mes de enero del próximo año 2010, este álbum estará disponible en todo el mundo a través de la distribuidora Audioglobe.

Con “Backwash”, I Got a Violet han conseguido unir en un álbum de puro rock alternativo, unas excelentes canciones que destacan por su creatividad y su sonido contundente. Influidos por los aires musicales del garage, de la psicodelia, del rock más ruidoso, hasta del punk más descarado y radical, en “Backwash”, el lector encontrará energía rockera sin depurar, manifestándose potente y salvaje sin ninguna contemplación. En estas canciones, la tregua sonora no existe, mientras sus letras descargan en los oídos esa esencia rockera tan puramente urbana, como pocas bandas han logrado alcanzar en sus composiciones musicales en los últimos años. Escuchándolo, compruebas cómo en la actualidad, en Italia siguen apareciendo grupos musicales de calidad y de auténtico lujo.

Con la canción “Ghost ranch”, una composición instrumental, iniciamos esta experiencia musical rockera con cierta tranquilidad. Una afilada guitarra suena con “Priest pube” y, sólo con escuchar las primeras frases de la letra de la canción, caemos de lleno en la locura psicodélica protagonizada por I Got a Violet. Con un marcado estilo punk en la interpretación de su letra, “Priest pube” es un torbellino sonoro que nos llevará a la perdición espiritual en cuanto nos descuidemos. “Swing swang”, auténtica joya musical de este álbum, es brutal, descarada, arrogante hasta la posesión absoluta de nuestra mente. Suena a actitudes desenfrenadas, a esencia musical alternativa, a músicos que interpretan una canción por el mero placer de tocarla, una autenticidad que se nota, y que hace que repitamos esa experiencia varias veces antes de seguir escuchando este álbum tan genial.

“Brand new dance” es mucho más indie y más sosegada. Un contrapunto perfecto a disfrutar después de la intensa “Swing swang". Con la canción “Glitter hairspray”, volvemos a los aires festivos, a los comportamientos más surrelistas y alocados a través de un sonido muy cercano al punk. “Glitter hairspray” suena limpio y alegre, dentro de una atmósfera colorista protagonizada por una guitarra eléctrica que va por libre en la creación de plasticidad musical. A continuación, con “Girls R cats”, la experimentación rockera de espíritu independiente se mostrará cada vez más potente y contundente, en una canción aparentemente suave y dulce en su comienzo. “Girls R cats” es una excelente canción que, con absoluta solvencia, podría formar parte de un single en donde fuera la principal protagonista.

Con un estilo musical mucho más delicado, entramos en “Wasted life”, una canción orientada al lucimiento de esa guitarra eléctrica siempre tan inquieta como seductora a nuestros oídos. Con “First moon”, el estilo se reorienta hacia caminos musicales más ambientales, más californianos, con un espíritu en la composición que invita al disfrute de la vida. Siguiendo esa línea sosegada, se presentará la canción “Candy floss”, una delicatessen acústica que eleva aun más la calidad de este álbum hasta que, de nuevo, el relax sea roto por la actitud urbana de “Junky´s elevator” que todo lo transgrede y altera. La canción “The invisible me” completa este excelente álbum como un bonus extra que se puede conseguir unicamente en la edición digital del disco. “Backwash”, la creatividad artística italiana demostrando el buen gusto musical dentro del rock independiente. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 520
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jueves, noviembre 19, 2009

VV.AA “(AE)QUILIBRIUM. man vs machine”

Quiero dar las gracias a MUTANT-E RECORDS, y muy especialmente a JOSE E., por su cortesía con LUX ATENEA WEBZINE.

Publicado por: MUTANT-E RECORDS, 2008
Edición comentada: CD

Crow Nest “Sin saber, sin querer” / Forgotten Sunrise “Samewonder” / Noesis “Regresarán a mí” / Ratio “Un motivo” / Wormparade “Broken dolls won´t smile on scene” / Replica “The deviant factor” / Octavo Pecado “Cambio” / Nekrotech “Revolución” / Blood “Jibaro” / Killus “Dead revolution” / Conteched “Standstill” / Xperiment “Protégeme madre” / Mekanik Disorder “Das letzte mal” / Larva “Cockroaches” / Gradual Hate “Vampire device” / Vigilante “Time to kill” / T3rror 3rror “Lightstorm (club mix)” / Minim “I´m crazy but people are ill” / Invadersfrommars “Disappointment” / Stigmatroz “Autoestima”

En este álbum recopilatorio, lo primero que quisiera destacar es la excelente labor que Mutant-e Records está realizando en el apoyo y la promoción de grupos musicales. Un trabajo musical admirable y no siempre recompensado con el reconocimiento dentro de la escena musical. Dentro de esta política de promoción, “(AE)quilibrium” es el título del primer recopilatorio de la escena electro/industrial española que se publica. Para este evento tan especial, la compañía discográfica Mutant-e ha invitado también a dos grupos musicales chilenos (Vigilante y Replica), uno estonio (Forgotten Sunrise) y otro holandés (Conteched), ofreciendo una privilegiada promoción en este país. Siempre valoro mucho estas iniciativas ya que la industria musical nacional en pocas ocasiones es dada a decantarse por la promoción de otra música que no sea la más cercana a lo comercial, o sea, en ese tipo de música en donde los riesgos económicos son menores. Por este motivo, Mutant-e Records tendrá nuestro apoyo y nuestros propios medios publicitarios a su disposición siempre que lo necesiten.

Es innegable que en este recopilatorio hay una gran calidad, y personalmente destacaría los toques electro tan centroeuropeos de las canciones “Samewonder” (grupo musical Forgotten Sunrise), “Lightstorm (club mix)” (grupo musical T3rror 3rror), “Das letzte mal” (grupo musical Mekanik Disorder), y “Disappointment” (grupo musical Invadersfrommars); las influencias escandinavas en la canción “The deviant factor” (grupo musical Replica); la línea musical continuista de “Jibaro” (grupo musical Blood) dentro del rock de corte industrial; o la contundencia electrónica de la canción “Cockroaches” (grupo musical Larva). Pero la canción “Broken dolls won´t smile on scene”, del grupo Wormparade, me tiene enganchado desde la primera vez que la escuché. ¡¡¡Impresionante canción!!!, y además, producida con complejidad e imaginación, como así se tienen que grabar las canciones que quieran destacar su calidad. "(AE)quilibrium", un recopilatorio imprescindible. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 518
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miércoles, noviembre 18, 2009

TERROLOKAUST “GAS”

Quiero dar las gracias a MUTANT-E RECORDS, y muy especialmente a JOSE E., por su cortesía con LUX ATENEA WEBZINE.

Publicado por: MUTANT-E RECORDS, 2009
Edición comentada: CD

Hateful inminent dose / Exterminio / Semitism / Why they kill / Holocaustic desolation / Mengele / Give me back my honour / The iron age / 1-9-1939 actividad sangrienta / Everybody´s dead / Sin

Fruto del grupo musical Symawarth, Ssagittar e Indio, dos de sus componentes, deciden formar el grupo Terrolokaust en el año 2005. El giro musical que dan, en el que pasan del metal industrial al electro-dark, estará influenciado por una visión de la Segunda Guerra Mundial en donde tratarán de dar su toque ideológico a unas composiciones musicales concebidas como una denuncia de la barbarie humana. Bajo el título de su primer álbum, “Gas”, el lector se encontrará con canciones crudas y salvajes en las que se describen experimentos humanos y rabia racial que fueron justificadas dentro de la cosmovisión nacionalsocialista alemana. Pero Terrolokaust no es un grupo musical cuya orientación ideológica vaya encaminada a ser considerada politamente anti-nacionalsocialista, sino que tratan de mostrar con la música que componen, su oposición a cualquier tipo de tiranía o dictadura, sean estas del corte político que sean. La calidad de este álbum les ha permitido alcanzar el éxito entre el público, llegando a formar parte de la gira de grupos tan importantes en la escena dark-electro como Hocico, Reaper, Combichrist,... y a participar en eventos tan importantes como el Dark Dance Treffen.

Con el inicio de esta primera canción como una perfecta carta de presentación de su estilo musical, “Hateful inminent dose” es una composición musical con unos fondos electrónicos que le dan un cuerpo y una robustez asombrosa, y que provocará que no te canses de escucharla una y otra vez. Esta contundencia electrónica tan soberbia, tendrá su continuidad en “Exterminio”, una canción mucho más fría e hiriente, más potente e inmisericorde. Impresionan sus cambios musicales, llevándote alternativamente de lo opresivo a lo sublime, hasta llegar a lo hipnótico. Si crees que has tocado techo en la sensibilidad musical, tras la intro “Semitism”, Terrolokaust te demostrará con la canción “Why they kill” que en este álbum, los límites sensoriales no existen. Como una gigantesca máquina de manipulación mental, “Why they kill” se apoderará de tu personalidad hasta hacerla dúctil, influenciable y obediente. En “Holocaustic desolation”, el humo, el miedo y la desesperanza quedarán grabadas en estas decadentes atmósferas, que parecen haber sido escritas por la propia Muerte, hasta que la canción “Mengele” nos arrastre directamente a las cámaras de experimentación médica. Un tipo de tortura en nombre de la Ciencia, que ha quedado perfectamente impregnada en esta composición musical. El contraste entre esta excelente canción y su inhumano mensaje, refleja, sin medias tintas, la visión que algunos médicos tienen del ser humano, viéndolo simplemente como a una cobaya de laboratorio para ser estudiada. ¿A qué se ha quedado reducido el tratado hipocrático en esta sociedad?

Con aires más industriales, “Give me back my honour” se presenta intenso y afilado, con una energía y una vitalidad irradiada que contrasta totalmente con la siguiente canción. “The iron age” es más seca y áspera; más lenta pero también mucho más melódica. La contundencia en las bases rítmicas volverá a aparecer con “1-9-1939 actividad sangrienta”, y Terrolokaust logrará dar marcha atrás al tiempo presente del lector hasta situarlo a finales de la década de los treinta, segundos después de comenzar la Segunda Guerra Mundial. A continuación, las sensaciones irán in crescendo cuando escuchemos la canción “Everybody´s dead”, una composición musical mucho más lenta, con una base rítmica muy marcada, y con un final siniestramente bello. Con “Sin”, llegamos al punto y final de este sorprendente álbum con una canción basada en constantes entradas y cambios de secuencia. “Gas”, es todo un privilegio tener un álbum de esta calidad en mi colección discográfica de música electrónica nacional.¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Artículo Nº: 517
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martes, noviembre 17, 2009

UNREIN “AUFBRUCH”

Quiero dar las gracias al grupo musical UNREIN, y muy especialmente a ANDY, por su cortesía con LUX ATENEA WEBZINE.

Publicado por: AUTOPRODUCIDO, 2009
Edición comentada: CD

Aufbruch / Sea of silence / Maruin I / Odin / Dies ist ein krieg / Maruin II / Die welt wird erfahrein / Gloria / Still yours / Gleich nach der genurt
Bonus: Aufbruch (electro-mix) / Sea of silence (long-electro-mix)


Elegidos como teloneros de Clan of Ximox en el concierto que ofrecieron en Berlín en el año 2008, el grupo musical Unrein nos presentan su primer álbum titulado “Aufbruch”. Unrein se consideran un grupo que compone canciones dentro de lo que denominan poetic-electro-gothic. Influenciados por la obra literaria de Baudelaire, esta banda está formada por Andy (programación, arreglos, composición y vocalista) y Eva (vocalista), y vienen avalados por una experiencia en directo que les ha llevado a un meritorio éxito en los conciertos ofrecidos en clubs europeos de prestigio. Unrein ha grabado un álbum de la categoría de “Aufbruch”, y que considero sobradamente preparado para dar el salto a una compañía discográfica importante. Su calidad musical es indiscutible, y es fácil que lleguen a sobrepasar sin problema alguno los límites de la escena gótica, en lo que a público se refiere.

En un tono sereno, la suave voz de Eva abre este álbum con “Aufbruch”, una canción que va a más como preparación previa a “Sea of silence”, con una línea musical que rompe algunos conceptos en la composición de música dark-electro al unir una voz clásica con electrónica de vanguardia. Solamente me rompe un poco en la producción de estas canciones que haya subido tanto el nivel de la voz de Eva, llegando a tapar gran parte de lo instrumental en excelentes canciones como “Maruin I”. Aconsejaría equilibrar un poco el nivel de grabación de la voz, e incluso, al ser una voz clásica, puede ser mejor dejarla más integrada con el resto de la parte instrumental sin que destacara tanto. Por ejemplo, en “Odin”, al haber bajado un poco ese nivel de grabación, el resultado resulta más armonioso, pero para sonar más profesional, más expansivo, para que se pueda pinchar en una sessión electro sin problemas, se necesita bajar un poco más el nivel de la voz ya que el registro de Eva es muy alto.

Si Unrein sigue mi consejo, la audición de excelentes canciones de club-electrónicas como “Dies ist ein krieg”, “Maruin II”, “Die welt wird erfahrein”, “Gloria”, “Still yours” o “Gleich nach der genurt” será mucho más enriquecedora, más perfecta, más potente y adictiva porque Andy es muy bueno componiendo canciones electrónicas. Su estilo es impactante, hipnótico, no me quiero ni imaginar cómo deben sonar estas canciones en una pista y qué atmósferas nocturnas pueden llegar alcanzar para dejar cautivado al público asistente. La calidad de la canción “Still yours” es la muestra que más se acerca al acabado final que me refiero. En las versiones realizadas con las canciones “Aufbruch (electro-mix)” y “Sea of silence (long-electro-mix)”, estas han ganado en espacio sensorial, en su capacidad para expandir los sentidos.

Al grupo musical Unrein lo veo con un gran futuro dentro de la escena dark-electro, pero con canciones electrónicas de esta calidad, creo que llegarán a tener mucha más proyección y éxito si empiezan a sonar en las pistas de conocidas discotecas europeas de vanguardia. En cuanto algunos DJ´s conozcan el álbum “Aufbruch”, seguro que incluirán algunos fragmentos de estas excelentes canciones en sus sesiones. “Aufbruch”, un disco dark-electro situado en la frontera del club-electro de vanguardia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Artículo Nº: 516
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DARK AWAKE “MESEONAS”

Quiero dar las gracias al grupo musical DARK AWAKE, y muy especialmente a SYMEON, por su cortesía con LUX ATENEA WEBZINE.

Publicado por: TWILIGHT RECORDS, (TW 1.43), 2009
Edición comentada: Digipack CD

Alpha and Omega / Requiem / Mourn the loss of Isthar / Angelicus elegia / Meseonas / Tetractys / Battle the disease / Nigrum serpentis / Evangelicum of times / Shabbat / All the pretty little horses / Ashes of solstice

Nacido en el año 2001, y liderado por Shelmerdine, el grupo musical Dark Awake nos ofrece su primer álbum “Meseonas” a través del sello discográfico Twilight Records. Con un estilo musical que se mueve muy comodamente dentro del neoclasicismo, Dark Awake sorprenderá al lector con unas composiciones musicales muy expansivas y con una contundencia emocional muy impactante. Las canciones que dan cuerpo a este álbum incitan a sentir lo poderoso, lo espectacular, lo que atraviesa el ego humano hasta dejarlo empequeñecido con su sublime espíritu musical. Y es que “Meseonas” es uno de esos discos que enganchan por su pureza y, también, por su oscuridad. Una combinación aparentemente imposible de mezclar, pero en manos de Shelmerdine, este hecho se transforma en toda una experiencia sensorial. Si a todo esto, le sumamos además una excelente voz como la de Elina P., entonces tendremos en nuestras manos uno de esos trabajos que no debes dejar pasar la ocasión de comprarlo.

La melodía de un piano empieza a sonar, y los primeros fragmentos orquestales de la canción “Alpha and Omega” ya nos empiezan a avisar que el álbum “ Meseonas” no es un trabajo musical con solos de piano únicamente. Los aires marciales comienzan a tomar posiciones en esta composición, hasta que la solemnidad de “Requiem” nos presente la voz de Elina P. con una atmósfera oscura de orgulloso espíritu. Con “Mourn the loss of Isthar”, nos adentraremos en ambientes más sacros, más cercanos a una divinidad de exótico influjo, mientras nuestros sentidos empiezan a expandirse gracias a una excelente composición musical magistralmente producida. “Mourn the loss of Isthar” te incita a escucharla varias veces antes de pasar a la canción “Angelicus elegia”, mucho más expansiva aun y que nos lleva a fijar nuestro punto de atención en la lejanía. Una canción para cerrar los ojos y dejarnos llevar por su siniestra belleza musical.

“Meseonas”, canción que da título a este álbum, es la joya de esta corona como no podía ser menos. Con la voz de Elina P. como protagonista, “Meseonas” se muestra contundente, arrogante, casi apocalíptica en su atmósfera, mientras lo instrumental nos desborda, nos hace sentir el poder naciendo en nuestra piel. “Tetractys” es mucho más sacro, más enigmático y solemne. Su esencia musical cautiva, nos desplaza a mundos mucho más cambiantes y sorprendentes, sin perder por ello su oscuridad manifiesta. La canción “Battle the disease” es más sensual, más femenina, más evanescente. Escuchándola, puedes oler el humo del incienso que te rodea, perfumes orientales impregnando suaves sedas que pasan delicadamente por tu rostro mientras levitas. Tras los momentos de placer, “Nigrum serpentis” nos devolverá a la realidad de una noche mágica tan trascendental, como la noche del solsticio de invierno del año 2007 en la que fue grabada esta composición musical.

Oscuridad y revelación será la esencia que encontraremos en “Evangelicum of times”, con atmósferas densas, cargadas, pesadas como una vida en la que la influencia del destino ha sido el rey absoluto. Siguiendo esta tenebrosa senda, llegaremos hasta “Shabbat” con sus antorchas atravesando la oscuridad, con sus almas marcadas por el dominio ajeno, con el poderoso influjo del saber oculto pero manifiesto. Con la canción “All the pretty little horses”, ambientes apolíneos nos deslumbrarán con un espíritu de lo más bucólico. De nuevo, la preciosa voz de Elina P. nos llevará directamente a la ensoñación, a la luminosa imaginación, hasta que la rotundidad de “Ashes of solstice” ponga el punto y final a este impresionante álbum lleno de sensaciones. “Meseonas”, la excelencia musical griega ha entrado por la puerta grande dentro del neoclasicismo más sublime. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Artículo Nº: 515
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lunes, noviembre 16, 2009

MORRISSEY "SWORDS" EDICIÓN ESPECIAL


Publicado por: POLYDOR, (5322207), 2009
Edición comentada: Edición Especial 2CD

Álbum: Good looking man about town / Don´t make fun of daddy´s voice / If you don´t like me, don´t look at me / Ganglord / My dearest love / The never-played symphonies / Sweetie-pie / Christian Dior / Shame is the name / Munich air disaster 1958 / I knew I was next / It´s hard to walk tall when you´re small / Teenage dad on his estate / Children in pieces / Friday mourning / My life is a succession of people saying goodbye / Drive-in saturday / Because of my poor education

CD “Live in Warsaw”: Black cloud / I´m throwing my arms around Paris / I just want to see the boy happy / Why don´t you find out for yourself / One day goodbye will be farewell / You just haven´t earned it yet, baby / life is a pigsty / I´m Ok by myself


Para quienes seguimos la trayectoria de Morrissey en solitario, la presentación de un nuevo disco siempre es una buena noticia. “Swords” es el nombre que ha sido elegido para dar título a un álbum que gusta desde el principio hasta el final. Fiel a su forma y estilo para componer, con estas dieciocho canciones demuestra estar en un buen momento musical dentro del difícil mundo en el que se ha convertido la escena y el mercado musical actual. Perfectamente, podían haber sacado el CD en directo que viene como extra, en otro álbum, pero está comprobado que hay ocasiones en donde no hay que dejar pasar la oportunidad de comprar un álbum tan extenso y completo como “Swords” cuando aparece. Con una imagen en la portada tan retro como el diseño que decora cada CD, imitando a los antiguos vinilos publicados por Polydor, queda como una forma perfecta de decir al público cuál es la seriedad musical contenida en este disco. Cuando se escriben excelentes canciones, los experimentos musicales han de ser siempre los justos para no desvirtualizar la obra, y en esto, “Swords” cumple perfectamente con ese objetivo final.

Este álbum me ha gustado mucho, probablemente, influenciado por cierto giro un tanto retro que he dado a mis gustos musicales, y en esa nueva dinámica, “Swords” suena a calidad musical sin lugar a dudas. En “Swords”, Morrissey no ha perdido un ápice de su estilo melancólico y bohemio en la esencia con la que impregna sus composiciones musicales. Por supuesto, no tengo intención de escribir mis impresiones detalladas sobre cada una de las canciones, como acostumbro, porque son dieciocho canciones, más otras ocho extra que completan esta edición. Quedaría una reseña excesivamente larga y pesada para la clase de artículos que me gusta escribir. Pero en este álbum quisiera destacar la luminosidad oriental de la canción “Good looking man about town”, la sensibilidad de “If you don´t like me, don´t look at me” o de “Friday mourning”, la resignación de “It´s hard to walk tall when you´re small”, la entrega de Morrissey en “Shame is the name”, su elegancia musical en “My dearest love”, o la excelencia mostrada en “Don´t make fun of daddy´s voice”, en “Ganglord”, en “Christian Dior” o en “Teenage dad on his estate”.

Esta edición especial viene con un CD extra que incluye canciones grabadas en directo en el concierto que Morrissey ofreció en Varsovia (Polonia) el pasado 7 de julio (2009). Con una calidad extraordinaria, Morrissey, acompañado por una excelente banda compuesta por Boz Boorer (guitarra y clarinete), Solomon Walker (bajo), Matt Walker (batería), Jesse Tobias (guitarra) y Kristopher Pooley (teclados), sigue demostrando su capacidad para emocionar al público con un directo potente y con una calidad instrumental sobresaliente. Un disco que justifica totalmente la compra de esta edición especial. “Swords”, un álbum continuista en línea con el estilo musical que Morrissey siempre ha seguido desde su aventura en solitario. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Artículo Nº: 514
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domingo, noviembre 15, 2009

BAUHAUS “MASK” (OMNIBUS EDITION)


Publicado por: BEGGARS BANQUET, (BAUBOX 2), 2009
Edición comentada: BOX 3CD

CD Álbum: Hair of the dog / The passion of lovers / of lilies and remains / Dancing / Hollow hills / Kick in the eye 2 / In fear of fear / Muscle in plastic / The man with x-ray eyes / Mask

CD “Singles and out-takes”: Kick in the eye (original version) / Satori / In fear of fear (original version) / In fear of dub / Muscle in plastic (rough mix) / Dancing (rough mix) / Hair of the dog (rough mix) / Monkey (poison pen) (rough mix) / Ziggy Stardust (rough demo) / Earwax (full unedited) / 1-2-3-4 / Muscle in plastic (rejected album mix) / Hollow hills (rejected album mix) / Hair of the dog (rejected album mix) / Poison pen / Kick in the eye (re-mix version) / Dave and Danny´s waspie dub#2

CD “This is for when...(live)”: This is for when / The passion of lovers / In the flat field / Silent hedges / In fear of fear / Terror couple kill colonel / The man with x-ray eyes / Dancing / Mask / Rosegarden funeral of sores / Hair of the dog / Kick in the eye / A god in an alcove / Hollow hills / Stigmata martyr / Dark entries / Bela Lugosi´s dead

Al igual que en el anterior comentario sobre la caja “In the flat field (Omnibus Edition)” de Bauhaus, no creo que haga falta hacer mucha publicidad del contenido de un álbum considerado como uno de los mejores que jamás se hayan publicado dentro de la música gótica. Con un estilo de rock-gótico único y muy propio, del cual, todavía no se habían llegado a definir con claridad sus características dentro de la escena musical, Bauhaus presentaría un álbum, titulado “Mask”, cuyas canciones se han convertido en todo un clásico dentro de las sesiones que se pinchan en un local gótico que se precie. Una presencia fundamental, inseparable para cualquier DJ que desee agradar al público con una experiencia musical siniestra y con mucha clase.


La restauración que se ha realizado del álbum respecto a anteriores ediciones, en la misma línea de lo comentado en la reseña del “In the flat field (Omnibus Edition)”. Qué se puede decir que no se haya dicho ya de canciones tan aclamadas como “Hair of the dog”, la pinchadísima y siempre exitosa “The passion of lovers”, la tétrica “The man with x-ray eyes”, la desgarradora “Hollow hills”,... creo que no hace falta seguir hablando de una excelencia musical tras otra para quienes hemos vivido esta escena gótica desde la década de los ochenta. Para las generaciones más jóvenes, estas ediciones son perfectas para ponerse al día y, además, con mucho material inédito que en su momento, ni conocíamos que existiera.


Haber podido ver a este grupo actuar en directo en esta época debió ser una experiencia imborrable. Hay que pensar que estamos hablando del año 1981, concierto celebrado el día 9 de noviembre en el Hammersmith Palais de Londres, y tras lo escuchado en este disco en directo, y no es el primero que escucho en un disco protagonizado por Bauhaus, puedo asegurarles que esta grabación es la de mayor calidad entre todas ellas con diferencia. Está claro que Bauhaus es un grupo musical que hay que sentirlo en vivo para poder experimentar toda su oscura energía hasta las profundidades insondables de nuestro espíritu. Como registro con el cual poder dar testimonio de uno de sus impresionantes directos, la compañía discográfica Beggars Banquet ha dejado el listón de la calidad muy alto en este CD. Un lujo extraordinario al que, además, en esta caja han añadido otro CD, titulado “Singles and out-takes”, con material inédito que eleva aun más el valor musical de esta caja. “Mask (Omnibus Edition)”, decir que esta caja es imprescindible es quedarse corto en la descripción con absoluta seguridad. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Lux_Atman

Artículo Nº: 513
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sábado, noviembre 14, 2009

BAUHAUS “IN THE FLAT FIELD (OMNIBUS EDITION)"


Publicado por: BEGGARS BANQUET, (BAUBOX 1), 2009
Edición comentada: BOX 2CD

CD Álbum: Double dare / In the flat field / A god in an alcove / Dive / The spy in the cab / Small talk stinks / St vitus dance / Stigmata martyr / Nerves

CD “Singles and out-takes”: Dark entries / A god in an alcove (original version) / Untitle / Terror couple kill colonel (original beck version) / Telegram Sam (original beck version) / Terror couple kill colonel / Scopes / Terror couple kill colonel (southern mix) / Crowds / Dive (alternative mix) / Spy in the cab (alternative mix) / Stigmata martyr (alternative mix) / Rosegarden funeral of sores / Double dare (alternative version) / Telegram Sam (alternative mix) / Untitle 2

Año 1980, “In the flat field” es el álbum con el que el grupo Bauhaus se da a conocer cuando el término “gótico” todavía ni existía como definición de un estilo musical. Basándonos en este dato, si hablamos de Bauhaus como un grupo musical vanguardista en su época, esos términos se quedarían hasta cortos ante la importancia crucial que tendrían sus álbumes dentro de la escena musical. Su revolucionaria visión de la música como un oscuro sentimiento de corte tétrico, no sería apreciada en su justo reconocimiento hasta que hubieron pasado bastantes años de la publicación de este álbum. En esta caja especial dedicada a este impresionante disco, los lectores se encontrarán al escuchar el álbum “In the flat field” que este suena mucho mejor, más claro, más nítido, y es que tras haber pasado por un proceso de restauración de sonido, su calidad ha quedado considerablemente mejorada respecto a la edición original. Desde luego, si lo comparamos con la edición en CD que se publicó posteriormente, apreciamos esta mejora con una mayor facilidad.


Poder apreciar el CD adicional incluido en esta edición especial, con todo este material extra y estas rarezas, se ha convertido en todo un lujo musical que será excelentemente valorado por aquellos que sentimos la música de Bauhaus desde lo más profundo de nuestra alma. En este disco, que complementa al álbum original, hay canciones excepcionales que encantarán a sus seguidores, que sorprenderán a sus fans más fieles y que hará las delicias de su público más comprometido con su obra. Esta Omnibus Edition ha superado con creces las altas espectativas que tenía depositadas en su compra, y pese a tener el original de este álbum desde hace ya bastantes años, esta adquisición la considero sencillamente imprescindible y totalmente recomendada. Esta edición es un tesoro musical que, por su calidad, tiene méritos de sobra para estar en la colección discográfica de un incondicional del mejor rock gótico que se haya escrito nunca. “In the flat field (omnibus edition)” es, sin lugar a dudas, una joya musical incomparable. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Lux_Atman

Artículo Nº: 511
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viernes, noviembre 13, 2009

LIPING ZHANG “ARIAS – Puccini, Verdi, Bellini y Donizetti – Prague Philharmonic Orchestra- Giordano Bellincampi”


Publicado por: EMI CLASSIC, (50999 2 37250 2 7), 2008
Edición comentada: CD

Mercè, dilette amiche / Casta diva / Timor di me?... D´amor sull´ali rosee / Vissi d´arte / Egli non riede ancora!... Non so le tetre immagini / Un bel dì / Il dolce suono mi colpì di sua voce!... Spargi d´amaro pianto / Chi il bel sogno di Doretta / È strano!... Sempre libera

La inigualable calidad musical que los compositores italianos nos han legado en sus óperas, es algo que será imposible superar. Puccini, Verdi, Bellini, Donizetti, genios de la música que no sólo han compuesto grandiosas óperas, sino que han sabido expresar y trasmitir en sus obras ese lenguaje musical que atraviesa el cuerpo y el espíritu hasta llegar a la raíz del ser humano, hasta llegar al corazón de los sentimientos, hasta llegar al alma. Una vez allí, en manos de estos genios, música y voz se transforman en una armonía sonora universal que no conoce ni límites racionales, ni barreras culturales. Esta es la grandeza de la ópera italiana. La música convertida en Arte, en algo cercano a lo sacro por su atracción espiritual. En esta atmósfera profunda e intensa, en este álbum, a la soprano Liping Zhang la veremos cómoda, en su territorio musical y en completa armonía con el espíritu que dio vida a estas obras. Desde luego, ha sido una grata sorpresa escucharla en este álbum con esa solvencia interpretativa, con esa magia que despliega sin aparente esfuerzo, con esa generosidad con la que nos regala su exquisita y vibrante voz. Con una reverencia, me quito el sombrero ante el arte musical mostrado por la soprano Liping Zhang en este disco.

Sugerentes juegos de voz, un registro potente (sobre todo, en los tonos agudos), un timbre de voz de los más perfectos y técnicos que haya escuchado nunca,... pero lo que más me ha encantado y fascinado de esta voz es la dulzura interpretativa que Liping Zhang nos ofrece, convirtiendo la audición en casi una obra teatral sonora. En estas arias seleccionadas para el álbum, esta soprano nos ofrece todo su poderío operístico dentro del estilo y las composiciones en donde las características de su voz se mueven más cómodas y enérgicas. Los lectores así lo podrán comprobar fielmente en las interpretaciones realizadas en obras tan clásicas como “Casta diva” , “Un bel dì” o “È strano!... Sempre libera”. En la audición de este álbum, me han impresionado las interpretaciones musicales que Liping Zhang ha realizado de “Vissi d´arte”, de “Il dolce suono mi colpì di sua voce!... Spargi d´amaro pianto” y de “Chi il bel sogno di Doretta”. ¡¡¡Son Impresionantes!!! Si así suenan en una grabación, ¡¡¡cómo sonarán en directo!!! “Liping Zhang – Arias”, si escuchas arias como “Timor di me?... D´amor sull´ali rosee” de la mano de Liping Zhang, te aseguró que quedarás conmovido como nunca antes lo hayas hecho. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Artículo Nº: 510
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ANNA NETREBKO “OPERA ARIAS – Wiener Philharmoniker – Gianandrea Noseda”


Publicado por: DEUTSCHE GRAMMOPHON, (00289 477 7566), 2004
Edición comentada: Digipack Deluxe Edition CD + DVD

CD: Quando avran fine omai... Padre, germani, addio! / Crudele? Ah no, mio bene!... Non mi dir / Les belles fleurs!... Quand j´aurai votre âge / Suis-je gentille ainsi?... Obéissons, quand leur voix appelle / Ancor non giunse!... Regnava nel silenzio / Care compagne... Come per me sereno / Les grands seigneurs... Ah! je ris de me voir (jewel song) / Mesícku na nebi hlubokém (song of the moon) / Quando mem vo (Musetta´s Waltz)

DVD: Ah! je ris de me voir (jewel song) / Quando mem vo (Musetta´s Waltz) / Crudele? Ah no, mio bene!... Non mi dir / Care compagne... Come per me sereno / Mesícku na nebi hlubokém (song of the moon) / bonus: the making of the film


Estamos ante la presencia de una de las divas del bel canto. Anna Netrebko es, actualmente, una de las sopranos más cotizadas del panorama operístico mundial. Nacida en Rusia y de procedencia humilde, su carácter fuerte y su tenacidad han logrado encumbrarla al Olimpo de la Ópera. Si lo que busca el lector es una soprano joven, con una voz espectacular, de las que se quedan guardadas en la mente para siempre una vez la has escuchado, Anna Netrebko será la elegida con absoluta seguridad. Y si a una voz de lujo, unimos el sello discográfico de mayor fama mundial, Deutsche Grammophon, tendremos en nuestras manos un álbum impecable, perfecto, para guardar como oro en paño. Además, en esta edición deluxe, el sello discográfico ha incluido un DVD excepcional. ¡Qué más se le puede pedir a un álbum!

En esta selección de arias escritas por grandes compositores en sus óperas, como Mozart (“Idomeneo” y “Don Giovanni”), Berlioz (“Benvenuto Cellini”), Massenet (“Manon”), Donizetti (“Lucia di Lammermoor”), Bellini (“La Sonnanbula”), Gounod (“Faust”), Dvorak (“Rusalka”) y Puccini (“La Bohème”), Anna Netrebko nos fascina con una interpretación de muy alto nivel, y con una calidad musical que solamente las elegidas por un don divino pueden alcanzar. Su versatilidad asombra, su capacidad para cambiar de tono y registro nos deja perplejos, su ruptura constante de los límites interpretativos sin dejar a un lado el clasicismo (escuchen “Suis-je gentille ainsi?... Obéissons, quand leur voix appelle”) nos hará pensar en cuáles son sus límites (“Les belles fleurs!... Quand j´aurai votre âge”), si es que estos existen. Su estilo interpretativo es serio, pero nos conmueve a placer (“Quando avran fine omai... Padre, germani, addio!”). Su carácter dentro del bel canto, nos inflama el alma con sensaciones puramente hedonistas (“Ancor non giunse!... Regnava nel silenzio”). Su divina voz, transforma magistrales obras como “Care compagne... Come per me sereno”, en una pura delicia. Magia es lo que tiene esta soprano por voz en las siguientes composiciones que dan cierre a este álbum.

El DVD, titulado “The Woman – The Voice”, de cuarenta minutos de duración y que incluye subtítulos en español, lo forman una serie de vídeos en donde se ha buscado la creatividad y la modernidad en su creación. Color y diseño reflejarán la fascinación femenina por el lujo y las joyas en “Ah! je ris de me voir” (un vídeo que verán varias veces por su belleza); en “Quando mem vo”, la buena posición social no evitará que la soledad de la mujer bella siga necesitando ser halagada por la mirada de deseo; la siniestra plasticidad nos dejará hipnotizados en “Crudele? Ah no, mio bene!... Non mi dir”; el tributo al surrealismo estético se llenará de alegría en “Care compagne... Come per me sereno”; y con “Mesícku na nebi hlubokém”, será la sensualidad femenina bajo el influjo de Selene la que nos diga un adiós con sabor a hasta muy pronto. Un DVD en donde Deutsche Grammophon muestra su gusto exquisito hasta en lo moderno y actual, al elegir a Vincent Paterson como director y coreógrafo de estas maravillas audiovisuales. “Anna Netrebko – Opera Arias”, la edición especial de un álbum sobresaliente e imprescindible.¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Artículo Nº: 509
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jueves, noviembre 12, 2009

RENÉE FLEMING “HANDEL – Orchestra of the Age of Enlightenment – Harry Bicket”

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LUX ATENEA WEBZINE conmemora el 250 aniversario de la muerte del compositor Georg Friedrich Händel (1685-1759).
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Publicado por: DECCA, ( 475 547-2 ), 2004
Edición comentada: CD

Oh sleep, why dost thou leave me? / Endless pleasure / Scoglio d´immota fronte / Quando spieghi i tuoi tormenti / Ombra mai fù / To fleeting pleasures make your court / Lascia ch´io pianga / Dunque, i lacci d´un volto... Ah! crudel / Let the bright Seraphim / V´adoro, pupille / Da tempeste il legno infranto / Ritorna, oh caro e dolce mio tesoro / Sommo rettor del cielo.. D´una torbida sorgente / Pensieri, voi mi tormentate / Bel piacere è godere fido amor! / Calm thou my soul... Convey me to some peaceful shore

Este año se conmemoran los 250 años de la muerte del compositor Georg Friedrich Händel (1685-1759), uno de los más grandes compositores dentro de la música barroca. Con treinta oratorios y cuarenta y dos óperas escritas, Händel se ha ganado una privilegiada posición dentro de la música universal gracias a unas composiciones que ya forman parte del Olimpo de la Música Clásica. Gracias a la labor realizada por la compañía discográfica DECCA, podemos disfrutar de un disco incomparable en donde se han unido la excelencia musical de Händel a la inigualable voz de una soprano de la categoría de Renée Fleming. En este álbum, se han seleccionado arias pertenecientes a algunas de las mejores óperas de Händel en una secuencia de lo más armoniosa y equilibrada. Una selección musical en donde Renée Fleming, de la mano de Harry Bicket, nos ofrece un repertorio operístico de auténtico lujo. Sin lugar a dudas, “Handel” se convertirá en uno de esos álbumes que siempre será un placer ser escuchado por cualquier amante de la música emotiva y con alma.

Como he comentado anteriormente, la excelencia en la interpretación de estas obras musicales se mantiene constante en todo el álbum. Cualquier lector que compre esta joya musical, podrá comprobar por sí mismo el porqué de esta absoluta franqueza en mis elogiosas palabras, y cómo la realidad de estas palabras de admiración se vuelven meritorias ante la privilegiada audición de estas maravillosas obras musicales. Porque estas interpretaciones te conmueven, te hacen sentir la música hasta lo más profundo del alma, y con tan alta calidad, es imposible destacar la interpretación musical de un aria u otra. En este disco, la voz de Renée Fleming se transforma en un auténtico regalo del Cielo, en un sonido celestial reflejado en una voz femenina de lo más delicada y elegante. Su técnica perfecta, su estilo interpretativo, su registro potente y armonioso, la versatilidad de su voz,... creará nuevos adeptos a esta soprano de auténtico lujo, y a quienes ya se hayan rendido a su don musical tras haberla escuchado anteriormente, no creo que tarden mucho en adquirir esta ilustre obra. Con álbumes de esta categoría, la música clásica seguirá manteniendo su grandeza y su privilegiado lugar dentro del universo musical en el siglo XXI.

“Renée Fleming – Handel”, una joya musical de imprescindible presencia en la colección discográfica más selecta de un buen melómano. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Artículo Nº: 508
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miércoles, noviembre 11, 2009

JORGE GIMENO “POESÍA DEL BARROCO FRANCÉS”


Publicado por: EDITORIAL PRE-TEXTOS.
ISBN: 84-8191-975-2 Edición: 2009

“VITA, MORS ET VITA”

Pese a que la poesía barroca escrita en Francia no ha sido muy apreciada en su propio país, ya que los franceses no se llegan a identificar completamente con lo barroco al observarlo como una influencia cultural del sur y esencialmente mediterránea, la calidad y la variedad de estilos poéticos creados durante este periodo nos ofrecen una experiencia literaria de primer orden. Con una seriedad y rigor admirable, el libro “Poesía del Barroco francés” incluye una extensa selección de poemas escritos entre los años 1570 y 1660. Unos poemas en los que se aprecia una influencia importante de la cultura griega clásica y de toda su mitología, y en los que destaca la belleza de sus versos y la absoluta sinceridad mostrada por estos ilustres poetas en sus obras. Durante el Barroco, aparecerían las bases del mundo literario tal y como lo conocemos actualmente, y hasta tal punto llega a ser valorado el poder cultural de la poesía por algunas influyentes personalidades, que incluso, será vista por Richelieu como parte de la política del país.

“La cultura que hoy denominamos Barroco es la expresión de una época de crisis general (Guerras de Religión francesas, Guerra de los Treinta Años, plagas, hambrunas, descenso térmico, crecimiento urbano) y novedades geográficas y científicas que tampoco tranquilizaron.”

Lejos de apreciaciones interesadas, el Barroco es, sobre todo, la poesía del individualismo. Un individualismo amante de la libertad hasta llegar al libertinaje más absoluto. Sátira, ironía e irreverencia llegan a dar vida a versos cargados de ingenio e inteligencia como imagen de un inconformismo existencial que, a veces, puede parecer hasta diabólico. Con esa esencia urbana tan característica, la poesía barroca hace hincapié en el contraste constantemente, provocando en el lector cierta perplejidad al observar versos profundamente marcados por el amor a la belleza y a la figura femenina idealizada, y, a continuación, pasar a leer versos misóginos en tono burlesco. El barroco es así. Puedes pasar del Amor visto como un don celestial, al perfumado y carnal erotismo en donde pasión y posesión es todo uno, simplemente con pasar una página, y en la siguiente hoja, encontrarte con versos muy explícitos y subidos de tono, eso sí, sin perder nunca la elegancia literaria.

“¡Qué agradable ser libre y qué asco el vasallaje
para quien puede ser monarca de sí mismo!”


En lo barroco puedes sentir el hedonismo en estado puro, la esencia narcisista, el egocentrismo que todo lo devora. La personalidad barroca es muy ensoñadora pero tremendamente pragmática. Valora la inteligencia y la experiencia de la vida en todas sus facetas como algo supremo, motivo por el cual, toma lo báquico y la mofa como las dos caras que puede ofrecer al estar poseído por el deseo. El hombre barroco busca divertirse dentro de su egolatría elevada al cubo, por lo que llega a crear bellos poemas de etílico espíritu en donde se adula al placer. Por supuesto, estos egos barrocos no soportan ver la intrascendencia en la vida de otras personas porque conocen el oscuro rostro de los males de amor, de la tristeza y de la resignación ante la vida, y esa visión les desilusiona. Pese a su absoluta adoración a la belleza material, el racionalismo barroco siente los efectos del Tiempo y del desengaño existente en una sociedad que le acaba llevando al aciago pesimismo, según va comprobando cómo su vitalidad se le va escapando entre los dedos. Los versos barrocos saben cómo hablar del paso del tiempo sobre el cuerpo humano y las huellas que va dejando. Poemas dedicados a una belleza perdida que no retornará en seres rotos por la edad. Las debilidades humanas afloran, la languidez se apodera de quien fue un dios sobre la tierra, autotorturándose con pensamientos fúnebres y bastante macabros. Como Fausto, ven en lo mefistofélico una hedonista salida ante la muerte porque lo barroco ama el hoy intenso, el placer disfrutado ya, y de su pago futuro, ya hablaremos.

“¡Qué hermosa sería mi muerte!
Expirar sería el mayor
de los placeres,
e igual que al acostarme
soplo mi vela,
es mi deseo que al morir
apague el Sol.”


Es muy curioso ese contraste poético entre lo esotérico y lo racional, entre lo apolíneo y lo oscuro, entre lo bucólico y lo religioso, entre lo aristocrático y la quietud. En lo barroco, los extremos se tocan, y por este motivo, sabe combinar la métrica con lo plástico, lo ígneo con lo sublime, lo infernal con la virtud de la paciencia. Versos que nos encantan con ese anhelado retorno a la Madre Naturaleza, y luego, se muestran evanescentes, primigenios, trascendentes y condenatorios. En este excepcional trabajo, Jorge Gimeno nos explica con todo lujo de detalles el significado de los símbolos propios de esta época, y su utilización en la creación de estos elegantes poemas, porque el significado de los símbolos y sus colores cambia según la época y la cultura. Con el amor barroco a lo decorado, a lo exquisito, se agradece la explicación clara y precisa de todos estos símbolos.

“Si amo en el propio cielo, a los dioses me igualo.”

En este inicio del siglo XXI, lo barroco parece haber resucitado de sus cenizas. Esta visión de la vida y de la existencia humana, su apreciación de lo bello, sus valores en sociedad, su relación tan particular con lo religioso, incluso, el excesivo apego a lo material, a los placeres y a los disfrutes que ofrece la vida (pasados por el filtro de los avances científicos que están perfilando nuestra sociedad), la modernidad, o mejor dicho, la posmodernidad y lo barroco parecen ramas nacidas del mismo árbol, el árbol de la trasgresión. “Poesía del Barroco francés”, en este siglo XXI el Barroco es más moderno que nunca. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Oh bienaventurado quien logra de por vida
borrar de su cabeza la esperanza de gloria
pues su vano cultivo al placer es contrario,
y lejos se retira de la turba importuna
y reside en su casa feliz con lo que tiene,
conformados los medios y los fines.”


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Información Adicional:
Los poetas franceses incluidos en este libro son:
Agrippa D´Aubigné, Jean Auvray, Isaac De Benserade, Flaminio De Birague, Georges de Brébeuf, Jean-Baptiste Chassignet, Pierre Corneille, Charles Cotin, Jean Dehénault, Jacques Des Barreaux, Philippe Desportes, Guillaume De Saluste Du Bartas, Jacques Davy Du Perron, Étienne Durand, Gaspar De Fieubet, Jean Godard, Jean Ogier De Gombauld, Isaac Habert, Étienne Jodelle, Jean De La Ceppède, Señor De La Giraudière, Siméon-Guillaume De La Roque, Marin Le Saulx, Jean De Lingendes, François De Malherbe, Claude Malleville, Pierre De Marbeuf, François Nervèze, Marc Papillon De Lasphrise, Honorat De Bueil De Racan, Jean Racine, Mathurin Régnier, Antoine Girard De Saint-Amant, Denis Sanguin De Saint-Pavin, Paul Scarron, Georges De Scudéry, Lazare De Selve, Charles-Timoléon De Sigogne, Jean De Sponde, François Tristan L´Hermite, Pontus De Tyard, Honoré D´Urfé, Nicolas Vauquelin Des Yveteaux, Abraham De Vermeil, Théophile De Viau, Charles Vion D´Alibray, y Vincent Voiture.

Artículo Nº: 507
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martes, noviembre 10, 2009

RÜDIGER SAFRANSKI “SCHILLER o la invención del idealismo alemán”

LUX ATENEA WEBZINE conmemora el 250 aniversario del nacimiento del filósofo, poeta, historiador y dramaturgo Johann Christoph Friedrich Schiller (Marbach del Neckar, 10 de noviembre, 1759 – Weimar, 9 de mayo, 1805).

Publicado por: TUSQUETS EDITORES, S.A.
ISBN: 84-8310-459-8 Edición: 2006

“El idealismo es el triunfo de una voluntad iluminada y clara.”

Dentro de la literatura alemana, Schiller es considerado el dramaturgo más importante. Perteneciente al Clasicismo de Weimar, junto a Goethe, a Schiller le gustaba el perfeccionamiento literario siguiendo un modelo, pero sin admitir regla o norma alguna que pudiera encorsetarle en su labor intelectual y artística. En este sentido, en Schiller se puede ver muy claramente la influencia del Sturm und Drang (inspirado en la obra literaria de William Shakespeare, principalmente) leído en su juventud, y en donde la intensidad emocional y sentimental son valoradas siempre por encima de la inmovilidad racional. Schiller, a parte de ser filósofo, poeta, historiador y dramaturgo, también realizaría estudios de medicina, fue profesor de Historia, además de bibliotecario. Con una vida dedicada en cuerpo y alma a la cultura y al saber, una pulmonía, agravada por una tuberculosis mal curada que venía arrastrando desde hacía años, acabaría con la existencia de uno de los mayores genios dentro de la historia alemana.

“Veamos quien gana el pulso, el espíritu al cuerpo, o el cuerpo al espíritu.”

El lector quedará sorprendido al ver cómo en un sistema educativo tan duro y excesivamente disciplinado como el alemán de esta época, pudiera despertarse en Schiller una pasión tan intensa por la escritura desde muy joven. Pese a que muchas de estas obras de juventud no se han conservado, la vida de Schiller quedaría totalmente unida al mundo de la literatura a través de unas obras marcadas por la elegancia y la profundidad en el mensaje. “Don Carlos”, título de su libro más conocido, fue escrito basándose en la historia de Carlos de Habsburgo e Isabel de Valois, y en él, Schiller contrapone dos visiones del mundo casi universales desde el origen de la civilización humana: una visión antigua asentada en el poder, y que se muestra potente y castigadora, y otra nueva mucho más joven y vigorosa, en donde el ideal es el que mueve absolutamente todo. Con esta línea literaria desplegada, Schiller empezaría a crear la base de lo que sería considerado en un futuro como el ideal romántico, pero su pasión por el ideal no evitó que tuviera una mirada muy tradicional respecto a la vida cotidiana de una persona. Otras de sus obras más famosas son “Maria Estuardo”, “La virgen de Orleans”, “Guillermo Tell”, “Historia de la guerra de los treinta años”,... y dentro del mundo editorial, Schiller también llegaría a ver publicadas sus revistas “Die Horen” (en la que colaborarán grandes personalidades de la cultura alemana como Goethe, Fichte, Hölderlin,...) y “Musenalmanach” (con la colaboración de Goethe, Hölderlin, Tieck,...).

“¡Ha de hacerlo todo uno mismo!”

Con unas inquietudes culturales amplias y diversas, el choque con la aristocracia despótica reinante en aquellos tiempos, y muy en particular, con el duque Karl Eugen, fue inevitable. Esta élite europea que únicamente se movía por sus propios intereses, y a la que no le importaba en absoluto la difusión de la cultura en la sociedad, acabaría provocando los aires revolucionarios que originaron la Toma de la Bastilla y que terminarían conmocionando políticamente a todas las monarquías del continente. La humanidad, la libertad, la oposición moral y ética a una aristocracia despótica que hundía al pueblo en la ignorancia, llamaron la atención de Schiller. Pero, pese a su apoyo inicial, también alertaría sobre el peligro de una nueva tiraría en Francia si un excesivo poder caía en manos de los revolucionarios. Por desgracia, los trágicos hechos que acontecerían en los años posteriores, demostrarían con hechos esos acertados análisis políticos. Aquellos que en un momento dado defendieron la libertad del pueblo, una vez conquistaron el poder, utilizaron esos mismos argumentos para crear una nueva dictadura. A Schiller le tocará vivir en una época histórica marcada por la transición de una sociedad absolutista a otra más burguesa, y, a partir de la Revolución Francesa, la burguesía empezará a reclamar un mayor protagonismo dentro de la escena pública y política en toda Europa. Pese a todo, en el año 1792, Schiller será nombrado Ciudadano de Honor de la República Francesa.

“Las raíces del entusiasmo de Schiller arrancan del hastío de la vida, que ha de superarse siempre de nuevo...”

A Schiller le gusta observar lo racional y lo emocional y sentimental, desde un punto armónico, desde una base de equilibrio interior. Se opone totalmente al uso de la fuerza para provocar un cambio de mentalidad, aunque este sea positivo y beneficioso para el individuo, la sociedad o la nación. Por este motivo, rechazará los métodos adoptados por los revolucionarios franceses una vez logran el poder, ya que, en cierta manera, acaban comportándose como los antiguos tiranos destronados al forzar ese cambio en la sociedad y en los ciudadanos de forma violenta. Para Schiller, el cambio mental debe ser favorecido en el interior del propio ser para luego, expandirse hacia fuera, hacia lo externo. Un cambio que no debe imponerse desde fuera, y nunca mediante sistemas de coacción y de fuerza porque, de esa forma, nunca llegan a extender sus raíces en el espíritu de las personas. Es fácil observar a Schiller como a una gran alma, y su cultura, acabaría convirtiéndose en la última llama de los ideales barrocos. Libertad, razón y humanidad forjaron en su alma lo que posteriormente se denominaría como Romanticismo alemán, y pese a ser una figura clave en la futura unificación alemana en el siglo XIX, y en la definición del idealismo que marcaría la historia de Alemania en los últimos dos siglos, actualmente, la obra y el pensamiento filosófico de Schiller no está siendo considerado como algo a destacar en los planes de estudio establecidos en la nación alemana moderna. Corren nuevos aires en el centro de Europa, y Schiller, justa o injustamente, no está siendo valorado con admiración.

“El idealismo de Schiller radica en la persuasión de que es posible dominar las cosas, en lugar de ser dominados por ellas.”

En lo que a Lux Atenea Webzine se refiere, es todo un privilegio poder celebrar esta fecha tan señalada con sus lectores, a través de una obra biográfica escrita por una de las mentes más privilegiadas y más serias: Rüdiger Safranski. Desde luego, en ningún momento esperaba encontrar una excelencia tal en la elaboración de una biografía. Sin la menor duda, leer a Safranski se ha convertido en toda una experiencia literaria y de conocimiento a través de una excelente narración. Con una estructura interior perfecta, y con un estilo literario digno de todo elogio, es todo un placer escribir la reseña de un libro de una calidad tan alta. Les puedo garantizar que este libro de Safranski no será ni el único, ni el último, que comentaremos en este medio de información literaria. “Schiller, o la invención del idealismo alemán”, una obra imprescindible para poder conocer al detalle a este genio inmortal. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“El idealismo actúa cuando alguien animado por la fuerza del entusiasmo, sigue viviendo a pesar de que el cuerpo ya no lo permite.”

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Artículo Nº: 506
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lunes, noviembre 09, 2009

W. R. F. BROWNING “DICCIONARIO DE LA BIBLIA”


Publicado por: RBA, S.A.
ISBN: 84-473-6319-3 Edición: 2009

Recientemente publicado por RBA dentro de la colección “Grandes Obras de la Cultura”, este diccionario se convertirá en uno de los libros de consulta esenciales para cualquier persona interesada en profundizar en sus conocimientos sobre la Biblia. Esta obra incluye datos tanto del Antiguo como del Nuevo Testamento, y muchas palabras incluidas en la propia Biblia también son mostradas y aclaradas en los diversos términos hasta ahora utilizados. Su completo contenido hace de esta obra, uno de los volúmenes más importantes sobre la temática bíblica gracias a la exactitud de sus descripciones, llevando al lector a un interés creciente y mucho más amplio dentro del estudio religioso del libro más importante en la Historia de la Humanidad en los últimos dos mil años.

Como manual de consulta ocasional para resolver dudas; como obra perfecta para poder localizar en la Biblia con exactitud en qué versículos aparece el nombre de un apóstol, de un rey, de un profeta,... ; como libro de lectura para descubrir símbolos y pasajes que pudieran haberse pasado por alto durante su estudio; en resumidas cuentas, como obra única y amena, cambiará la visión de la Biblia como obra extensa, inabordable y un tanto caótica, en otra mucho más interesante e instructiva. Desde el público en general, hasta universitarios y profesionales en el estudio de esta materia, encontrarán en este libro uno de los volúmenes más rápidos y exactos en la búsqueda de información bíblica. Además, en sus últimas páginas esta obra incluye unos mapas detallados de Israel en Canaán, de Oriente Próximo durante la época del imperio asirio, de Palestina en tiempo de los Herodes, y de los viajes de Pablo. “Diccionario de la Biblia”, teológicamente imprescindible. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Artículo Nº: 505
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domingo, noviembre 08, 2009

KAREN ARMSTRONG “EN DEFENSA DE DIOS”

Quiero dar las gracias a la EDITORIAL PAIDÓS por su cortesía con LUX ATENEA LIBROS.

Publicado por: EDICIONES PAIDÓS IBÉRICA, S.A.
ISBN: 84-493-2288-4 Edición: 2009

“Las doctrinas religiosas no están destinadas a explicar o definir el misterio, son simplemente simbólicas.”

Desde la Ilustración, en Occidente siempre ha quedado abierto el debate sobre la existencia o no de un ser supremo omnipresente al que llamamos Dios. En esta primera década del siglo XXI a punto de finalizar, ese debate sigue inmerso en la polémica y el apasionamiento con una u otra postura, pero con una presión mucho más acentuada del ateísmo sobre los pilares de la sociedad y, por consiguiente, sobre cada uno de los ciudadanos que en ella viven. En medio de este debate, Karen Armstrong, profesora de Literatura en la Universidad de Londres y experta en Historia de las religiones, ha escrito un interesante ensayo sobre la existencia de Dios, describiendo la evolución en la visión de Dios desde su origen hasta la actualidad.

Pese a que el peso del cristianismo es notable en esta obra, la constantes referencias a otras creencias religiosas como el islamismo, el judaísmo, el hinduismo,... enriquecen considerablemente su contenido al ofrecer una óptica desde múltiples enfoques religiosos. Además, en lo personal, Karen Armstrong ha pasado por todo el ciclo espiritual, iniciado con una religiosidad absoluta hasta decidir hacerse monja, un posterior escepticismo y pérdida de la fe que desembocó en el abandono de los hábitos, y un nuevo retorno a la espiritualidad, más cercana a lo universal y lo trascendente en el vivir diario. Una creencia en Dios que concibe lo religioso como el camino que desvela el sentido de la propia existencia.

“Como Platón y Aristóteles, los estoicos y epicúreos consideraban la ciencia principalmente una disciplina espiritual.”

La negación de la existencia de Dios y el desprecio a todas las creencias religiosas fundamentadas en esa visión del sentido de la propia existencia, y de la especie humana en general, ha cobrado mayor fuerza gracias a los descubrimientos científicos que, día a día, no dejan de asombrarnos con sus revolucionarios avances. Además, el ateísmo se ha visto reforzando con cada nueva tragedia terrorista justificada en nombre de Dios, unos actos que vienen siendo utilizados como propaganda en contra de la creencia en un ser divino Todopoderoso y protector de la especie humana. Estos dos pilares constituyen actualmente la base principal que sostiene ese pensamiento puramente racionalista de la vida humana, y de todo lo que nos rodea, existente en nuestra sociedad.

Creo que no se pueden usar los fanatismos religiosos como acusación contra aquellos que sí creen en Dios, porque si se le otorgara ese peso moral, humano y ético, también se podría poner como contrapeso, todos los actos contra la libertad y la integridad humana ejecutados por los científicos en el uso del individuo humano como cobaya perfecta, el cual puede ser sometido a todo tipo de aberraciones y experimentos científicos, eso sí, en pro del progreso de la Humanidad. ¿Hace falta concretar estas actuaciones? Uso masivo de lobotomías ante cualquier comportamiento considerado no correcto (incluso fue utilizado como remedio para curar la homosexualidad), experimentos en los que se introdujeron a seres humanos vivos en cámaras de presión, pruebas de distintos virus y bacterias mortales en seres humanos para investigar sus efectos, difusión de drogas alucinógenas en la población civil para estudiar sus comportamientos,... ¿hace falta seguir escribiendo más casos de ese “espíritu de la Ciencia”? Será por casos históricos perfectamente y detalladamente documentados. Para alejarse de esas justificaciones ateas tan simplistas, para documentarse sobre el sentido humano de la religión, para analizar el porqué el ser humano necesita a la religión para seguir evolucionando, aconsejo la lectura de esta excelente obra.

“El método científico se enfrenta brillantemente a objetos, pero es menos convincente cuando se aplica a las personas o las artes.”

En esta obra, me ha gustado ver como Karen Armstrong ha unido lo religioso a la devoción, y como esta devoción conlleva la ruptura del límite, del condicionante físico y material por parte del individuo. Ser humano y ser religioso son un todo porque la trascendencia forma parte de la condición humana. Otra cosa es no creer en Dios debido al descrédito de algunas organizaciones y personalidades religiosas. Dios no es una institución ni está detrás de institución alguna, como tampoco hay que confundir el convencionalismo en la visión o en la imagen de Dios, con la existencia real de un ser supremo. Aunque haya personas que tengan una imagen de Dios como su Yo elevado a la enésima potencia, esa idea errónea de Dios no justifica su no existencia.

El ateísmo racionalista debería ser tan exigente en las razones que pone encima de la mesa en contra de la existencia de Dios, como lo es en la absoluta cerrazón mental ante los hechos que, aun existiendo, no tienen explicación alguna salvo una actuación divina. Entrando en esa dinámica racionalista, es del todo elogiable que Karen Armstrong contraponga el logos (la razón) al mito (el imaginario) como símil del ateísmo y la religión. Lo definido y concreto frente a lo creativo e imaginado. Al igual que la visión de Dios por el ser humano ha evolucionado a lo largo de la historia, al igual que nuestra sociedad está sometida a un constante cambio, no se debe caer en el error de tomar la descentralización de las organizaciones religiosas en la actualidad, con la pérdida de la fe en Dios, y siguiendo esta línea, Karen Armstrong rompe una lanza a favor de una unidad entre la fe y la razón en pro de una Humanidad más avanzada. Tal y como comenté en el libro “El Universo en un solo Átomo”, escrito por el Dalai Lama, la ciencia y la religión no tienen por qué atacarse, ni tampoco, por qué ignorarse. “En Defensa de Dios”, el sinsentido del enfrentamiento entre la Razón y la Religión. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Cuando la propia ciencia está llegando a ser menos determinada, es quizás el momento de volver a una teología que afirme menos y esté más abierta al silencio y al no saber.”

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Artículo Nº: 504
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