lunes, enero 28, 2008

MARCO AURELIO “MEDITACIONES”.

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Desde el año 1999 difundiendo la cultura literaria más selecta (Clásica, Medieval, Romanticismo, Decadentismo, Simbolismo, Surrealismo, Ciencia-Ficción, Misterio y Terror, Esoterismo, Mística, Religión, Filosofía, Poesía, Historia, Ciencia, Arte, Sociología, Tecnología, Empresa…) a través de la REVISTA CULTURAL ATIS&NYD (1999 - 2002), SHADOW’s GARDEN WEBZINE, OUROBOROS WEBZINE y LUX ATENEA WEBZINE (desde 2006 hasta la actualidad).


Publicado por: EDITORIAL GREDOS, S.A.
ISBN: 84-249-2574-2 Edición: 2001

”Si en efecto has visto de verdad dónde radica el fondo de la cuestión, olvídate de la impresión que causarás.”

Qué complicado es encontrar en una persona elevada a la cúspide del poder, la virtud del rechazo a los encantos de la fama. Evitar los besos seductores de la vanidad estando allí arriba, sin limitación ni medida, y con la gracia del éxito en la empresa llevada a cabo, es tarea ardua. Pero, para Marco Aurelio, aguerrido emperador romano, la verdadera guerra y la auténtica lucha que tuvo que pasar en la vida no se libraba en campos de batalla, sino en su cuerpo; y ni siquiera dentro de los límites de su imperio, sino en el interior de su mente. Fruto de ese combate entre el poder y la filosofía, normalmente opuestos en la praxis, fue la creación de este libro, “Meditaciones”, obra magna de la auténtica realidad humana.

”La regla de oro es, pues, actuar de acuerdo con la naturaleza, desdeñando otros reclamos, y sin esperar otras recompensas que la propia estimación.”

Los bibliófilos lectores de Lux Atenea Webzine han de ser conscientes que el emperador Marco Aurelio fue un ser privilegiado al estar situado en la cima del poder y por encima de la propia sociedad de la época. Pero este factor clave para conseguir un rápido engorde del Ego en cualquier ser humano, queda anulado en su naturaleza como individuo al dar una mayor importancia en su vida a la reflexión y a la asimilación sincera de la experiencia originada con ese acto, tomado como vía y razón de su existencia. De esta manera, para Marco Aurelio, la vida del individuo, la cambiante sociedad, la longeva cultura humana, los imperios, los países, los Estados, gobiernos, reyes, artistas, filósofos… remarcados en nuestra Historia, no son más que un sueño en un simple pestañeo dado por el tiempo en el Universo. Los años, los siglos, no son nada más que centésimas de segundo en el reloj que marca el Tiempo Universal, y pese a que estemos completamente convencidos de la inexorable y eterna marca de un acto o suceso humano sobre la Tierra, ese mismo Tiempo Universal se encarga de convertir en olvido aquello que parecía crucial e intemporal.

“¡Cuántos hombres, que fueron muy celebrados, han sido ya entregados al olvido! ¡Y cuántos hombres que los celebraron tiempo ha que partieron!”

Reflexión. Meditación. Ética. Sí, ética, la inseparable ética a la que se aferra como punto sobre el cual poder armonizar las difíciles corrientes y tensiones originadas al iniciar el camino de la meditación como fuente de saber interior. Porque, para Marco Aurelio, la meditación no es otra cosa que el camino que nos conduce al perfeccionamiento. Un sendero que nadie puede ni podrá recorrer por nosotros. Tras la meditación aparecerá la transformación, una transformación interna tanto para lo bueno como para lo malo, como fase necesaria para la construcción de la propia vida.

“Cava en tu interior. Dentro se halla la fuente del bien, y es una fuente capaz de brotar continuamente, sino dejas de excavar.”

Porque nuestro destino no está escrito, sino que es el fruto de las consecuencias de nuestras propias acciones en la vida en la que estamos inmersos. Una libertad del ser que se convierte en el drama que es la vida humana desde su nacimiento. Así, Marco Aurelio otorga el máximo valor a la responsabilidad del individuo a la hora de dar sentido a sus actos y pensamientos, y toma como Ideal, la búsqueda de esa ataraxia estoica. Estoa: actuar conforme a la propia naturaleza, en el absoluto convencimiento de su virtud. Una moral que nos pone directamente al encuentro con esa felicidad tan informe, tan cambiante, tan indefinible, y que tanto anhelamos conseguir.

“Recibir sin orgullo, desprenderse sin apego.”

Marco Aurelio no es un filósofo, ni un idealista. Marco Aurelio es una persona espiritualmente pragmática que otorga un gran valor e importancia a la vacuidad del acto hecho por el hombre, protagonizado por el hombre, recordado por el hombre. Marco Aurelio no pone en tela de juicio ni lo científico ni lo espiritual, pero lo que tiene muy claro es su firmeza a la hora de decirnos que cada ser es único e irrepetible. De ahí la verdadera trascendencia de la vida de un ser humano, pero no a nivel de colectivo, sino a nivel individual y universal. Somos uno dentro de otro gran Uno Universal, formando parte de él como unidad, no como unidad de conjunto dentro de otra unidad mayor. Gran error es considerar a la propia especie humana como única unidad dentro de la grandeza universal.

“Todas las cosas se entrelazan unas con las otras y todas, en este sentido, son amigas entre sí.”

Pero para alcanzar ese estado de consciencia, Marco Aurelio aparta de su interior el significado de la palabra “esperanza” por ser una de las mayores cargas con las que el individuo ha de lastrarse si da muestras de fe en la realidad de su mensaje. La esperanza es una sirena que lleva al hombre a embarrancar en el arrecife de sus ilusiones. Una esperanza que siembra la vida de irrealidad, llevando al ser humano a adentrarse en el interior de sus fantasías más desbocadas y alocadas. Y es que no hay nada peor que una esperanza convertida en realidad, ya que, con ese acto, la propia esperanza queda convertida en un puro dogma, inmóvil pero latente. Ese dogma, bautizado con el agua de lo intemporal, convertirá la vida de sus seguidores en un completo infierno hipnotizados con la visión de un idílico espejismo al que casi creen alcanzar. Y en pro de llegar a ese paraíso tan al alcance de la mano, todo sacrificio, por duro y despiadado que este sea, será considerado como un simple y obligatorio pago para conseguir esas futuras mieles.

“El que no sabe para qué ha nacido, tampoco sabe qué es él ni qué es el mundo.”

Marco Aurelio destila ciertos aires misántropos al confesar esa absoluta desconfianza en la capacidad del ser humano, en su conjunto, para hacer de este mundo un lugar mejor en donde poder desarrollarse y evolucionar, tanto material como espiritualmente. Todo lo que el ser humano ha considerado como parte de su identidad individual y social, no es otra cosa que un circo de la mentira, del engaño, de la falsedad, de la fantasía y de la burla cruel… y de la decadencia espiritual. En la cultura social humana, lo frívolo y lo esperpéntico lleva reinando por los siglos de los siglos con indiscutible autoridad y poder, y nadie que no reverencie y alabe esas actitudes en público podrá ser admitido como parte de ese ente social. Así es nuestra realidad como especie cuyos individuos se unen formando sociedad, una sociedad que trata de dar sentido a cada uno de ellos.

“Respetamos más la opinión de nuestros vecinos que la nuestra propia.”

Sociedad. Individuo. Poder. Alma. Meditación. Acción. Ética. Moral. Vacuidad. Intrascendencia. Marco Aurelio se mueve en el difícil equilibrio entre lo racional y lo instintivo e intuitivo. Esa es su grandeza y su experiencia, y su libro “Meditaciones” sigue estando al orden del día pese a los siglos transcurridos, retando precisamente a ese olvido del que tanto nos habla en sus páginas. Pero es que Marco Aurelio vivió sintiendo el Tiempo Universal como tiempo sentido en su interior, y para ese tiempo, tanto este libro como nuestras vidas, no son más que un instante. Mientras dure este instante... ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“No consideres de gran importancia morir al cabo de muchos años en vez de mañana.”

Félix V. Díaz
RESEÑA Nº:

En Lux Atenea Webzine solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

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domingo, enero 20, 2008

“CIELO SOBRE BERLÍN”


Dirigida por : Wim Wenders
Actores principales: Bruno Ganz (Damiel), Otto Sander (Cassiel), Solveig Dommartin (Marion), Peter Falk (Peter Falk), Curt Bois (el anciano)
Año : 1987 Duración aprox.: 128 minutos
Publicado por: FILMAX Formato : DVD (edición coleccionista)

“Cuando el niño era niño,...”

Berlín después de la guerra. Como en cada una de las ciudades que forman parte de nuestra moderna sociedad occidental, cada persona es un estado dentro de otro estado con sus ilusiones, sus problemas, sus inquietudes, sus pasiones y sus crisis. Pero también, en cada una de estas mismas ciudades existen ángeles que conviven con sus habitantes. Son ángeles que ven, que observan directamente sin intervenir, y solamente los niños son capaces de descubrir su presencia. Cassiel y Damiel son dos de estos ángeles. Vestidos con largas gabardinas negras, los ángeles han convertido la biblioteca de la ciudad es su centro de reunión, un lugar en donde encuentran al ser humano recorriendo el camino más benéfico y provechoso para su existencia, para su esencia, para su interés, para encontrar esa razón de ser que no es otra que el conocimiento.

“Quisiera notar mi propio peso.”

“Cielo sobre Berlín” es una película de pequeños y profundos detalles. Es una película de sensaciones, de sensibilidades, de humanidad, y como no, de desesperanza. En relación con todos estos sentimientos, los ángeles anotan en sus diarios las reacciones y los aspectos más curiosos que van encontrando en los humanos con los que se cruzan. Por ejemplo, los pensamientos de la gente en un vagón de metro, la tristeza de un niño apoyado en un muro porque otros niños no quieren jugar con él y le han dado de lado, la dura visión de un suicidio, los razonamientos de un anciano en las escaleras de una biblioteca, los recuerdos de este mismo anciano sobre una plaza que ya no existe como tal, salvo en su memoria,... una serie de intimidades que quedan al descubierto para unos ángeles cuya vida espiritual ha quedado al margen de la cruda existencia carnal. Lo cotidiano se desvela con total nitidez a unos seres celestiales que miran, apuntan, pero no actúan.


“¡Tan vacío! ¡Todo tan vacío!”

Uno de los elementos clave de la película es el circo Alekan. Este circo, instalado en un descampado de la ciudad, ofrece sus actuaciones a un público cada vez más escaso. Con la taquilla en plena bancarrota, la desesperanza se empieza a apoderar de toda la compañía, llevándoles finalmente a representar una actuación que será la última. Uno de los personajes principales dentro de su espectáculo es Marion, una trapecista cuya vida artística se ve truncada con este cierre. La escena de Marion llorando frente al espejo se convierte en una de las escenas más emotivas de toda la película, y en su última actuación sobre el trapecio, Wim Wenders ha sabido reflejar excelentemente en imágenes la tensión existente en ese momento de esplendor previo a la gran debacle.

“¿No es la vida bajo el Sol un mero sueño?”

Otro de los elementos más curiosos de esta película son los guiños que Wim Wenders da al personaje del teniente Colombo, protagonizado por el propio actor Peter Falks y que, curiosamente, en esta película se interpreta a sí mismo. Peter Falks es un actor que llega a Berlín para protagonizar una película ambientada en el recién caído régimen nacionalsocialista. Y hablando de los actores, tanto Bruno Ganz como Otto Sander en sus angélicos papeles como Damiel y Cassiel, nos muestran una solvencia y una seriedad a la hora de dar vida a estos complicados personajes que nos hacen verlos con ese aura interpretativa especialmente necesaria para darles verosimilitud. Sus gestos, sus movimientos, y sobre todo, su pausado caminar, son toda una delicia visual para los amantes del cine. Otro de los personajes principales es Marion, protagonizada por la actriz Solveig Dommartin en una de las interpretaciones más complicadas de la película. Su distanciamiento, y a su vez, su batalla interior, quedan muy bien plasmadas en unas escenas de alto contenido sentimental. Y como personaje fugaz pero entrañable, encontramos al anciano interpretado por el actor Curt Bois. Un ser cuya mirada habla por si sola sin necesidad de palabras.

“El tiempo lo cura todo pero, ¿qué pasa si es el tiempo la enfermedad?”

En el guión de “Cielo sobre Berlín”, Wim Wenders trabajó junto a Peter Handke. A la hora de su rodaje, una de las ideas más acertadas que el director ha tenido en la realización de esta película ha sido la de grabar el punto de vista de los ángeles usando cinta cinematográfica en blanco y negro, y por el contrario, para el punto de vista de los humanos pasó a usar cinta en color. Este sistema, unido a la grabación en distintas tomas para mostrarnos escenas con ángeles y sin ellos en tiempo casi real, hace que uno se quite el sombrero ante tal muestra de ingenio. Wim Wenders demuestra ser todo un experto a la hora de hacer que las imágenes rodadas se expresen con sus propias palabras en ese lenguaje universal que ha llevado al cine a convertirse en el séptimo arte.

“Eso es lo que me hace tan torpe, ¡la ausencia de placer!”

La música en la película ha corrido a cargo de Jürgen Knieper, pero “Cielo sobre Berlín” depara grandes sorpresas para los amantes de la música gótica. La presencia de grupos musicales como Tuxedomoon (con su canción “Some guys”), Crime and the city solution (con su canción “Six bells chime”) o Nick Cave and the bad seeds (con sus canciones “The carny” y “From her to eternity”) hará las delicias de los seguidores de la oscuridad de la vida. Las escenas en donde los grupos Crime and the city solution y Nick Cave and the bad seeeds nos ofrecen actuaciones en directo son todo un lujo visual y musical que complacerá al seguidor gótico más fiel. Los carteles que anuncian a Nick Cave and the bad seeds, y que aparecen pegados en las calles, tienen un poder fetichista muy directo y condicionante que le hacen desear a uno poder entrar en la película para disfrutar en vivo estos conciertos en tan siniestra sala. Una de estas imágenes de la película que más se me ha quedado grabada ha sido en la actuación de Crime and the city solution, cuando aparece Marion vestida de negro y bailando junto a la columna. No he podido evitar que mi mente se haya evadido por unos instantes, y como el anciano, haya podido ver delante de mis ojos esos momentos vividos en la sala Strong de Madrid, cuando hace años se abrió como local gótico (¡¡¡gracias Fran por esas sesiones musicales que rompieron con todo en aquellos días!!!) y algunas personas decidieron reservar su parcela al lado de la famosa columna metálica, quedando esta delimitación bien acotada con sus pertenencias en el suelo. De allí no se movían en toda la noche como no fuera para coger una copa, o para bailar, eso sí, sin alejarse dos pasos de su querida columna. Hubo momentos que era muy surrealista ver a seis o siete góticos, y sobre todo góticas, bailando de cara a la mencionada columna. Momentos especiales para gente aun más especial.

“¿Dónde están mis héroes?”

Uno de los grandes avances que ha tenido la llegada del formato DVD ha sido la incorporación de los extras. En el caso de esta película, esta sección incluida adquiere una gran importancia al permitirnos ver esas tomas que, finalmente, fueron eliminadas de la cinta definitiva. Escenas curiosas como la escena del conductor contando chistes a su acompañante, o la preciosa escena de la niña mirando al ángel a través del parabrisas trasero de un Volkswagen, o las escenas del ángel Cassiel imitando a la gente que se paraba delante del concesionario, o las pruebas de invisibilidad de los ángeles realizadas por el director, o escenas tan graciosas como la de las tartas, serían imposibles de ver en formato de video. Y todo esto, sin hablar de la comodidad en el acceso a las diferentes secciones y de la facilidad de manejo a la hora de visualizar estas mismas escenas. Vemos la silueta de un ángel sentado en el asiento de un autobús. Vemos a ese ángel observando la ciudad subido a un monumento, al lado de una estatua convertida en síntesis del espíritu humano. Una vida, una búsqueda. La vida triste y opaca es iluminada por un rayo de luz... “Cielo sobre Berlín”, una película de culto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!.

“Mira mis ojos. Son la imagen de la necesidad.”

Lux_Atman

Artículo Nº: 261
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sábado, enero 19, 2008

“BATTLE ROYALE”


Dirigida por : Fukasaku Kinji
Actores principales: Beat Takeshi (Profesor Kitano), Shibayaki Kou (Mitsuko)
Año : 2000 Duración aprox.: 114 minutos
Publicado por: MANGA FILMS, S.L. Formato : DVD

“Al inicio del milenio, la nación sufrió una profunda crisis. Con un quince por ciento de desempleo, diez millones de personas quedaron en paro. Ochocientos mil estudiantes boicotearon los institutos. Los adultos dejaron de confiar en la juventud y empezaron a temerla. Finalmente, se aprobó la ley de la reforma educativa del milenio, también conocida como ley B.R”

Con esta introducción comienza la película “Battle Royale”. Frente a una situación cercana a la anarquía en el sistema educativo, se ha aprobado la ley B.R. Los alumnos que son sometidos a la ley Battle Royale, son reunidos en un grupo del que sólo sobrevivirá uno. La clase B de un instituto ha sido seleccionada. Cuarenta alumnos a los que se les unirá dos incorporaciones sorpresa. Desorientados, frente a esa amarga sorpresa, y bajo control militar, son tratados como animales y soltados en un medio hostil cuya ley es la ley de la jungla, la ley del más fuerte, ¿O del más listo? ¿O del que tiene más suerte? ¿O del más insensible? Ya se verá…

“...la vida es un juego. Así que luchad, luchad por sobrevivir y averiguad si realmente lo merecéis.”

El grupo ha sido trasladado a una isla y cada alumno tiene un collar explosivo en el cuello que se activará cuando las normas se incumplan. Tendrán avisos cada 6 horas informando sobre las zonas peligrosas en la isla, lugares en donde permanecer cuando estas son activadas supone la muerte segura. Estarán allí durante tres días, pero en ese periodo de tiempo solamente se puede salvar uno de ellos, por lo que si sobreviven más de uno, todos los collares explotarán. A cada uno de ellos se les da una mochila de supervivencia que incluye, a parte de comida y objetos para el aseo, un arma, pudiendo ser esta desde un subfusil, una pistola automática, un revolver, una escopeta, un chaleco antibalas,... hasta una espada samurai, una ballesta, una navaja, unos prismáticos,... Porque en la isla, todo vale. No hay reglas. La supervivencia de una sola persona es lo único que vale. Todo lo demás dependerá de cada uno de ellos. La confusión, la tensión y el miedo a perder la vida son tres ingredientes fundamentales para desencadenar los actos más irracionales y violentos, y en un escenario así, ¿Confiarías en tu mejor amigo? ¿Y en una dulce jovencita? ¿Y en palabras que hablan de paz? ¿Crees que la unión, la fraternidad y el amor triunfarían en un medio tan salvaje como ese? ¿Cuál es la verdadera cara del ser humano? ¿Triunfará el instinto de supervivencia y los pensamientos más egoístas? ¿Es el débil, una presa fácil?



Beat Takeshi, en su papel como Profesor Kitano, es un profesor frío, firme, estricto pero con una pesada mochila a la espalda llena de cargas emocionales. Su interpretación es muy buena, destacando sobre todo su mirada y su impasibilidad. Pero Takeshi comparte protagonismo con otra buena actriz, Shibayaki Kou, interpretando el papel de una de las alumnas, Mitsuko, una dulce jovencita que, guadaña en la mano, ve cambiadas sus prioridades en la vida radicalmente. La imagen de Mitsuko impacta, y en algunas escenas llega incluso a cruzar los límites del cine violento para pasar, por unos instantes, al cine de terror. Desde luego, Shibayaki Kou tiene grandes cualidades para destacar como actriz ideal para personajes cargados de intensidad y expresividad. Porque no lo duden, en el reino de los gestos los japoneses son auténticos genios, convirtiendo los movimientos corporales en puro arte. De esta manera, mediante el uso de esta técnica los gestos de los personajes acercan la tensión en la acción que transcurre en cada escena al espectador, haciendo que lo viva mucho más intensamente.

“¿Matar? Todo el mundo tiene motivos para matar.”

El toque de música clásica que se ha utilizado como banda sonora de la película es un contrapunto necesario que da contraste, que realza los actos de violencia. Su paralelismo con la película “La naranja mecánica”, que también destacó por su violencia contenida, es inmediato. Música clásica y violencia, lo racional y lo irracional mezclados para exaltar la barbarie.

“Cuando un adulto habla hay que callar y escuchar”

Esta película ha sido dirigida por Fukasaku Kinji, que en el momento de rodarla contaba con setenta años de edad y “Battle Royale” es su película número sesenta. En una persona de su edad es digno de mérito y elogio verle con esas ganas de hacer cosas, de crear, y viendo el Making Of incluido en los extras del DVD, Fukasaku nos sorprende con un derroche de energía y vitalidad que más quisieran poseer algunas personas mucho más jóvenes que él. En su faceta como director, tras muchos años de experiencia a sus espaldas, se ha convertido en un maestro del cine violento. Pero en esta creación cinematográfica suya, la sangre es utilizada sin tenerla que hacer correr en auténticos ríos, como acostumbran a usarla normalmente en muchas otras películas orientales. Por lo tanto, “Battle Royale” es una película violenta pero sin llegar a saturar por su exceso de sangre gratuita.

“¡Me has hecho una herida que me dejará marca!”

En la película destacan escenas como en la que aparece la cara de una ganadora de la prueba, al inicio de la película; o la escena del autobús, en donde todos los alumnos se quedan dormidos menos uno; o la escena en donde rueda una cabeza con casco y una bonita dentadura; pero sobre todo, destacan las escenas en donde aparece la imagen del video explicativo de Battle Royale y la isla en donde van a ser confinados. Es todo un guiño al mundo freaky, ¿Alguien se atreve a cuchichear? Dando término a este artículo, comentar que el final de la película sigue la misma línea de las últimas creaciones cinematográficas japonesas, incluyendo, como no, la rayada de turno. Esa es la magia del país del Sol Naciente. “Battle Royale” es acción, violencia y muertes, muchas muertes. El juego ha dado comienzo... ¡¡¡Disfrútenlo!!!.

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Lux_Atman

Artículo Nº: 260
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viernes, enero 18, 2008

“LOS RÍOS DE COLOR PÚRPURA”


Dirigida por : Mathieu Kassovitz
Actores principales: Jean Reno (Comisario Pierre Niemans), Vincent Cassel (Max Kerkerian)
Año : 2000 Duración aprox.: 101 minutos
Publicado por: COLUMBIA TRISTAR Formato : DVD

“Dichoso aquel que ha podido desentrañar las causas secretas de las cosas”

Colgado en la pared de un acantilado es encontrado el torturado cuerpo de un bibliotecario universitario. Es encontrado sin ojos y sin manos. Lejos de allí, en una pequeña ciudad se ha producido la profanación de una tumba en un cementerio y un robo en el archivo de un colegio. A estos dos hechos les une un hilo común, un nombre: Judith Hérault. Así comienza esta película, este thriller ambientado en un medio natural agreste, como es la alta montaña, en donde los paisajes sublimes menguan considerablemente el poder del propio ser humano.

El asesino. Un ser metódico que deja a sus víctimas exactamente como quiere que los descubran. Un juego de pistas que permite al asesino ir situando a los investigadores en los lugares por él determinados. Allí y en ese momento, las reglas son sus reglas.

“Nadie mejor que yo. Me llaman el enterrador.”

En medio de este enigma se encuentra la Universidad de Guernon, una antigua institución caracterizada por su cuidada y especial selección a la hora de escoger su personal y alumnos. Guernon tiene gran influencia en la zona y dirigiéndola se encuentra un rector cuyas razones ni convencen, ni facilitan en algo las investigaciones abiertas en este escurridizo caso.

“Somos los amos, somos los esclavos, omnipresentes y en ninguna parte, dominamos los ríos de color púrpura.”

A cargo de la investigación se encuentra el comisario Neumans, papel interpretado por el conocido actor francés Jean Reno, un pausado inspector permanentemente atento y concentrado con todo lo que le rodea. No desea que ningún detalle se le escape. En su investigación se cruzará el teniente Max, interpretado por el actor Vincent Cassel. El teniente Max es como un perro de presa que persigue y persigue constantemente su objetivo, siguiendo su rastro hasta dar con él. Incansable, se guía fundamentalmente de su instinto y de su fino olfato investigador. Tanto en uno como otro caso, estos dos actores realizan unos papeles como investigadores muy verosímiles, con gran realismo y minuciosidad que provocan en el espectador la incuestionable creencia en la trama.



Desde mi punto de vista, es una pena que estas dos buenas interpretaciones se vean un poco ensombrecidas por las figuras de los dos policías, que acompañan al teniente Max, en unas escenas que quieren parecer humorísticas. Por ejemplo, escenas como la de estos dos policías jugando con las novicias quita mucha seriedad a la película, o la otra escena protagonizada por unos skins un poco surrealistas y muy poco creíbles. En estos casos, el director de la película Mathieu Kassovitz no ha estado para nada acertado, todo lo contrario al gran estilo que tiene a la hora de obtener esas tomas que nos hacen amar al cine. Unas tomas cercanas que aproximan los personajes al espectador y que, aunque no son visualmente espectaculares, te mantienen con una intriga constante hasta el final cuidando siempre la incertidumbre. Por todo ello, con “Los ríos de color púrpura” podemos disfrutar de una buena película cuyos paisajes montañosos rodeando valles aislados, imprimen una mayor fuerza y una mayor intensidad a la historia.

“...son nuestra identidad biológica.”

En “Los ríos de color púrpura” podemos ver escenas sorprendentes, como la del teniente colocando una banqueta en un local, o la del hombre de los ojos vidriosos, o escenas tensas como la del comisario en la carrera por la escalera, o la del teniente corriendo en la pista de atletismo. O escenas inquietantes como la bajada por la grieta del glaciar y la entrada en la gruta formada bajo el mismo. Resumiendo, “Los ríos de color púrpura” es un buen thriller para ver repetidas veces en busca de detalles. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 259
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miércoles, enero 16, 2008

“AMERICAN PSYCHO”


Dirigida por : Mary Harron
Actores principales: Willem Dafoe (Inspector Donald), Christian Bale (Patrick Bateman)
Año : 2000 Duración aprox.: 98 minutos
Publicado por: COLUMBIA TRISTAR Formato : DVD

“- ¡Eres inhumano!.
- No, estoy en contacto con la Humanidad.”


Basada en la novela de Bret Easton Ellis del mismo nombre, todo un best seller, Mary Harron se atrevió a llevarla al cine de forma bastante arriesgada dada la gran complejidad existente tanto en la trama como en el personaje de Patrick Bateman. En toda versión cinematográfica que se realiza basándose en un libro, siempre hay partes del mismo que no quedan reflejadas en imágenes, pero en este caso, ese aspecto no ensombrece para nada el excelente trabajo realizado. El culto a las apariencias existente en ciertos círculos de alto poder adquisitivo queda muy bien reflejado en la película. Como ese juego hipócrita del aparentar ser lo que no se es, pero en un mundo en el que se adora el lema “el fin justifica los medios” de Maquiavelo. ¿Qué se puede esperar encontrar en estos ambientes? “American Psycho” es otro estilo. Un estilo acorde con la jungla de asfalto en donde se desarrolla.

“Buena imagen, ¡maravillosa!”

Patrick Bateman es la cara oscura del ser humano. Estéril en su reino esterilizado, siempre impoluto, con compostura, con una pulcritud convertida en la imagen del éxito. Pero detrás de su sonrisa, detrás de su cuidado corporal, detrás de ese yuppie con una fortuna en la cuenta bancaria se encuentra una oscura sombra, la sombra del éxito. Patrick Bateman es un esclavo del cuerpo, un yuppie materialista y envidioso. Un adicto al dinero que hará lo que sea para que sus deseos materiales se hagan realidad. Afilado como una cuchilla, calculador y ordenado hasta la obsesión, cree que el mundo es su territorio. Su coto privado. Un lugar donde puede hacer y deshacer lo qué desee, cuándo lo desee y cómo lo desee. Y si algo entorpeciera sus designios o sus caprichos, sufrirá una brusca transformación pasando de la serenidad más absoluta a la violencia más salvaje porque Bateman es un ser que no es dueño de sus impulsos. No solamente no los controla sino que le dominan. La agresividad sale por cada poro de su piel cuando algo no sale como el quiere, o como el desea, y todo ello le lleva a cometer los actos más atroces con aquellos que osan ponerse por delante de él, o que, simplemente, le molestan en ese momento.

“¿Quién es Ted Bundy?”

Pero no nos confundamos, en Bateman no existe el sentimiento de culpabilidad porque está muerto y su ataúd está enterrado bajo su piel. La indiferencia ante sus crímenes es absoluta; es más, sus asesinatos son casi rituales. Sádico, narcisista hasta el extremo de romper los espejos con solo mirarlos, Bateman es un ser que ofrece caricias muy peligrosas. Un ser egoísta al que los sentimientos de los demás le traen sin cuidado. Si hablamos de su sadismo, sus dibujos hablan por si mismos: Su dietario lo ha convertido en un bonito manual de anatomía. Poco más se puede decir.

“¡Adiós, Don Ejecutivo Agresivo!”

Tras esta descripción de Patrick Bateman, se intuye que el actor Christian Bale se ha vaciado interpretando este difícil personaje, un papel que ha bordado en todos sus aspectos. Respecto al otro genial actor del reparto, Willem Dafoe, en su papel como inspector no tiene muchas oportunidades para explotar mucho más el personaje, quedando entre dos aguas a lo largo de toda la película. De su interpretación, nos quedamos con esas sonrisas que no sabemos muy bien si están escondiendo un as en la manga, o son pura cortesía.



Como en todo buen thriller que se precie, las escenas que veremos nos dejarán impresionados tanto por su intensidad como por su impacto visual. Así, escenas como la persecución por los pasillos de la planta del edificio, nos dejarán un poco alterados. Pero en “American Psycho”, las escenas que más me han llamado la atención han sido algunas como la de Patrick y su novia en el taxi, él escuchando lo último de Robert Palmer y ella organizando asuntos; o la escena en la cual Bateman llama al restaurante, y recibe una peculiar respuesta por parte de quien le atiende; o la escena de las tarjetas de presentación con una atmósfera de envidia y vanidad que casi ahoga; o escenas con cierto toque de humor como cuando Bateman va al cuarto de baño a saludar a uno de sus compañeros y...

Entonces Bateman, ¿mata para ver muerto aquello que tiene en su interior y no quiere ver? ¿Mata para no ver a aquellos que piensa que están por encima de él? ¿Mata para sentirse más allá del Bien y el Mal? “Quiero que los demás sientan mi dolor”, con frases como estas saliendo de su boca, ¿será Patrick Bateman una víctima, según la doctrina actual “políticamente correcta”? ¿Habrá que comprenderle y verlo más como una víctima en vez de como un verdugo? ¿O será todo fruto de su imaginación? ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 258
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martes, enero 15, 2008

“EL ÚLTIMO ESCALÓN”


Dirigida por : David Koepp
Actores principales: Kevin Bacon (Tom Witzky), Illeana Douglas (Lisa), Kathryn Erbe (Maggie Witzky), Zachary David Cope (Jake)
Año : 1999 Duración aprox.: 95 minutos
Publicado por: LAURENFILM, S.A. Formato : DVD

“¿Te hace daño estar muerta?”

Tom y su esposa Maggie asisten a una fiesta y al final de la velada, junto a un grupo de amigos, empiezan a hablar del poder de la hipnosis. En este grupo se encuentra Lisa, hermana de Maggie, una persona con creencias en las ciencias paranormales y en el Más Allá. Todo lo contrario a Tom, una persona muy escéptica en esos temas. En defensa de su incredulidad y en apoyo a sus ideas, Tom decide someterse a una sesión de hipnotismo de la mano de Lisa para dejarla en evidencia. Tras esta sesión, la vida de Tom no volverá a ser la misma. Comenzará a sentirse un poco raro y empezará a ver imágenes aparentemente aleatorias y sin conexión con su realidad presente. ¿Estará Tom padeciendo una sugestión post-hipnótica? ¿O tal vez tenga un estado alterado de consciencia, una puerta abierta a todo lo que está a su alrededor?.

“SLEEP”

“El último escalón” es una película escrita y dirigida por David Koepp, una película que podemos catalogarla como de Terror y Suspense. La música, a cargo de James Newton Howard (compositor que ya he comentado anteriormente en el artículo que escribí sobre la película “Pactar con el Diablo”) es sugerente y encaja perfectamente en el desarrollo y evolución de la película. Desde luego, un compositor de esta categoría es toda una garantía de originalidad y sentido a la hora de incluir una banda sonora en una película de calidad. Para dar credibilidad a una película, a parte de aspectos fundamentales como la interpretación (que comentaré más adelante), la imagen, los escenarios,... hay uno que desde mi punto de vista es clave. Este no es otro que los pequeños detalles. Detalles como el frío que emite el fantasma y cómo afecta a todo lo que se encuentra cerca de él; la alteración del tiempo cuando se produce una aparición; la ingesta exagerada de líquidos que realiza Tom; la sucesión e intensidad de las visiones que padece; e incluso, la excelente relación que el director llega a establecer entre el sexo y los estados de trance. Unos flashes hacia lo inexplicable. Unos saltos al otro lado de lo comprensible. En resumidas cuentas, unos detalles que acercan la ficción de la película a la realidad del espectador para poder atrapar su interés y atraer su atención.

“¿También tienes ojos de rayos X?”

En esta película, el actor Kevin Bacon realiza una excelente interpretación de un personaje bastante complejo. Tom Witzky es un hombre con aires de fracaso, una persona decepcionada cuya vida familiar se ve bruscamente desequilibrada tras esa sesión de hipnotismo. En la interpretación de su papel, destaca con el mensaje de su mirada, con la rotundidad en sus gestos y con una tensión en el rostro que habla por sí solo.

Si hablamos de su esposa Maggie, interpretada por la actriz Kathryn Erbe, la obsesión que empieza a observar en el comportamiento de su marido se convertirá en una difícil situación para una persona que no posee ni entiende ese poder. Su comprensión se limita a la razón, pero cuando algo ha superado los límites de la misma razón, esta comprensión resulta una ardua tarea, y mucho más, cuando este estado alterado de consciencia lleva al individuo a estados de excitación nerviosa y de estallidos de agresividad. Redondeando este selecto muestrario interpretativo, el joven actor Zachary David Cope en la piel de Jake, hijo de Tom y Maggie, da ese sostén a la trama haciéndola más profunda y luminosa.



Y como no, en una película de Terror y Suspense no pueden faltar esas escenas que nos impacten. En el caso de “El último escalón”, la primera escena que nos deja en ese estado es la transformación del cine. Luego, escenas inquietantes como la de Tom frente al espejo y el diente, o la del sueño premonitorio, o escenas con cierta gracia como la de Jake, Tom y la guitarra, u otras escenas angustiosas como la de Maggie cuando se toma un baño, convierten a esta película en una seria candidata para ser mencionada en tertulias. Como recomendación cinematográfica, “El último escalón” es una película seria y de calidad cuya complejidad nos llevará a sacar nuevos detalles cada vez que volvamos a visionarla.

“DIG”

Abrir una puerta muchas veces puede resultar bastante complicado, pero volver a cerrarla es más fácil que pueda resultar imposible. Así es “El último escalón”. Por cierto, una pregunta: ¿cuántas veces necesitó repetir Kevin Bacon la escena del cubo y la ventana? ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 257
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lunes, enero 14, 2008

“BLOOD, EL ÚLTIMO VAMPIRO”.

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Desde el año 2006 difundiendo pasión por el Séptimo Arte a través del análisis de obras pertenecientes a la cultura cinematográfica más selecta y underground.


Dirigida por : Hiroyuki Kitaburo
Año : 2000 Duración aprox.: 48 minutos
Publicado por: SELECTA VISION
Formato : DVD

“El suicidio es la última opción.”

Años sesenta. Japón. Una serie de misteriosas muertes ha activado las alarmas de una organización secreta, desatando las sospechas de un posible despertar de seres maléficos. Esta misma organización cuenta con la ayuda de una destacada agente. Su nombre: Saya. Saya es encanto y determinación, frialdad y estado de alerta, la soledad vestida de colegiala en permanente estado de abstracción y con ojos tan brillantes como el filo de su katana. La realidad del mundo va en dirección contraria a la suya y, mientras tanto, en el centro educativo de una base norteamericana en territorio japonés se preparan para celebrar la noche de Halloween pero será una noche muy movida, y una celebración muy especial para alguno de ellos. Tras el éxito del mítico largometraje “Ghost In The Shell”, “BLOOD, El Último Vampiro” se ha convertido en la primera película de animación digital, además de haber sido publicada en el año 2000 en novela, película, videojuego para Playstation 2, y, a finales de ese mismo año, haber sido trasladada al mundo del cómic gracias al impecable trabajo de Kenji Kitayama (encargado del guión) y B. Tamaki (encargado del dibujo).

“¡Entra!”

La película “BLOOD, El Último Vampiro” es dirigida por Hiroyuki Kitaburo, producida por el mítico Mamoru Oshii y su equipo (películas “Ghost in the shell” y “Patlabor”) bajo el guión de Katsuya Terada, aunque esta historia había sido creada por el propio Mamoru Oshii. Tanta calidad artística unida en este proyecto ha hecho de “BLOOD, El Último Vampiro”, una película espectacular, una película de animación que impresiona por su trama y realismo que, sostenida por música compuesta por Yoshihiro Ike, se convierte en el fidedigno reflejo de las diferentes emociones, tensiones y circunstancias desarrolladas en cada escena, consiguiendo que “BLOOD, El Último Vampiro” se convierta en una película de recogimiento y concentración. El diseño ha corrido a cargo de Shinji Takagi, ofreciendo estos perfiles aterradores remarcados en el trazo que son tan característicos en esta película y que refuerzan el equilibrio de la escena tan bien elaborada. Y es que la sutilidad se convierte en arte en “BLOOD, El Último Vampiro ” mientras los movimientos de cámara evolucionan y se fijan en planos que dan a la acción, una intensidad explosiva muy marcada, motivo por el cual, recomiendo muy especialmente el “Making off” incluido en los extras del DVD. De lo más interesante.


“No dejan vivo a nadie que hayan decidido matar. A nadie que haya visto su verdadera forma.”

Y si entramos en el mundo de las texturas y de los detalles en esta película, los cinéfilos lectores de Lux Atenea Webzine quedarán perplejos ante tal despliegue de calidad. La luz, los reflejos, los cambios en los tonos de los colores que, tras ser iluminados, ofrecen una realidad virtual apoyada en un amplio uso del diseño en 3D magistralmente integrado con diseños en 2D. Los ambientes, sus atmósferas, atraen el interés del espectador con unos detalles que impresionan como los reflejos de las luces nocturnas sobre el cristal de la cabina del helicóptero, o el detalle de los agujeros de bala en la chapa del hangar a través de los cuales Saya mira al exterior. O el realismo de la luz de los fluorescentes, de la trompeta de uno de los músicos de la orquesta, del humo del cigarrillo que fuma una de las prostitutas... porque “BLOOD, El Último Vampiro” es una sucesión de escenas que quedan imborrables en la mente del espectador. Saber que todo es fruto del arte de la animación, y ver ese avión de transporte C-130 despegando de la base aérea, nos sobrecoge; ver al diabólico ser sobre el hangar ardiendo, es hipnótico; ver el baile que se está celebrando en la noche de Halloween con la pista llena de gente bailando, es admirable; y disfrutar de escenas como la del vigilante del parque móvil, ofrecen esos contrapuntos insustituibles en toda película de animación seria. Y una imagen en mi memoria tras haber terminado de ver y analizar esta película: El rostro de Saya con el brazo estirado y sangrando. ¡¡¡Impactante!!! La quietud se ve rota por el sonido de un teléfono sonando. “BLOOD, El Último Vampiro”, el suburbano está a punto de dar su cierre... en un convoy sólo quedan dos pasajeros en uno de los vagones... las luces se apagan y la suerte queda echada... la investigación seguirá su curso... una antigua maldición está latente... y los demonios han regresado y están sedientos de sangre. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Escucha. ¡Olvida lo que has visto!”

Félix V. Díaz
RESEÑA Nº:

En Lux Atenea Webzine solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Otras reseñas recomendadas:

domingo, enero 13, 2008

“PACTAR CON EL DIABLO”


Dirigida por : Taylor Hackford
Actores principales: Al Pacino (John Milton), Keanu Reeves (Kevin Lomax), Charlize Theron (Mary Ann Lomax), Jeffrey Jones (Eddie Barzoon), Craig T. Nelson (Alexander Cullen)
Año : 1997 Duración aprox.: 138 minutos
Publicado por: WARNER BROS. Formato : DVD

“Si el diablo te comenta que te cortes el pelo, ve eligiendo peluquero”

Ser una persona imbatible en el trabajo debe ser una sensación muy poderosa, y si encima, se recompensa ese éxito siendo considerado un elegido dentro de una empresa, entonces el afortunado debe sentirse el rey del mundo. Sobre esta base gira “Pactar con el Diablo”, una película basada en la novela escrita por Andrew Neiderman.

En el fondo, “Pactar con el Diablo” es una película que nos habla sobre la esencia del ser humano, o mejor dicho, sobre ese Ego permanentemente insatisfecho de todo, aun teniéndolo todo. Éxito, prestigio, victorias, fama,... no son otra cosa que leña en la hoguera insaciable del Ego, pero esos excesos no son gratuitos. Al final, siempre pasan factura porque el ser humano que juega a ser Dios, siempre acaba cayendo en su propio Infierno. Si hablamos de poseer bienes, de acumular cosas materiales, entonces el ser humano es capaz de cualquier cosa con tal de poder adquirirlos. Por lo tanto, el resumen de este análisis no es otro que cada ser humano no hace más por su Ego no porque no pueda, sino porque no tiene oportunidad para lograrlo. Y si este bien material es el dinero, el tiempo se irá evaporando en pro del dinero, y además, siempre el dinero que llegue nunca será suficiente. A más dinero, menos vida con quienes te quieren. Los deseos, la ilusiones, la popularidad,... juegan con los sueños más íntimos en una lucha entre lo material y lo espiritual. Si quienes te quieren protestan por tu ausencia en sus vidas, siempre creerás que con comprarles una jaula de oro, todo estará resuelto. Como muy bien comenta una de las protagonistas en la película, para poder ver a su marido “tiene que concertar una cita”.

Pero, ¿qué sucede si todo se empieza a torcer? Siempre quedarán los vicios para tapar esos agujeros que empiezan a aparecer en tu vida. Alcohol, drogas, sexo,... el desenfreno absoluto para tapar la mala conciencia porque la conciencia no se deja vender, ni atontar, ni engañar. Así, en la película podemos comprobar como Kevin Lomax y su mujer, Mary Ann, pasan del beso continuo, al beso en la cara, y de ahí, a la falta de contacto según Kevin va escalando más y más puestos, según va ganando más y más dinero, según Kevin va creyéndose más y más invencible satisfaciendo a su Ego.

Respecto a la crítica que se observa en la película sobre el poder del sistema judicial en la sociedad moderna, esta es sencillamente real y palpable. El poder judicial es el rey de nuestra sociedad, y aquellos que forman parte de su estructura están situados por encima del ciudadano corriente. Todos conocemos su inmenso poder. Por algo se le llama el Poder Judicial. Las palabras hablan por sí mismas.



Finalizando estos apuntes sobre las temáticas tratadas en la película, otro de sus pilares principales se sustenta en los poderes ocultos que existen sobre la tierra, poderes que cuentan con la ventaja de la incredulidad sobre su existencia por parte de un porcentaje creciente de la población occidental. En un mundo capitalista, materialista, en donde lo material lo es todo, y el dinero es el nuevo y poderoso Dios, actualemente hablar de la existencia de poderes sobrenaturales que viven, se desarrollan, influyen y marcan nuestra vida como especie es menos creíble que hablar de la identidad política de Caperucita Roja, o decir que el Lobo Feroz era en realidad un activista de Greenpeace. Lo espiritual está en franco retroceso y el culto a lo material disfruta de unos expansivos momentos de gloria.

Entrando en la estructura de la propia película, destacan en ella tanto la iluminación como los efectos especiales, realzando considerablemente cada uno de los escenarios en los que se mueven los personajes. Los decorados son impactantes, especialmente en la guarida de Philip Moyés y en la acuática azotea del rascacielos de John Milton. Esto, unido a una banda sonora original compuesta por James Newton Howard, y excelentemente encajada en el desarrollo de la misma, convierten a “Pactar con el Diablo” en una película completa y muy bien vertebrada. Y si hablamos de escenas, hay imágenes que se quedan en la retina del espectador, como por ejemplo, la escena en donde Kevin entra en la iglesia que se ha refugiado su esposa, o la escena en donde Kevin se encuentra andando por una desierta avenida de Manhattan, o la otra escena en donde las estatuas de la escultura que tiene John Milton en su despacho, cobran vida. Por supuesto que se quedan en el tintero algunas escenas memorables sin mencionar, pero no conviene desvelarlo todo en una gran película como esta. Una curiosidad: En el trailer cinematográfico incluido en los extras aparecen escenas que no salen en la película. Incluso se puede observar en una de las tomas la sombra de uno de los cámaras grabando la escena sobre la plataforma de una grúa. (Atenea dixit).

¿Quién es el personaje principal de esta película? Indudablemente, John Milton (Al Pacino). Tratar de descubrir a Al Pacino ahora, y más en esta película, me parece una estupidez, pero en cambio, si quisiera destacar como Al Pacino da vida a John Milton, no solamente con sus actos y palabras, sino con el lenguaje de los gestos. Por este motivo, su sonrisa, su risa, su mirada,… se convierten en piezas fundamentales a la hora de dar realismo y credibilidad a este complicado personaje. Y todo esto, unido a unos escenarios sobrecogedores como el salto de agua de la azotea con la ciudad a sus pies, hacen que Al Pacino convierta esta película en una gran película. Un prestigioso toque de interpretación que está únicamente reservado a los grandes actores.

Si verdaderamente aman el séptimo arte, no duden en ver esta película en su versión original, e inclínense ante el despliegue interpretativo y artístico que Al Pacino nos ofrece en esta película. Con un excelente guión en las manos, de su boca surgen maravillosas palabras como estas (frases traducidas, obviamente):

- “... (el cuello) una tierra sin dueño en donde luchan la mente y el cuerpo”
- “Narcisismo, la droga más natural”.
- “La culpabilidad es un pesado saco de piedras. Tienes que librarte de él lo antes posible”.
- “La virtud del diablo está siempre oculta”.
- “La vanidad es sin duda, mi pecado favorito”
- “Es tan bella que te deja helado”
- “La presión, la presión lo cambia todo. Algunas personas al límite, responden. Otras, fallan”.
- “Yo soy la sorpresa”


Como punto y final para este artículo, he seleccionado este fragmento de la película en donde John Milton realiza una cuidada y precisa vivisección del ser humano en la sociedad actual. “Pactar con el Diablo”, una de mis diez películas favoritas. ¡¡¡Disfrútenlo!!!.

“Coge y acerba el apetito humano hasta que puedas romper los átomos con su enorme ansia. Levanta egos del tamaño de catedrales, y con fibra óptica conecta el mundo con sus egocéntricos impulsos. Adorna las atribuciones más osadas con oropel, dólares y fantasías hasta que todo ser humano sea aspirante a emperador. Sea su propio Dios, y Eddie será el resultado. Mientras buscamos nuestro propio beneficio, ¿quién cuida del planeta? El aire es más plomizo, el agua más ácida, hasta la miel tiene cierto regusto metálico gracias a la radioactividad. El mundo se acaba... No hay tiempo para pensar, para prepararse, han hipotecado el futuro, a corto plazo, pero no hay futuro. Estamos sobre un caballo desbocado. Quieras o no, el mañana está en manos de un millón de Eddies Barzoon. Un montón de capullos dispuestos a dar por el culo a este planeta de Dios, y luego lavarse las manos como si no hubiera pasado nada, para volver cuanto antes a los ordenadores para acumular sus putas horas extra, y volver luego a casa.

Eres responsable de tus propios actos, Eddie. En este juego, uno no puede plantarse.”


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Lux_Atman

Artículo Nº: 255
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sábado, enero 12, 2008

“HELLRAISER: BLOODLINE”


Dirigida por : Alan Smithee
Actores principales: Bruce Ramsay (Saga Marchant), Doug Bradley (Pinhead), Valentina Vargas (Angelique), Mickey Cottrell (Duc De L´Isle)
Año : 1996 Duración aprox.: 83 minutos
Publicado por: FILMAX Formato : DVD

La película “Hellraiser: Bloodline” es la cuarta entrega de la saga creada por el mítico Clive Barker. En esta ocasión, nos encontramos en el año 2127 en el interior de la nave espacial diseñada por el doctor Merchant. El doctor ha secuestrado su obra maestra, o sea, esta nave espacial, ha dejado marchar a su tripulación, y en solitario se dispone a manipular un objeto muy especial mediante un robot. La verdad es que el detalle de la utilización de la realidad virtual para la manipulación a distancia de objetos es una idea que me ha llamado bastante la atención, ya que en el espacio, creo que será de uso común en el futuro. Estas escenas iniciales ya consiguen que nos quedemos enganchados a la película desde los primeros minutos.

Bloodline. Linaje. Un juego cuya vida lleva siglos existiendo y en el que el flash-back se convertirá en el aspecto esencial de esta película. El doctor Merchant nos narrará la historia de este mortal cubo desde su construcción, obra creada en el siglo XVIII por su antepasado Phillip L´Merchant, (maestro en la construcción de juguetes) y encargada por el señor Duc De L´Isle, un sutil guiño al escritor francés Villiers De L´Isle-Adam (creador del conocido e impactante libro “Cuentos crueles”). Las manecillas del reloj han retrocedido hasta situarnos en el siglo XVIII, el siglo de las luces, el siglo de la Razón en el cual se negaría la existencia del Cielo, y por consiguiente, del Infierno. Más adelante, conoceremos el nacimiento de una demoníaca femme fatal llamada Angelique, una mujer con un ansia insaciable de sangre y poder gracias a un poderoso aliado, el tiempo. A partir de aquí, el resto de la película queda en sus manos.

“Hellraiser: Bloodline” es una excelente película que considero más de horror que de terror. Es posible que haya personas de corta edad que tras haber tenido ocasión de ver esta película, les haya provocado terror, pero en un público más adulto, creo que esta película atrae más por el horror que observan, que por el terror que pueda provocarles. Existen excepciones, por supuesto, pero creo que esta película no destaca por sus sobresaltos, sino por su impacto visual, y siendo más concreto, creo que una persona gótica, o atraída por lo gótico, disfruta más viéndola por su atmósfera y estética que por los hechos que acontecen.

Así, “Hellraiser: Bloodline” es una película en donde se pueden ver excelentes ambientaciones oscuras en una atmósfera extraña, pero verosímil, y cuyos decorados se convierten en un homenaje al cine de horror. Las sombras, las figuras representadas en los cuadros, las cadenas que parecen caer desde el cielo de los muertos, el material médico, los relojes, las velas, los candelabros, las cabezas de los querubines que decoran los más diversos objetos, los ganchos, las calaveras, las cabezas de animales disecadas, los plásticos manchados de sangre, los restos de carne esparcidos por el suelo, los ingenios de metal dignos de un sofisticado laboratorio de investigación especializado en tortura,... pero sobre todo, destacan los siniestros pasillos, marca de la casa, cuyas paredes nos hablan crudamente sobre dolor y sufrimiento.



Pero no todo es tan claramente oscuro. Por ejemplo, el palacio de De L´Isle es una exquisitez digna de unos personajes cuya elegancia y caballerosidad no se encuentra para nada reñida con la intriga y la oscuridad. Un siniestro juego en donde nada es lo que ven los ojos, y donde la magia ofrece su más oscuro rostro. Duc De L´Isle nos dice que “Quien invoca la magia, manda sobre la magia...”, pero la letra pequeña nos informa que el precio que se paga con su uso se llama alma. En este asunto, me gustaría destacar el excelente uso de la luz en la invocación. ¿Por qué el Mal siempre ha de ser oscuridad? Por cierto, me dejaba un delicado tema que marca la saga Hellraiser: el uso de la sangre. En la saga Hellraiser, la sangre se hace imprescindible pero sin llegar a los absurdos y extremos usos del cine gore. Así, la sangre en comunión con el metal, otra fundamental marca de la casa, se convierte en símbolo con el cual captar la atención del espectador. Un metal que nos hace sangrar en su nacimiento, y nos vuelve a hacer sangrar durante su uso. El metal esclaviza al hombre, lo ata, lo inmoviliza, lo hace sufrir,... el metal hace sangrar a los espíritus libres.

Continuando con los diseños en la película, estos rozan la genialidad. Los cenobitas han sido creados para entrar en el salón de los seres de culto, y respecto al cubo, este no es otra cosa que un auténtico fetiche. El cubo, la relación entre lo material y lo espiritual. Entre lo inerte y la vida. El Mal, mostrado como un peligroso juego y el cubo es la máquina que no solo altera la materia, sino que interactúa con las fuerzas sobrenaturales. Y que se puede decir del perrito de Pinhead y del sonido de sus mandíbulas, un gesto destinado a poner nerviosa incluso a la persona más calmada.

El vestuario en esta película es muy acertado. La sensualidad, en su justa dosis. El desarrollo, ligero pero creíble. El suspense, muy bien llevado sin llegar a saturar al espectador, y las escenas consiguen quedarse grabadas en la mente del espectador como las marcas de los ganchos sobre la piel. Escenas como la de los dos guardias de seguridad cuando descubren la puerta que no está en el plano del edificio; o la escena en la que podemos ver las lágrimas de Angelique frente al espejo, y la posterior imagen de Pinhead reflejada en los otros espejos que la rodean; el encuentro de Pinhead con los gemelos en donde las palabras de Pinhead son aterciopeladamente crueles…

“-¿Daño? ¿cómo se atreve a usar esa palabra? Lo que ustedes consideran daño, sólo es una sombra. El daño tiene una cara, y se la voy a enseñar ahora mismo, caballeros. Yo soy el mismísimo daño.”

…, o la escena en donde el diálogo es un inteligente juego de palabras…

“- Por el amor de Dios. (Dr. Merchant)
-¿Te parece que soy alguien a quien le importa lo que piense Dios? (Pinhead)”


… consiguen que al hablar de la película “Hellraiser”, hablemos en realidad de su personaje principal: Pinhead. Un consejo: Para poder sentir toda la fuerza y profundidad de su voz, es imprescindible escucharla en su versión original. En el doblaje siempre se pierde parte de la fundamental entonación de la frase, convirtiéndose propiamente en una inevitable merma del mensaje. He aquí algunos ejemplos de esas ingeniosas y significativas frases pronunciadas por Pinhead, en frases traducidas como es obvio:

- “Esto no es una habitación. Esto es un holocausto que está esperando su despertar.”
- “La aquiescencia humana se consigue tan fácilmente por el terror como por la tentación.”
- “¿Todavía hambriento? ¿Quizá de algo que grita mucho?”
- “Lastima que el espejo no muestre tu verdadera belleza, princesa. Quizá tu admirador humano no la perciba, pero yo si puedo oler el exquisito hedor de lo que eres en realidad.”

- “- La tentación es una ilusión, pero la hora de los trucos ha pasado. En este juego, nos mostramos como somos en realidad.
- ¿Qué es eso? (Angelique)
- La belleza del sufrimiento.”

- “¡Qué bella eres cuando sufres! Pero he venido a trabajar, no a divertirme.”
- “El sabor de la victoria, te aseguro que es un sabor agridulce.”
- “El jardín del Edén. Un jardín de carne.”
- “Estoy exquisitamente vacío.”


Si piensas que el placer es dolor, nadie mejor que Pinhead para comprenderte. Si no crees en el Infierno, él estará fuera esperándote para explicártelo con detalle. Por cierto, Angelique quiere jugar contigo. Cierra los ojos, confía en ella y responde a esta pregunta: ¿Las uñas de mujer son tu fetiche? ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 254
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jueves, enero 10, 2008

“DONNIE BRASCO”


Dirigida por : Mike Newell
Actores principales: Al Pacino (Lefty Ruggiero), Johnny Depp (Agente Pistone / Donnie Brasco)
Año : 1997 Duración aprox.: 128 minutos
Publicado por: TRIPICTURES, S.A. Formato : DVD

“Un tío listo tiene razón hasta cuando se equivoca.” (Lefty Ruggiero)

“Donnie Brasco” es una película basada en hechos reales sucedidos en la década de los setenta. En esos años, el gobierno de los EE.UU se propuso desarticular la organización mafiosa conocida con el nombre de La Cosa Nostra, encargando esta difícil tarea al F.B.I. Para poder cumplir con este objetivo, surgió la idea de infiltrar un agente especial del cuerpo en la estructura de esta organización mafiosa, y tratar de llegar hasta la cúspide del sistema para posteriormente, desmantelarla. Esta misión fue asignada al agente especial Joseph D. Pistone. El resultado final de su infiltración en esa peligrosa red delictiva fue la detención y desaparición de varios clanes pertenecientes a La Cosa Nostra. La novela que posteriormente escribió el agente Pistone junto a Richard Woodley, sirvió también como base para la realización de esta película.

Uno de los aspectos que más me gusta de esta película es la ambientación años setenta tan bien lograda. Da la sensación de estar viendo más un reportaje de la época que una película producida a finales de los noventa. Si hablamos del ambiente mafioso en el que se mueve el agente Joe Pistone, alias “el joyero” para los mafiosos junto a Donnie Brasco, podemos respirar esa adrenalina que todo lo impregna, esa desconfianza oculta, esa tensión constante y ese miedo en donde nada ni nadie se puede escapar a una llamada para “comparecer”.

El reflejo del sistema de cuotas que se establecen en estas estructuras del crimen organizado está muy bien descrito en “Donnie Brasco”. Un disparo en el centro de la diana para comprender perfectamente como funcionan estas organizaciones. No solo se encargan de robos, tráfico de sustancias ilegales y chantajes, sino que, por encima de todo se sitúa el pago de ciertas cantidades de dinero por parte de las diferentes bandas con el clan, y estos a su vez, con la jefatura. Si por cualquier motivo, estos ingresos no son realizados, las consecuencias son de sobra conocidas. Y este riesgo es completamente asumido. Hablar de Mafia es hablar de dinero, de ingentes cantidades de dinero. Su seguro: el silencio, el poder del silencio cuya ley es el sancta santorum.



En “Donnie Brasco”, las interpretaciones de Johnny Depp, y sobre todo, de Al Pacino, son sublimes. Johnny Depp hace el papel del agente Joe Pistone-“el joyero”-Donnie Brasco, destacando en su interpretación su difícil rol familiar. La familia de Joe Pistone está marcada por las duras exigencias que el trabajo de Joe conlleva a la vida de quienes le aman, y muy especialmente en su mujer. La dura vida que la mujer de un agente especial ha de soportar, la llevan a un enfriamiento radical en sus relaciones afectivas. Esta circunstancia queda muy bien descrita en las palabras “Finjo que soy una viuda” dirigidas a su marido.

Respecto a Al Pacino en su papel de mafioso como Lefty Ruggiero, este pertenece al clan Bonnano. Su magistral interpretación lo rodea de detalles esenciales para dar verosimilitud a su difícil personaje, ya que Lefty es un mafioso en declive. Esos ojos reflejando el fracaso, ese aspecto desaliñado, esa mirada permanentemente perdida, esa ropa que no luce, que no brilla, que no tiene esa elegancia que da un status por encima de las circunstancias, ese rostro de aquel que ha perdido el control sobre su vida y se va arrastrando por ella. Esos hombros caídos que lo dicen todo. Ese pelo alborotado, no por rebeldía, sino por falta de autoestima.

Siguiendo mi costumbre de seleccionar escenas de las películas en mis artículos, destacaría la escena en donde Lefty y Brasco han de alimentar con hamburguesas a un gatito que llevan en el asiento trasero del coche; o la escena del restaurante japonés (una pregunta al lector de este artículo: ¿crees que es imprescindible quitarse los zapatos para comer en uno de estos restaurantes?); o la escena en donde Brasco ha de cortar filetitos en un sótano; o la maravillosa escena en donde Lefty entrega un recorte de revista a Brasco. Porque en esta película los símbolos son cruciales, destacando detalles clave como la entrega de las cerillas del club “Kings Court”. Por ello, se observa que el director se ha dejado la piel en mandar esos mensajes claros, cambiando diálogos por el significado de los objetos que aparecen en la escena. Un inteligente sistema de comunicación con el espectador al que pocos directores de cine parecen dar valor en sus realizaciones.

Quisiera finalizar este artículo con una frase de Joe Pistone: “No me comporto como ellos. Soy como ellos.”, y una sagrada norma, “no menciones su nombre, son las reglas.”. ¡¡¡Disfrútenlo!!!.

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Lux_Atman

Artículo Nº: 253
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martes, enero 08, 2008

“SOSPECHOSOS HABITUALES”


Dirigida por : Bryan Singer (premiado en 1993 en el festival de Sundance)
Actores principales: Kevin Spacey (Verbal Kint), Gabriel Byrne (Dean Keaton), Benicio del Toro (Fenster), Stephen Baldwin (Mc Manus), Kevin Pollack (Hockney), Chazz Palmintieri (David Kujan)
Año: 1995 Duración aprox.: 92 minutos
Publicado por: FILMAX Formato: DVD (edición especial)



“Las cosas no son siempre como parecen”

California. Un barco, un asesinato en la cubierta y unas llamas que empiezan a extenderse. Nueva York, seis semanas antes. Tras el robo de un camión cargado de armas, cinco delincuentes profesionales son detenidos.

“Nadie puede traicionar a quien no conoce”.

Dave Kujan, agente de Aduanas, detiene a cinco sospechosos sin prueba alguna basándose en la suposición de que ese robo tan solo ha podido ser realizado por profesionales. Tras la detención, los somete a una sesión de interrogatorio y otra de reconocimiento, pero las coartadas son sólidas y veraces. Los detenidos son Verbal Kint, con medio cuerpo inválido, es organizado pero está impedido; Dean Keaton, ex-policía, un profesional del robo que lo dejó, es frío y está en permanente estado de alerta; Fenster, un gran conocedor del mundo delictivo y que se mueve dentro de él como pez en el agua; Mc Manus, un asesino profesional con disparo certero pero cuyo impulso siempre vence a su razón; y Hockney, siempre bien protegido con la coartada perfecta. Pero sobrevolando sobre sus cabezas se encuentra la figura de un ser desconocido llamado Keyser Soze. En realidad, son cinco profesionales atrapados en la red tendida por Keyser Soze. Un grupo de delincuentes profesionales que se mueven en el inestable mundo de los grandes golpes, pero Keyser Soze sabe como manejarles porque si Keyser Soze te necesita, nunca podrás rechazar su oferta. La palabra “No” no existe en su vocabulario. Pero, ¿quién es Keyser Soze?.

Keyser Soze, dos siniestras palabras.

Keyser Soze es una leyenda, es una vida marcada por la tragedia sufrida por su familia. Pero hay quien asegura que, en realidad, es el mismísimo Diablo, un maligno ser que nadie ha visto, que siempre permanece oculto, y que hasta su sombra es despiadada. Su mente es una fría calculadora, meticulosa hasta extremos inconcebibles, precisa, inteligente, ágil en la acción, con una voluntad férrea y una sed de venganza incontenible. Cuando esta se desata, nadie encuentra un refugio seguro. Nadie está a salvo si es señalado por la mano de Keyser Soze, una pesadilla de carne y hueso o, ¿tal vez tan sólo sea un fantasma? ¿Será un mito, una historia ficticia? La pregunta la podrá encontrar viendo “Sospechosos habituales”, una película en cuyos noventa minutos, la pregunta sin respuesta se convierte en la base sobre la que se sostendrá la trama.

“¡Intente dar al Diablo en la espalda!”

Todo es turbio en la película. La sombra de la sospecha lo cubre absolutamente todo y a todos. Los cabos sin atar se van multiplicando según pasa el tiempo, minuto a minuto, pero eso si, los dólares que circulan se cuentan por miles. “Sospechosos habituales” es una película dinámica cuya excelente trama forma el esqueleto, y los personajes, dan esa solidez a la historia, ese cuerpo esencial para crear una gran película. “Sospechosos habituales” es una película con tintes de novela negra en donde la acción tan solo es frenada, provisionalmente, por la pregunta naciente y la incógnita sin despejar. Sus escenas son vivas, sentimentales, sugerentes y duras, destacando algunas de ellas, como en la que Fenster, durante la sesión de reconocimiento, ha de decir la frase “¡Dame las llaves, cabrón!”; o la escena en donde las miradas se cruzan entre los cinco sospechosos al salir de la comisaría; o la escena del robo en el garaje, en donde la tensión se puede cortar con un cuchillo; o en la secuencia del poli-taxi express, en la cual se denuncia la corrupción policial en Nueva York con mucho arte.



Y si hablamos de los actores que dieron vida a esta película, por ejemplo, el actor Kevin Spacey dio el salto a la fama gracias a ella. Kevin Spacey, uno de los actores actuales que más me gusta y al que considero todo un maestro de la interpretación. Un actor cuyo nombre es sinónimo de calidad. Y que decir del actor Gabriel Byrne. En “Sospechosos habituales” está soberbio y con un as guardado en la manga, como siempre. Y si miramos a Benicio del Toro, podemos verle creciendo con esa fuerza que imprime a sus personajes, unos personajes con carácter. Disfrutamos con Stephen Baldwin dando clase a un asesino peligrosamente impulsivo, con Kevin Pollack, en plan sobrio pero haciéndose imprescindible en la trama, y con Chazz Palmintieri dando esa aura especial a un detective en cuya investigación va viendo como poco a poco acaba acorralándolos, acercándose a la verdad. Un grupo de actores de esta calidad garantiza una buena trama. Póngala en manos de un director con la capacidad de organización de Bryan Singer (tardó solamente treinta y cinco días en rodar la película), y el resultado se llamará “Sospechosos habituales”, una película con uno de los mejores finales que jamás he visto. Si se decide a comprar esta película en formato DVD, no se pierda la sección de “Curiosidades” incluida en los extras. Es sencillamente, ¡sorprendente!. ¡¡¡Disfrútenlo!!!.

“El mejor truco que el diablo inventó fue hacer que los hombres pusieran en duda su existencia”.

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Artículo Nº: 252
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domingo, enero 06, 2008

“LA INVENCIÓN DE HUGO CABRET” BRIAN SELZNICK


Publicado por: EDICIONES SM
ISBN: 84-675-2044-6 Edición: 2007

”A veces, el tiempo cambia las cosas como por arte de magia.”

Desde siempre me ha encantado leer cuentos. Como amante de la buena lectura, encuentro en el cuento ese concentrado de palabras cuya esencia hay que ir descubriendo poco a poco, detalle a detalle, en sucesivas lecturas. He descubierto cómo muchos cuentos van mucho más allá de esa primera aventura a través de sus páginas, atrapados por la curiosidad y la sorpresa, para ir un paso por delante de nuestra evolución personal. De esta manera, en cada nueva lectura siempre descubriremos ese mensaje que nos dejamos y no vimos, y que curiosamente, hemos podido desvelar pasado un tiempo gracias a nuestra evolucionada personalidad. Por este motivo, este artículo sobre “La Invención de Hugo Cabret” es fácil que no fuera el mismo si lo escribiera dentro de unos años, y no en esta primera lectura tras su reciente publicación. Esa es la magia del mundo de los cuentos. Son inmutables, y a su vez, distintos en cada momento.

”… y también visitaba el futuro, que estaba lleno de robots y ciudades tan colosales que no dejaban ver el cielo.”

Mirando las estanterías de una librería, me quedé sorprendido con el brillo del oscuro lomo de un libro. Picado por la curiosidad, lo cogí para ver su título: “La Invención de Hugo Cabret”. Tras abrirlo, me quedé hechizado con su estética, con sus dibujos, con esos márgenes y marcos que tanto me gustan en los libros. Convencido tras abrir unas páginas al azar, la compra fue casi inmediata. El librero me preguntó si quería una bolsa pero no me hacía falta. Según saliera de la librería empezaría a leerlo. De nuevo, el universo literario concentraría mi atención y rompería con ese presente al que tanta sal siempre le hace falta. ¡Cuánta realidad se nos escaparía en nuestra vida si no existiera la literatura!.

”El relojero descansaba cómodamente en el fondo del río; no quería que lo molestaran, así que su fantasma siguió cuidando de los relojes.”

“La Invención de Hugo Cabret” nos cuenta la historia de un muchacho cuyo sueño es la puesta en funcionamiento de un autómata encontrado entre los escombros de un museo, incendiado tiempo atrás. El autómata contiene un mensaje, un secreto que solamente podrá ser revelado cuando sea reparado. Cuando el movimiento le de vida. Y para lograr ese movimiento, Hugo habrá de superar una serie de dificultades que le llevarán a situaciones de lo más inesperado, y en esa búsqueda de la clave, conocerá a unas personas cuyos lazos con su pasado le sorprenderán.

”Creí que el autómata había salido para siempre de mi vida… pero me equivoqué.”

Hugo es un muchacho huérfano que vive en una estación de trenes. Viviendo gracias al ingenio que ofrece la supervivencia, su pasión por las máquinas en movimiento no es nada casual. Alejado de la vida urbana, del contacto directo con los seres humanos, encuentra en esas mismas máquinas esa confianza que nunca le ofrecen sus propios congéneres. Hugo vive con la semilla de la misantropía creciendo en su interior porque el miedo al propio ser humano es mucho más fuerte que el peso de sus bondades.

”Y así, crecí obsesionado con la idea de fabricar sueños…”

Un cuaderno propiedad de Hugo se convierte en una de las piezas clave en la evolución de esta interesante historia. Porque ese cuaderno no es un simple cuaderno. Es el único camino que conoce para poder llegar a descubrir algunas lagunas de su pasado que tanto lo atenazan y torturan psicológicamente. El pasado es una losa que lo inmoviliza, es una cadena que lo obliga a moverse en un limitado espacio bajo la ilusión de la seguridad. Y es que Hugo tiene en su interior aquello que tanto oprime la vida del ser humano: el miedo.

”Si dejas de tener un propósito en la vida es como… como si te rompieras.”

El resto de la historia queda en manos del lector de este artículo. No voy a desvelar una interesante historia que, además, tiene la maravillosa capacidad de pasar de las palabras a la imagen con una facilidad tan solo comparable a la belleza de los dibujos realizados por el propio escritor. En “La Invención de Hugo Cabret” encontrarán un libro en donde la acción se compone de secuencias de páginas y dibujos que introducen muy fácilmente al lector dentro de la escena en la que se desarrolla. Desde luego, quedarán maravillados al contemplar esos dibujos cargados de detalles y de sentimientos, expresados con un realismo admirable. En resumidas cuentas, “La Invención de Hugo Cabret” se convertirá en un libro muy especial dentro de su biblioteca personal, y en un candidato ideal para ser elegido como regalo a un ser querido. ¡¡¡Disfrútenlo!!!.

”Me gusta imaginar que el mundo es un enorme mecanismo. A las máquinas nunca les sobra nada, ¿sabes? Siempre tienen las piezas justas para funcionar.”

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Artículo Nº: 251
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sábado, enero 05, 2008

SIOUXSIE AND THE BANSHEES “THE SCREAM”


Publicado por : POLYDOR LIMITED, (POLD 5009 – 2442 157), 1978
Edición comentada : LP Vinilo 12”

CARA A: Pure / Jigsaw Feeling / Overground / Carcass / Helter Skelter
CARA B: Mirage / Metal Postcard (Mittageisen) / Nicotine Stain / Suburban Relapse / Switch


Valoración de la calidad del vinilo : 9 (un vinilo de muy buena calidad, tanto en el material utilizado como en su grabación e impresión; imprescindible escucharlo en este formato).



De los cuatro grandes aniversarios que LUX ATENEA WEBZINE va a celebrar este año 2008, hay uno que destaca sobre todos los demás, con todos mis respetos y sin menospreciar obra o proyecto musical alguno. Este no es otro que los treinta años de la publicación del primer disco del grupo Siouxsie and the Banshees, titulado “The Scream”. Y es que cualquier grupo musical se quitaría el sombrero ante estos músicos y compositores que durante tres décadas, han sido capaces de situarse en lo más alto de la escena musical gótica a base de ir publicando álbum tras álbum, a cual mejor y más innovador. Pocos han sido los meses transcurridos desde la publicación de su último trabajo, y es que es todo un lujo tener y disfrutar en la actualidad de un grupazo como este, capaz de seguir emocionando tan profundamente con sus últimas canciones como si treinta años hubiera sido ayer. Su frescura, imaginación y calidad es digno del mayor de los elogios. ¿Cuántas bandas musicales actuales firmarían (hasta con su propia sangre) poder llegar a cumplir su treinta aniversario como grupo, habiendo publicado trabajos de este nivel, y encima, seguir estando en activo?.

Sigo y seguiré diciendo que los amantes de la música gótica somos unos privilegiados al poder seguir disfrutando, década tras década, de auténticas leyendas góticas que aun permanecen en activo. Y es que no estamos hablando de uno o dos grupos, o sea, de excepciones. Estamos hablando de muchos grupos más: Siouxsie and the Banshees, The Creatures, The Cure, Bauhaus y/o Peter Murphy en solitario, The Damned, las diferentes formaciones de Christian Death, Death in June, The Misión (aunque parece que dan por cerrado su ciclo, ya veremos si Wayne soportará su vida sin la música…), Sisters of Mercy (pese a que el iluminado Eldrich siga diciendo que el grupo no es gótico ¿!¿!), The Cult,… En fin, no hace falta que nos pongamos ni melancólicos ni sentimentales, ni a lucir las canas como si fueran las medallas de un orgulloso general ruso, pero lo que es indudable es que emociona tener en las manos un vinilo que tiene treinta años, que solamente Dios sabe las veces que lo habré escuchado, que cada vez que lo escucho me sigue hechizando como desde el primer día, pese a que me lo conozco de memoria, y encima, este grupo sigue dando guerra musical en el año 2008 como si acabaran de empezar. ¿Qué más se puede pedir?.

Retrocedamos al año 1978. La compañía discográfica Polydor Limited pone en el mercado el primer álbum de un desconocido grupo musical llamado Siouxsie and the Banshees, y titulado “The Scream”. La banda estaba compuesta por la cantante Siouxsie-Sioux, el bajista Steven Severin, el saxofonista y guitarrista John McKay y el percusionista y batería Kenny Morris. Con “The Scream”, la revolución gótica estaba servida…



Impresiones post-audición:

El disco empieza a girar y los lentos pasos de la canción “Pure” nos introducen en el interior de esa salvaje y ancestral cueva en donde nuestros miedos, acabarán en una catarsis con lo desconocido. In crescendo, la canción “Jigsaw Feeling” reclamará su presencia en nuestros oídos. Cortante y poderosa, con frases convertidas en latigazos contra nuestro complaciente cerebro, y cuya mente, tratará de despertar sacándola de ese falso mundo en el apoya su existencia. “Jigsaw Feeling”, la canción con la que más veces he iniciado una sesión de rock gótico en los locales en los que he sido invitado, y he tenido el placer de pinchar.

Tumbados en la cama escuchamos “Overground” mientras nuestra mirada se va perdiendo más allá del uniforme techo de la habitación, en busca de esa esquiva imagen que de sentido a nuestro estado. Alterados por la afilada “Carcass”, la revolución ha llegado alterando todo alrededor nuestro, con voces en off apareciendo siempre desde los rincones a los que no miramos, hasta que “Helter Skelter” nos desoriente con su mensaje entrecortado, enigmático y cautivador. “Helter Skelter”, una versión un poco más sosegada de la original del grupo The Beatles. El grupo hará una versión mucho más radical y potente en un directo de auténtico lujo, pero este tema lo tocaremos en un artículo mucho más adelante…

La cara A ha terminado. Pasamos a la cara B y damos inicio a la canción “Mirage”, quedando cautivados con el poder de la imagen. Absorbidos por el influjo de lo observado, nos levantamos y empezamos a caminar allá donde la imagen se manifieste. Lo dejamos todo, dejamos hasta nuestro ser con tal de seguir a la imagen hasta que la oscuridad paralice nuestros pasos al sonar “Metal Postcard (Mittageisen)”. “Metal Postcard (Mittageisen)” parece reírse de nosotros mientras su voz gira a nuestro alrededor, mientras se aleja, y un segundo después, vuelve a orbitar alrededor de nuestros oídos en un psicológico juego de provocación.

Con la inestabilidad emocional por cuerpo entramos en la canción “Nicotine Stain”. Sus ritmos punzantes y secos complacerán totalmente a nuestro estado de ánimo. Con unas guitarras convertidas en oleadas de agresivos estimulantes, nuestro salto sobre ellas nos irán preparando para adentrarnos en la locura de “Suburban Relapse”. Subidos en el tiovivo de “Suburban Relapse” no podremos bajar por más que lo intentemos. Su energía acabará por anular cualquier fuerza de oposición a sus dictados hasta que una vez hayamos claudicado, la canción “Switch” ponga punto y final a una experiencia musical de la que no nos cansaremos de volver a repetir.

Con este artículo, LUX ATENEA WEBZINE inaugura este aniversario tan especial del grupo Siouxie and the Banshees, y cuya obra iremos mostrando de forma completa durante este año 2008. ¡¡¡Disfrútenlo!!!.

AÑO 2008 - ANIVERSARIO DE LA PUBLICACIÓN DEL PRIMER ÁLBUM DEL GRUPO SIOUXSIE AND THE BANSHEES-: 30 AÑOS EN EL OLIMPO GÓTICO. ( 1ª Parte )

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Artículo Nº: 250
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