jueves, noviembre 30, 2006

AUGUST von PLATEN “SONETOS VENECIANOS y otros poemas” (Semana de la Poesía 2006 1ª EDICIÓN)




Publicado por : PRE-TEXTOS
ISBN : 84-8191-248-4 Edición : 1999

Una joya literaria del Romanticismo perteneciente al templo cultural de las obras literarias claves del espíritu gótico. Templo poblado por esbeltas y solemnes columnas que como árboles en un frondoso bosque, nos impiden la lejana mirada de la nostalgia, pero que con la grandeza de sus decorados capiteles nos fuerzan a alzar la mirada al cielo, lugar en donde los Dioses de la sabiduría nos gobiernan e iluminan con su gracia divina. Pero no piensen que este templo posee muros que aíslen y sobreprotejan al devoto lector convirtiéndolo en una “rara avis” en el reino de los necios, todo lo contrario, nunca he pensado en la construcción de tales barreras pero si he apostado decididamente por el cincelamiento y pulido de magnas estatuas a imagen y semejanza de los grandes escritores de la Mística, que como colosos, se yerguen alrededor del templo para satisfacer la mirada del alma dueña de su destino. Una obstinada caminante de sendas olvidadas, y unos Colosos como águilas de fuego dispuestas a ahuyentar a los adictos de las apariencias y la vanidad.

August von Platen nació en la ciudad de Ansbach, Baviera (Alemania), en el año 1796. Perteneciente a una familia noble, su vida social estuvo marcada por la severidad del mundo castrense y la intelectualidad innata de la aristocracia germana. Pero ante sí se abría un futuro más que prometedor si no estuviera marcado por ese talón de Aquiles herido transformado en una homosexualidad digna de fructíferas épocas helenísticas, tiempo profundamente enraizado en la amistad, el orgullo y la búsqueda incesante de lo bello. Esta falta de sincronización con su época hará de von Platen un ser condenado a la perenne insatisfacción de su “yo” humano ya que la sociedad que le ha tocado vivir tiene sus raíces emponzoñadas con el inflexible e inhumano dogma religioso que arroja a personas de su condición a la más miserable ignominia, a pesar de su status social privilegiado.

Su tiempo no es el presente . . . es el añorado pasado o el naciente futuro.

August von Platen busca ese Heracles con alma de Ulises en su Alemania natal. Quiere estar junto a Jasón y juntos, enfrentarse a los avatares divinos de la vida. Tristemente quiere encontrar tiernas rosas en inhóspitos eriales, y las únicas que encuentra son inertes rosas del desierto que aunque bellas, no poseen alma.

Ante tan desolado panorama, abandona su gélida Germania y decide poner rumbo a las cálidas tierras del sur de Europa para poder saciar su carnal apetito con seres afines sin tener que ocultar su sexualidad frente a quienes le rodean. Italia se convierte en Eldorado íntimo, y como tal, conduce su pasional energía por el turbulento río del placer que lo arroja bruscamente al interior de la enmarañada selva de la soledad. Soledad, desilusión y desesperanza serán a partir de entonces sus compañeros y cómplices hasta que la esperada visita de la Muerte hizo acto de presencia un 5 de diciembre de 1835 en la ciudad de Siracusa, Italia.

Iluminación y Maldición

August von Platen es un iluminado a la hora de plasmar sobre un límpido papel los sentimientos que moran en el alma del incomprendido, el engañado y el atrapado en el laberinto de las pasiones, que es a su vez, alma poseedora de sensibilidad, grandeza y sacrificio. Toda esta muestra de viveza, fusión y tacto es perfectamente palpable con todo lujo de exquisitos detalles emocionales íntimamente compartidos, por el lector de esta obra. Personalmente no soy afín a sus gustos sexuales, si no, no vendría al caso esta aclaración querido y suspicaz lector, pero si me encuentro peligrosamente ligado a esos sentimientos nacidos del amor a la Belleza, a la Pureza y a la Pasión.

La magnitud y el valor de los sentimientos no están directamente unidos al sexo a quién van dirigidos, si no a la calidad del valor humano que los constituyen. Que un escritor del alma sea heterosexual u homosexual no es ni signo de calidad, ni de vanguardia, ni de sensibilidad ni tampoco de autenticidad. En esta vida solamente existe la bella creación como signo de la verdadera honestidad del sentimiento humano como vía hacia el Paraíso. Cualquier otra clasificación de la obra por la condición sexual del creador no es otra cosa que la decapitación del ser humano. Quién no lo vea así, de verdad no se que en siglo está viviendo.

August von Platen es un deseo buscando amor, pero que es engañado con la visión de un sueño que aunque le inyecta ilusión vital inimitable, como una pagana fe atacada por feroces voces sacras esta se consume dejándole como gris ceniza, la desesperanza propia de los viejos y polvorientos objetos del pasado.

August von Platen . . . ¡ como puedes observar desde allí donde te encuentras, no perteneces al olvido !. Disfrútenlo.

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Lux_Atman

Articulo Nº: 98
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miércoles, noviembre 29, 2006

THE CURE “Lovesong”


Publicado por : Fiction Records, (FICSX 30), 1989
Edición comentada : Vinilo 12”

Cara A: Lovesong (extended mix)
Cara B: Late / Fear of ghost


Valoración de la calidad del vinilo : 10 (Excelente vinilo, destacando tanto por el material utilizado como por la calidad de la grabación y su impresión; un disco imprescindible para seguidores de The Cure).

Cuando el grupo The Cure publicaron su exitoso álbum “Disintegration”, también se pusieron a la venta otros discos relacionados con él, en cuyo interior se encontraban canciones no incluidas en el LP. “Lovesong” es uno de estos discos, en el cual se incluye una versión extendida de su famosa canción “Lovesong”, y otras dos canciones extras “Late” y “Fear of ghost”, no incluidas en “Disintegration”. Dos canciones que han de estar presentes en la colección discográfica de un buen amante de este grupo.

Impresiones post-audición :

En la primera cara tenemos una excelente versión de la canción “Lovesong”, ideal para ponerla en una pista con seguidores de este grupo que deseen recrearse entre sus pasajes. Ese bajo y guitarra al inicio, a las que se une posteriormente la batería, una segunda guitarra y un mágico teclado es que dan a esta canción otro aire, sin degradarla lo más mínimo. Una versión muy bien construida que hace hincapié en los apartados que la han llevado a ser una de las canciones más conocidas del grupo.

En la segunda cara nos espera “Late”, una de las canciones con el espíritu más Cure de su amplia discografía. “Late” es un viaje en tren mirando el paisaje, es un día soleado mientras contemplamos como se van desintegrando las pocas nubes que aun se resisten a abandonar el cielo. Cuando “Fear of ghost” aparece con su tenebrosa melodía, la voz de Robert Smith se convierte en el eco de un susurro, en las escasas ondas que quedan de unos hechos ya olvidados. “Fear of ghost”, una de sus canciones más góticas. Disfrútenlo.

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Lux_Atman

Artículo Nº: 97
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KONSTANTINO KAVAFIS “POESÍAS COMPLETAS” (Semana de la Poesía 2006 1ª EDICIÓN)


Publicado por : Hiperión
ISBN : 84-7517-342-X Edición : 1997

Poeta nacido en la ciudad egipcia de Alejandría el 29 de Abril del año 1863, en el seno de una familia de ricos comerciantes griegos. En 1870, la muerte de su padre provoca una bajada en el nivel de vida que hasta entonces disfrutaba la familia, obligando a su madre a cambiar la residencia de Alejandría a Londres dos años más tarde. Allí, Kavafis adquiere su formación educativa regresando a Alejandría siete años más tarde, pero un endurecimiento de la política inglesa en la zona le obliga a partir hacia Estambul, ciudad que marcará profundamente su vida tanto en el plano personal, primeros escarceos amorosos, como intelectual, despertándose en él el espíritu poético. Posteriormente, Kavafis retorna a Alejandría en donde pasa a formar parte del funcionariado del Ministerio de Riegos egipcio. Durante esta nueva etapa, la vida de Kavafis se reparte entre su vida laboral matinal y la dolce vita nocturna de los bares y burdeles de la ciudad. En 1897 viaja a París y Londres, pisando por primera vez en su vida tierra griega en 1901, visita que se prolongará durante los dos siguientes años. Precisamente allí será donde por primera vez se publiquen sus poemas, pero en Grecia no encuentra ese amado territorio en donde instalarse, regresando de nuevo a Alejandría en donde residirá finalmente hasta su muerte. Una vez instalado en la ciudad, una de las primeras acciones que realizará es la de dar apoyo a la cultura local al unirse a Nea Zoe, un grupo intelectual defensor del uso coloquial del griego moderno, idioma con el que escribe toda su obra.

En 1932 le es diagnosticado un cáncer en la laringe. Kavafis morirá en el Hospital Griego de Alejandría el día 29 de abril de 1933.

Como suele suceder en los excepcionales casos de genialidad artística, los poemas no fueron publicados en su totalidad hasta dos años después de su muerte, pero eso sí, respetando el orden que él dejó establecido. El sabio dicho de que “Nadie es profeta en su tierra” se hace descaradamente presente en su obra, siendo mucho más conocida en el resto de Europa que en su amada tierra griega. Los siglos siguen pasando para la especie humana, pero no para su inteligencia.

La Fugaz Visión De La Belleza

Toda la obra poética de Konstantino Kavafis está marcada por la sensualidad, la homosexualidad y la fugaz visión de la Belleza durante la vida. Para Kavafis, esa característica caduca de la Belleza es fuente inagotable de inspiración, de sensual poder evocador en la visión de la vida que tan claramente podemos sentir en la lectura de cada uno de sus poemas, porque Kavafis, no es un poeta homosexual que escribe para homosexuales, Kavafis es un poeta que escribe para personas que se vuelven extremadamente sensibles ante la contemplación de la Belleza. Kavafis es un enamorado de la Belleza que dulcemente besa en sus tiernos y suaves labios... ¿qué importancia ha de tener si esos labios pertenecen al sexo masculino o femenino?.

En la lectura de su obra se saborea y admira el perfilado mensaje contenido en cada uno de sus poemas, como por ejemplo, “Confortación ”:

"Quien confortar su espíritu desee
debe abandonar toda sumisión.
Observará algunas leyes
pero violará la mayoría,
no obedeciéndolas, como
tampoco la por todos aceptada falsa rectitud.
Aprenderá de los placeres.
No temerá la destrucción,
pues la mitad de la heredad ha de ser demolida.
Sólo así crecerá virtuosamente en la Sabiduría."


Si se te ha abierto el hambre de la búsqueda, el hambre de la caza de ese mensaje preciso pero esquivo, aquí queda reflejado otro de sus poemas, “Cuanto Puedas”:

"Si imposible es hacer tu vida como quieres,
por lo menos esfuérzate
cuanto puedas en esto: no la envilezcas nunca
en contacto excesivo con el mundo,
con una excesiva frivolidad.

No la envilezcas
en el tráfago inútil
o en el necio vacío
de la estupidez cotidiana,
y al cabo te resulte un huésped inoportuno."


Por desgracia, o quien sabe si a lo mejor es una gracia, Kavafis es un poeta desconocido para el público en general, pero a partir de hoy, en el caso de este gran poeta ya no habrá justificación alguna sobre la falta de información sobre su obra. La editorial Hiperión nos ha brindado esta completa e imprescindible compilación de su obra en castellano. Espero que su lectura llegue a formar parte de esos momentos inimitables e imborrables de vuestra vida. Disfrútenlo.

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Lux_Atman

Artículo Nº: 96
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martes, noviembre 28, 2006

COUP DE GRÂCE “Place of no return”


Publicado por : Coup de Grâce, (11CDG1999), 2003
Edición comentada : CD

Until the end / Untitled / It´s only me / When you´re gone / Deathbed / Running away / Black & white / Leave this world (live)

Trágicos. Así son Coup de Grâce, grupo musical alemán que hacen rock gótico con profundas raíces melancólicas. En sus composiciones musicales reinan principalmente las melodías, aunque la voz de Martin “psycho” KrauB llega a romper en algunos momentos el tempo dentro de las mismas. Un pago sonoro lógico si su voz se mueve en un abanico de graves tan reducido. Todo lo contrario sucede con las guitarras, ya que estas marcan contundentemente cada una de las canciones, incluso con inconstantes guiños metal. Si hablamos de la batería, esta se encarga exclusivamente de dar soporte estructural de forma discreta, apoyándose en un bajo sin mucha libertad sonora. Pero si hay un instrumento en esta formación que marque la diferencia, este es el violín, con ese toque etéreo nostálgico que tanta vida irradia a cada una de sus creaciones musicales. Un instrumento convertido en la clave de esta banda.

El grupo Coup de Grâce lo forman Martin “psycho” KrauB (vocalista), Florian Schlaak (guitarra), Matthias Dietze (teclados), Daniel “kiki” Kieckbusch (guitarra), Markus Eggeling (batería y percusión), Holger Mischel (bajo) y Julia Giering (violín).

Coup de Grâce, rock gótico arriesgado y de gran calidad.

Impresiones post-audición :

Desde las profundidades de “Until the end”, un piano levanta sus poderosos brazos en un gesto convertido en reto. Un desafío en la frontera del Bien y el Mal. Una independencia que arrastra bondades e infortunios. Con el silencio de nuevo reinando en el interior del piano, es el violín quien adquiere protagonismo en la canción “Untitled”, abriendo una nueva dimensión tras el entierro, tras el comienzo del extraño viaje.

Con “It´s only me”, la melodía se suaviza y el mensaje continua su línea melancólica acentuada por un violín que acaricia un pasado ya muerto, y con “When you´re gone”, esta melancolía se transforma en notas de una gaita danzante entre ruinas de un antiguo palacio. Recuerdos entre piedras cuya frialdad canta a la derrota. Los ritmos guitarreros más melódicos retornan con la canción “Deathbed”, internándonos en una niebla de oscuro reflejo y engañosa tranquilidad.

Empieza a sonar “Running away” que, desde mi punto de vista, es la canción más atractiva y sorprendente de este disco. Con una melodía que embriaga, con una guitarra marcada sin llegar a predominar, con una letra que sabe sacarle toda su esencia a la voz de Martin “psycho” KrauB, y con una batería y violín flotando en el aire, en esta canción el grupo ha sabido muy bien plasmar la calidad que atesoran. Tras la joya musical del disco, la canción “Black & white”, en la cual se puede encontrar una interesante entrada al reino del black metal más ligero y pausado. Con la canción “Leave this world”, este disco llega a su final con una grabación en directo. Una clara muestra del espíritu musical ofrecido en sus actuaciones.

El grupo musical Coup de Grâce promete, pero habrá que estar atentos a su evolución. Esperemos que no dejen de guiarse por la estrella que ha dado vida a este disco. Disfrútenlo.

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Lux_Atman

Artículo Nº: 95
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DURS GRÜNBEIN “LECCIÓN EN LA BASE DEL CRÁNEO” (Semana de la Poesía 2006 1ª EDICIÓN)


Publicado por : La poesía, señor hidalgo
ISBN : 84-95976-08-0 Edición : 2002

Estamos ante la obra poética de uno de los principales genios literarios alemanes en la actualidad. Durs Grünbein es considerado una de las mentes literarias más prodigiosas y audaces, tanto por la crítica como por los expertos de su país, motivo por el cual, el número de premios literarios que atesora es amplio y prestigioso, pese a su juventud (nacido en Dresde, 1962). Entre otros, posee el premio Georg Büchner, máximo galardón literario que concede la Academia Alemana de Lengua y Literatura.

“Lección en la base del cráneo” es un libro en cuyo interior, la poesía de Durs Grünbein me dejó sorprendido por su humanismo, su plasticidad, su crudeza, y por su capacidad de hacer visible el mensaje, la escena, el gesto,...el sentido. Desde luego, si lo que se busca es poesía en donde reine el adorno, la floritura, la delicadeza y la sencillez, este no es precisamente el libro que consejaría. “Lección en la base del cráneo” es un libro directo como un disparo “...calles con casas como dentaduras cariadas...” , es un canto a la insubordinación “...mucho inclinarse da reuma...”, es una crónica de nuestra sociedad industrial “...pieles grises en un nido de neumáticos de coche...”, es desvelo psíquico “...carne tatuada de tabúes...” , es la soledad que arrastramos por las calles de una gran ciudad “...penumbras de vapores encendidos sopladas en anuncios publicitarios...” , es desasosiego “...sobre el tiempo el olvido habla latín perfectamente...” , es realidad “...un pasajero, entre máscaras de animales fugitivos...” , y desintegración “...violencia pintarrajeada en retretes alicatados...”.

Durs Grünbein con su poesía, no trata de sermonearnos ni de darnos lecciones, ni trata de vendernos una feliz utopía, o fomentar una rebeldía atrayente pero inútil. Durs Grünbein es una biblioteca simbólica cuyos secretarios son sus ojos, cuyos ayudantes son sus manos y cuyas ideas son rayos de luz iluminando hojas de papel. Sus fuentes de inspiración son las calles que pisamos, los trenes que cogemos, las casas que habitamos, la ciudad en donde vivimos,... Su poesía surge allá donde miremos. Espejos sucios, vidas descompuestas, ilusiones quemadas, modernidad esclavizante ”...Las familias móviles protegidas del rayo en sus coches, acurrucadas en el embotellamiento...”. Sus frases son flashes que nos dejan ciegos por su alto contenido de realidad, palabras calientes como el asfalto, letras que huelen a habitaciones cerradas, sentidos que palpamos pese al polvo que los cubren. Paredes desconchadas que dan forma a siniestras imágenes mentales, oportunidades perdidas que podían haberte dado una estrella en tu eterna noche, inocencia prostituida entre las corruptas risas de los buenos ciudadanos, vejez escrita en la piel como una condena, cerebros que no piensan... eructan (Durs dixit).

Resumiendo, Durs Grünbein nos habla sobre el divorcio entre el cuerpo y el alma. Como cierre de lujo para este artículo, os dejo con una de sus frases. Disfrútenlo.

“...todos los muertos están muertos, todos los vivos fugitivos...”

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Lux_Atman

Artículo Nº: 94
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lunes, noviembre 27, 2006

GIUSEPPE UNGARETTI “EL DOLOR” (Semana de la Poesía 2006 1ª EDICIÓN)


Publicado por : Igitur
ISBN : 84-95142-07-4
Edición : 2000

Desde hace algunos años, unas veces el azar y otras la búsqueda constante e incansable, me han ido mostrando obras literarias italianas, especialmente poesías, de un incalculable valor humano y cultural. Próximamente incluiré un artículo sobre el libro “Diario Póstumo” del poeta italiano Eugenio Montale, ya que una vez terminado la realización del mismo, me vino instantáneamente el pensamiento de escribir otro artículo sobre otro gran libro de poesías, “El Dolor”. Su autor, Giuseppe Ungaretti. Su inspiración: la muerte de su hijo Antonietto a la temprana edad de 9 años. La relación encontrada entre las dos obras poéticas no es otra que la sobrecogedora visión de una muerte cercana: la de un hijo en el caso de Ungaretti, y la propia, por parte de Montale.

Un Juego Irrenunciable y Mortífero

Desde nuestro nacimiento, todos los humanos jugamos con la Muerte a un perverso juego. El único objetivo del mismo es intentar ganar el mayor número de partidas, o en el peor de los casos, alargar su tiempo de desarrollo en todo lo posible, porque si algo encontramos con certeza en este maléfico juego, es que más tarde o más temprano la partida clave o definitiva habremos de perderla irremediablemente. ¡La Muerte siempre gana!, es más, desde el principio de los tiempos no se conoce a ningún ser viviente, o jugador, que haya conseguido alguna vez derrotarla definitivamente gracias al evanescente don de la inmortalidad. En el caso de Ungaretti, ve esa amarga derrota en su querido hijo.

Aunque el libro empieza con el poema “Todo Lo He Perdido” (1937) en memoria de su hermano, no es hasta llegar a los poemas “Día Tras Día” (1940 - 1946), y “El Tiempo Es Mudo” (1940 - 1945), en donde encontraremos el reflejo del sufrimiento vivido por el poeta ante tan dolorosa pérdida. En la lectura de estos duros, impactantes y sensibles poemas, percibimos claramente como ese dolor profundo va haciendo acto de presencia, desgarrando físicamente a Ungaretti. Los efectos del dolor sobre su cuerpo son perfectamente mostrados en sus palabras, llegando a provocar en el lector sentimientos compasivos hacia el autor. Pero según avanzamos sobre tan trágicas palabras, comienza a fraguarse en nuestra mente la idea de una posible salida a su triste situación, porque en el fondo, analíticamente hablando, Ungaretti quiere salir de esa agónica situación. Toma consciencia de encontrarse en una situación de caída libre hacia su propia destrucción. Ve claramente su posible final, pero una chispa de vitalidad empieza a hacerlo renacer casi, de sus propias cenizas. Ungaretti comienza a observar el mundo que le rodea desde una burbuja dimensionada por su dolor. El poeta, eterno observador, empieza a sentir en su interior una llama existencial nunca antes percibida, y entonces, como por efecto de una ruptura de las sutiles cadenas que lo atenazaban inconscientemente, descubre en esa frágil y débil llama dos leyes fundamentales en la filosofía de nuestra vida como humanos:

- La Muerte convive con nosotros, por más que intentemos negar su existencia.
- Desde las cenizas del fuego devorador de las vivencias propias e intransferibles, se puede resurgir con una nueva verdad sobre lo que somos.

El Calvario En Los Recuerdos

Los recuerdos nunca podrán suplantar al calor recibido en el abrazo del ser querido. Se cambian las luces de la presencia, por las oscuras sombras del recuerdo. Después de la última despedida, solamente los afortunados Dioses acapararán todo su generoso resplandor. Los recuerdos nunca podrán imitar la ruidosa actividad del ser querido, quedándonos a posteriori, con el silencio como compañero y confidente. Los recuerdos no crean ilusión. Nos quedamos únicamente con la esperanza de, en algún momento, salir de nuestra propia espiral de dolor; de parar ese potro de torturas que vuelta tras vuelta, nos desmiembra sin compasión. El hijo desaparecido era su bosque frondoso y florido en primavera. Sus recuerdos dejan ese bosque, con árboles de hoja caduca en imparable transformación, para recibir al frío invierno. El primogénito paralizaba con su presencia, os envites de la muerte; pero al fallecer, lo que queda paralizado es el empuje de la vida.

“ Dejad de matar a los muertos,
No gritéis más, no gritéis
Si aún los queréis oír,
Si esperáis no perecer.

Tienen un imperceptible susurro,
No hacen más rumor
Que el crecer de la hierba,
Dichosa donde no pasa el hombre. ”


Ungaretti versus Marte

En los últimos poemas del libro llamados “Roma Ocupada” (1943 - 1944) y “Los Recuerdos” (1942 - 1946), Ungaretti, como no, condicionado por la muerte de su hijo es testigo de la debacle que supone la guerra para cualquier pueblo. Aquí, vemos a un poeta fiel observador del desastre acontecido a su alrededor, cuestionando cada uno de los motivos que pudieran justificar semejante barbarie. No vamos mucho más allá si hacemos un símil entre ese desolador paisaje y el romo paisaje interno en donde el poeta vive. Como final del libro, el poema “Tierra”, queda como un simbólico acto de esperanza en donde basar el ánimo de un futuro esplendor entre las observadoras ruinas que nos invaden.

“¿Evocaré siempre sin remordimiento
Una encantadora agonía de los sentidos?
Escucha, ciego : Un alma ha partido
Del común castigo aún ilesa . . .

¿Me abatirá menos no oír ya
Los gritos vivos de su pureza
Que sentir casi extinguido en mí
El pavoroso temblor de la culpa? “


Para Ungaretti, es ese dolor un obstáculo final hacia otra nueva perspectiva personal positiva pero que, aún después de superarlo, quedamos afectados con el estruendo de su caída el resto de nuestra vida.Como final, no puedo evitar comentar el continuo recuerdo de una conocida frase perteneciente a una canción del grupo musical Héroes del Silencio, durante la lectura de este libro. Disfrútenlo.

“. . . y el dolor es un ensayo de la Muerte.”

Lux_Atman

Artículo Nº: 93
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THE LORDS OF THE NEW CHURCH “Farewell Tour 1988”


Publicado por : Get Back Records, (GET100), 2003
Edición comentada : Vinilo 12”

Cara A: Method to my madness / Question of temperature / Crossroads / Making time / Happy birthday / Gun called justice / Mindwarp
Cara B: Dance with me / Lords prayer / Things go bump / You really got me / New church


Valoración de la calidad del vinilo : 9 (excelente vinilo, destacando tanto el material utilizado como la grabación e impresión; un disco imprescindible para los seguidores de Stiv Bator y su obra).

Eternos. Así son The Lords of the New Church, banda musical oscura por excelencia y convertidos en mito por quienes admiramos la obra musical de Stiv Bator y su estilo. Tristemente, una vez desaparecido Stiv Bator del grupo, este ya no ha vuelto a ser el mismo. Stiv Bator puso el listón muy alto como para ser imitado, o sustituido otro.

Las canciones incluidas en este disco fueron grabadas durante la gira “Farewell Tour” de 1988, en los conciertos ofrecidos en las ciudades alemanas de Stuttgart, Kassel y Bremen. En esta gira, la formación del grupo The Lords of the New Church estuvo formada por Brian James a la guitarra, Nick Turner a la batería, Dave Tregunna al bajo, y como no, Stiv Bator poniendo su voz única e inigualable.

He escuchado discos con grabaciones en directo de The Lords of the New Church, pero sus ediciones en vinilo siguen siendo insustituibles. Su fidelidad es su máximo valor. Tienen ese espíritu musical que no ha sido hasta ahora posible registrar en otros formatos. Así es el vinilo, así son The Lords of the New Church.

Impresiones post-audición :

Una potente batería empieza a sonar y la canción “Method to my madness” da el banderazo de salida al espectáculo con Stiv Bator empezando a calentar su voz. Con “Question of temperature”, se ralentiza un poco el ritmo para realzar unos coros y juegos de guitarra admirables hasta que la canción “Crossroads” nos devuelva a esa aceleración que tanto apreciamos, con una guitarra en solitario haciendo maravillas sobre la batería. Impresionante demostración guitarrera, entre el blues, el punk y el rock.
Tras el virtuosismo con la guitarra, la canción “Making time” nos ofrece un contrapunto mucho más tranquilo entre fugaces solos de guitarra como previo a una celebración llamada “Happy birthday”, una canción de cumpleaños para almas oscuras. Con la canción “Gun called justice” se termina la cara A según la contraportada, pero errar es de humanos. “Gun called justice” es una impresionante demostración instrumental a cargo de Brian James, acompañado de Stiv Bator con la voz ya caliente, pero a esta canción le sigue “Mindwarp” sin cambiar de cara. Cosas del directo.

La cara B empieza a sonar con unos cuantos fucking de presentación y la legendaria canción “Dance with me” llena el salón de mi casa con una mezcla de recuerdos y alegrías iluminadas con unos rayos de Sol entrando por las ventanas. ¡Entrañables momentos vividos!. Y si “Dance with me” es legendaria, ¿cómo podemos catalogar entonces la canción “Lords prayer”?. Sin palabras. Continuamos con “Things go bump” seguimos alucinados con la guitarra de Brian James, y con la versión de la conocida canción “You really got me”, la catarsis musical es absoluta. ¡Maestros sobre un escenario!. Y ahora sí que llegamos al final de esta cara, de verdad, como no, con “New church”, indudable canción de cierre en la mayoría de sus conciertos. En fin, voy a terminar de escribir este artículo mientras vuelvo de nuevo a escuchar este disco... ¡qué placer!. ¿Por qué ya no aparecen en la actualidad nuevas bandas con este mensaje, con este espíritu poseedor de almas?. Misterios de la modernidad.

Como pueden ver, y escuchar, Stiv Bator sigue estando vivo…¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 92
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domingo, noviembre 26, 2006

FULCANELLI, “LAS MORADAS FILOSOFALES”


Publicado por : Ediciones Índigo
ISBN : 84-89768-47-1
Edición : 2000

Si un artículo anterior sobre la relación entre el cuerpo humano y algunos diseños arquitectónicos le ha dejado sorprendido, en el caso de este libro ya no es que uno se quede sorprendido, sino que se quedará estupefacto cuando sus páginas le descubran cómo algunos edificios se pueden convertir en construcciones esotéricas cuyas formas, decoraciones y proporciones son guías espirituales, y en este caso particular, relacionadas con el pensamiento alquímico.

Al contrario que en otros artículos que he escrito, en este no comenzaré con una breve reseña sobre el autor del libro. Simplemente comentaré que detrás del seudónimo “Fulcanelli” se encuentra una de las mentes más sagaces e instruidas que haya dado la historia mística reciente. Sus revelaciones han sido reconocidas por su grandeza, pero en la mayoría de los casos han sido catalogadas como inoportunas por aquellos maestros místicos que creen en la ocultación informativa hacia las miradas profanas. Comparto esta última visión, aunque en esta webzine cultural esté informando sobre obras esenciales dentro del oculto y resbaladizo mundo de la mística, pero esta opinión no quita que hable sobre estos libros tan importantes.

Aviso, “Las moradas filosofales” es un libro difícil, muy bien llevado en su forma y genialmente opaco en su fondo. Fulcanellí es todo un genio a la hora de mostrar donde se encuentra el camino, pero también es un maestro consagrado a la hora de cubrir de neblina este mismo camino. “Las moradas filosofales” revela, pero tan solo al ya iniciado, a quienes ya han integrado en su ser el mensaje universal espiritual. En cambio, al profano le puede mostrar con elegancia y extremo rigor parte del mundo simbólico de la Alquimia. Hablar de su mensaje oculto ya sería otro cantar.

Aunque el libro lo componen dos libros, personalmente este libro lo dividiría en cuatro libros bien diferenciados. Un primer libro que nos habla sobre la Alquimia, su historia y evolución, como inicio al contenido del siguiente libro, en donde nos adentraremos en el mágico mundo de las moradas filosofales. Es en este segundo libro en donde mi apreciación cambia respecto al orden ofrecido en el mismo. Para mí, este segundo libro lo forman otros tres libros de contenidos muy bien delimitados, y cerrados en sí. Para ser más preciso, por un lado englobaría en un primer libro los apartados “La salamandra de Lisieux” y “El reloj solar del palacio Holyrood de Edimburgo”, un segundo libro lo compondrían los apartados “El mito alquímico de Adán y Eva”, “Louis D´Estissac”, “El hombre de los bosques, heraldo místico de Thiers” y “Los guardianes del cuerpo de Francisco II, duque de Bretaña”, y un tercer libro lo compondría el apartado “El maravilloso grimorio del castillo de Dampierre”. Cada uno de estos apartados es de sobra mostrado y explicado por Fulcanellí, y es de agradecer la amplia y variada colección de láminas incluidas en este libro, en donde se puede apreciar cada uno de los detalles comentados por el autor. Una colección de fotografías con un valor informativo incalculable.

“Las moradas filosofales” es un libro fundamental para personas interesadas en el mundo de la Alquimia. Las informaciones son detalladas, las explicaciones son mostradas de forma clara y concisa, haciendo que la inmersión en el tema sea sencilla y su desarrollo sea progresivo y sin lagunas, ni saltos o cortes bruscos. Fulcanellí para ello se apoya en un uso del lenguaje alejado de tecnicismos complejos y poco claros, con términos de uso común tanto en sus apreciaciones como en sus metáforas, símiles y percepciones. “Las moradas filosofales” es un libro que dejará satisfecho tanto al profano, como al neófito y al experto. Toda una joya de la mística. Por cierto, a aquellos que se atrevan a entrar inconscientemente en la irresponsable experimentación de parte de su contenido, advierto que jugarán con fuego y se quemarán. La Alquimia no es un juego, ni nada que se le parezca, y se encontrarán seguro con lo que no buscan. Este libro lo pueden leer perfectamente sin ningún problema, pero si quieren ir más allá, por favor, consulten antes a un maestro en la materia antes de hacer nada. Espero que lo disfruten.

Lux_Atman

Artículo Nº: 91
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JOY DIVISION “A darkness in my soul - studio demos -”


Publicado por : El Topo Records, (EL TOPO 005), 1988
Edición comentada : Doble Vinilo 12”

Cara A: You´re no good for me / They walked the line / Failures / Ice age / Interzone / Warsaw
Cara B: Transmission / Shadowplay / Leaders of men / Novelty / No love lost

Cara C: All of this for you / Leaders of men / They walked the line / Failures / Novelty / No love lost
Cara D: Transmission / Ice age / Interzone / Warsaw / Shadowplay


Valoración de la calidad del vinilo : 8 (Magníficos vinilos, destacando tanto el material utilizado como su impresión; la calidad de la grabación la considero entre buena y muy buena, en vista a lo que se ve en el mercado de este tipo de rarezas; un disco imprescindible para seguidores de Joy Division).

Entre todos los discos del grupo Joy Division publicados, “A darkness in my soul -studio demos-“ se ha convertido en una de las piezas fundamentales para poder apreciar a esta única y genuina banda de rock, de oscuro rock, en las grabaciones musicales previas que realizaron hasta dar con las versiones definitivas que, posteriormente, serían impresas.

“A darkness in my soul -studio demos-“ no solamente es una rareza por el valor de su contenido musical, sino también por su presentación, con un estilo preciosista tanto en el diseño de su portada como en el uso de vinilos de color, morado y verde, con un bello veteado imitando al dibujo del mármol. Un engalanamiento en los discos nada común en estos años.

Por cierto, en estas publicaciones siguen repitiéndose los fallos en la documentación contenida, como en el título de las canciones, orden de las mismas y su disco correspondiente. En esta edición, las canciones correspondientes al disco 1 indicado en la contraportada, en realidad, corresponden a las canciones de las caras 3 y 4 del disco en color morado, y viceversa, con el disco en color verde. Y si de canciones hablamos, la canción “The Drawback” indicada como correspondiente a la primera cara del primer disco, en realidad es la canción “The walked in line”; y el verdadero título de la canción “Novelties” es “Novelty”. En fin, un cúmulo de errores algo elevado.

Impresiones post-audición :

Empieza a sonar la canción “You´re no good for me” y nos quedamos perplejos con los aires after-punk de esta canción. Una impecable interpretación de la canción “They walked the line” será el siguiente paso por sus primeras grabaciones. Con un bajo algo confuso llega la canción “Failures” hasta que la sintonía del grupo termine por hacerse con las riendas de esta espasmódica canción. A continuación, podemos escuchar una versión un tanto tribal de la canción “Ice age” con un bajo y una guitarra maravillosos. Excelente versión. Con una batería abriendo las fauces de una agresiva guitarra eléctrica llegamos a la canción “Interzone”, en un tempo un poco más lento que la versión que acabaría grabándose finalmente en el disco oficial. Con un bajo con excesivo nivel en la mesa suena la canción “Warsaw”, entre saturaciones, distorsiones y algunos patinazos en el tempo de la misma.

La segunda cara del disco empieza con una versión un tanto lenta de la canción “Transmission”, con unos fondos electrónicos durante la canción que, posteriormente, desaparecerían en la versión definitiva. La verdad es que no entiendo por qué no las incluyeron, porque le dan una eléctrica atmósfera de lo más realista. En fin, misterios sin resolver. “Shadowplay” es la siguiente canción que podemos escuchar, en una versión donde la guitarra queda un poco forzada al inicio de la misma y con Ian Curtis utilizando un tono de voz un tanto punk en la interpretación. Tras “Shadowplay” entra “Leaders of men”, en una excelente versión donde el bajo y la guitarra se salen. ¡Qué placer para los oídos!. Pasamos a “Novelty”, una de las canciones de Joy Division que más me gusta, en una versión fresca y equilibrada. Con una sorprendente versión de la canción “No love lost” llegamos al final de este primer disco.

Cogemos el segundo disco, empieza a sonar la canción “All of this for you” en los altavoces, y de repente, las décadas pasadas tan solo parecen unos pocos años transcurridos. La aguja del giradiscos se ha convertido en una máquina del tiempo trasladándonos a los últimos años de la década de los setenta. “Leaders of men” es la siguiente canción, en una interpretación cargada de ironía lírica. “They walked the line” sonará en una grabación con una ecualización en la mesa no muy acertada, y con la canción “Failures”, encontramos una versión con una entrada y desarrollo más lineal que la versión incluida en el primer disco. Y llegó “Novelty”, una de las canciones que nunca me cansaré de escuchar, en una sobresaliente grabación que te deja el cuerpo con ese ánimo tan especial que tan solo la música gótica es capaz de transmitir. Con la entrada instrumental de la canción “No love lost”, una delicia musical, nos encaminamos hacia el cíclico surco central de esta cara.

Ponemos la aguja en el inicio de esta última cara y una etérea “Transmission” muy decorada nos vuelve a sorprender. La verdad es que “A darkness in my soul -studio demos-“ en lo que a valor documental sonoro se refiere, vale su peso en oro. Con acordes mas pesimistas llega la canción “Ice age”, entre salvajes aullidos se presentará “Interzone” y con una acelerada “Warsaw” llegaremos a las calles desiertas de una ciudad llamada “Shadowplay”, unas avenidas tan vacías como la música gótica tras la muerte de Ian Curtis. ¡Este artículo está dedicado a su memoria!. Ian Curtis y Joy Division, uno de los grandes pilares de nuestra cultura musical. Disfrútenlo.

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Lux_Atman

Artículo Nº: 90
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sábado, noviembre 25, 2006

ROBERT WALSER, "EL BANDIDO”


Publicado por : Ediciones Siruela
ISBN : 84-7844-739-3 Edición : 2004

Es conocida mi absoluta entrega como seguidor de un escritor tan excepcional como es Robert Walser, y como no, tocaba ya escribir un nuevo artículo. El libro seleccionado no ha sido otro que “El Bandido”, la historia de un inadaptado.

“A menudo vemos a los débiles presentarse como fuertes; a los enfadados, como alegres; a los humillados, como altivos; a los vanidosos, como humildes,...”

“El Bandido” es un libro que embriaga desde sus primeras frases debido a los densos efluvios sentimentales que manan de sus páginas. Con un estilo muy personal y limpio, desde los primeros parrafos Robert Walser nos hablará de un ser que, según sus propias palabras, “...es capaz de dejar escapar tantas cosas importantes, bellas y útiles de su cabeza”. Así es el bandido, un ser libre de ataduras, pero también, un ser sin apego alguno a nada ni a nadie, salvo a sí mismo. ¿Será “El Bandido” una solapada autobiografía del autor? Quien sabe, pero si el lector ha profundizado un poco en la vida y obra del escritor, el paralelismo que encontrará en las frases de este libro le harán pensar en esta supuesta confesión personal vestida con la ficción de una novela.

“Eres demasiado perezoso como para pensar siquiera que hay gente que sería muy feliz contigo y con los dones que posees.”

Si “El Bandido” es un inadaptado, un marginado, un outsider que se auto-complace de serlo usando esa supuesta inutilidad como si esta fuera su carné de identidad, leyendo este libro comprenderemos un poco más cómo vivía y sentía la vida un ser cuya escritura se convirtió en el lenguaje con el cual relacionarse con el resto del mundo, porque “El Bandido” tiene la mirada de Walser, tiene la lógica de Walser, tiene la esencia mundana de Walser. “El Bandido” es Walser, pero Walser no quiere que el lector pueda delimitar su forma de ser basándose en el personaje de esta novela. Las similitudes si son aceptadas, pero no las identificaciones. En toda identificación siempre hay algo importante que se queda al margen de lo considerado como importante o esencial.

“Eres un infeliz. Sólo te preocupa parecer feliz.”

El bandido, curiosamente, parece caer rendido a los pies de una figura idealizada convertida en mujer y oculta a la mirada de Eros tras un disfraz de camarera. Pero una cosa es el ideal y otra la realidad, y el bandido, seguro él de su independencia y solidez, se convierte en una Troya con el latente caballo de madera en el interior de sus murallas. Esta diosa se llama Edith, y con su brillante aura no oculta otra cosa que dolor, melancolía y desesperanza. Y como no, toda diosa tiene su contrapoder, su antítesis, y su nombre es Wanda. Wanda es todo lo contrario a ella. Es el fetiche, el obediente conmutador cuya activación nos lanza de lleno al interior del reino del placer.

“¿Podría un demonio tratar al objeto de su veneración de modo más grosero, rudo y despiadado?”

La contrariedad es la sangre del bandido. Cuando la sociedad le sonríe, cuando el amor llama a su puerta, cuando la felicidad le abraza, su actitud es siempre la misma: hacer lo contrario a lo que se espera de él. Da igual el camino que tenga que coger, o si este es mejor o peor para sus intereses. Él siempre decide ponerse en el lado opuesto. Pero entonces, ¿el bandido tiene algún tipo de moralidad, o principios? Si, sabe sacar una bella flor instantes antes de desaparecer de la vida de las personas, un gesto de excepcional valor, pero de escasa sustancia y sensibilidad. Así es el bandido, un aroma fugaz que encandila en el mismo momento que entra en tu interior, pero con la misma rapidez que entra, se marcha y desaparece, quedando solamente su recuerdo y una pregunta sin responder. Tal vez sea esa la forma de dejar su propia huella en esta vida.

“La postración es más bella a los ojos de quien se postra que a los ojos ante el cual se postran.”

“El Bandido”, el vagabundo que despierta en las personas que lo conocen esos sentimientos que, hasta entonces, habían permanecido en letargo. ¿Será el bandido un iluminado, un ser prodigioso?. La respuesta la tienen en las páginas de este maravilloso libro. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“... jamás llegó a conocerse a sí mismo.”

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Artículo Nº: 89
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AYRIA “Debris”


Publicado por : Alfa-Matrix, (AM-DCD 1028.ltd), 2003
Edición comentada : 2CD´s

CD 1: Dos / Horrible dream / Had something / Mercury / The radio / Red shift / Sapphire / Disease / Start again / Debris / Substance / Beta complex / Kiss me goodnight as I´m falling asleep

CD 2: Disease (Armageddon Dildos mix) / Horrible dream (Pzycho Bitch mix) / Substance (“More Pills” XPB mix) / Mercury (“Mercury Rising” VO1D mix) / Horrible dream (“Nightmare” Accessory mix) / Had something (“Snow Lake” Interface mix) / Disease (“Tractor Factor” Boole mix) / Horrible dream (Glis mix) / Sapphire (Implant mix) / Scattered Debris (Slipshod mix) / Disease (NamNamBulu mix) / Horrible dream (XPQ-21 mix) / Disease (EchoRausch mix)

Femeninamente onírico. “Debris” es el segundo trabajo publicado por Ayria, el proyecto musical de la cantante Jennifer Parkin, encargada de poner voz y letra a las composiciones musicales de Shaun Frandsen.

Las creaciones musicales de Ayria sorprenden por su riqueza sonora, su plasticidad y sensación expansiva contenidas en un estilo electro-pop novedoso y vanguardista, con ciertos aires EBM que aparecen en las canciones como relámpagos en el cielo. Esto, unido a la interpretación musical de Jennifer Parkin, con una voz que parece surgir de nuestra conciencia como un susurro nocturno en nuestro oído. Una voz tan atractiva como unos labios deseosos de ser besados en la complicidad de una oscura pista. Jennifer Parkin, una voz que transmite y sabe como enamorar al melómano amante fiel de la música electrónica.

Destacar el elaborado diseño utilizado en las letras de las canciones incluidas en el libreto, con unas imágenes de fondo muy vanguardistas. Una presentación de lo más efectiva e intrigante. Esta completa edición también incluye diverso merchandising del grupo, como pegatinas, parche, postales con imágenes de Jennifer Parkin,...


Impresiones post-audición :

La canción “Dos” suena. El combate intra corpóreo ha dado comienzo con intensidad, pero el descontrol acabará apoderándose de ti con la canción “Horrible dream”, una tormenta que descargará agua contaminada sobre tus sentidos. Con sonidos más electro-club aparece “Had something”, invitándote a perderte envuelto en sus melodías, mientras cierras los ojos y te evades. Entrando con una aureola cyber llega la canción “Mercury”, una plasticidad ambiental enigmática y contundente, y resaltada más aun por cantos de corte oriental marcados por la sensualidad. “Mercury”, una obra maestra electrónica. Con el sudor corriendo por la piel con fríos pies y “The radio” sonando, las luces se apagan y las apariciones se presentan ante nuestros ojos. Déjate llevar...

Las secuencias tecno de “Red shift” se extienden y todo lo mueven. Su vigor penetra en todas las cosas, inyectando esa energía vital nunca suficientemente agradecida. Con “Sapphire”, la calma no dará tranquilidad, sino que revivirá falsos miedos hasta que la liberación tal vez llegue con la canción “Disease”, una complicada desconexión para una relación fijada con los férreos hilos de la dependencia. Transportados por “Start again”, volvemos a la senda del destino perdido sin mirar atrás.

La perfección de las secuencias de “Debris” tratan de ordenar una vida plagada de improvisaciones e intuiciones de inevitables consecuencias. Siéntate y recobra tu aliento con “Substance”, pero si sigues adelante y dejas sonar los primeros compases de la canción “Beta complex” en los altavoces, quedarás irremediablemente encadenado a la nostalgia. ¡Increíble canción! Otra vez los sentimientos a flor de piel escuchando una voz transformada en una dulce compañía en la peor de nuestras noches solitarias, en una noche llamada “Kiss me goodnight as I´m falling asleep”.

Esta edición incluye un segundo CD con versiones de algunas de las canciones que forman parte de este trabajo llamado “Debris”. Entre todas las versiones, destacaría muy especialmente la realizada por el grupo NamNamBulu con la canción “Disease”, imprimiéndola una mayor fuerza intimista, y la versión de la canción “Horrible dream” del grupo XPQ-21, a la cual han sabido resaltar y sacarla un mayor brillo. El resto de las versiones, aunque se mantienen en un alto nivel de calidad musical, estas no llegan a esas cotas de virtuosismo en las mezclas, pero este toque de atención no desmerece en absoluto estas otras versiones, ya que grupos consolidados como Armageddon Dildos (versión de la canción “Disease”), Accesory (versión de la canción “Horrible dream”) o Implant (versión de la canción “Sapphire”) nos acaban sorprendiendo con su imaginación musical. Escuchando interpretaciones tan distintas de una misma canción como, por ejemplo, de “Horrible dream”, nos permiten pasar de ambientes más fieles al original (Pzycho Bitch mix), a otros mucho más tenebrosos y psicológicos (como el realizado por Glis), a versiones más radicales, como la versión Slipshod mix de la canción “Scarttered Debris”, o a versiones más selectas, como la canción “Substance (“More Pills” XPB mix)”.

“Debris”, un viaje por el reino de los placeres, las ilusiones y los miedos personales, coronados con un CD de versiones imprescindible para poder disfrutar el complejo mundo musical electrónico de Ayria en toda su plenitud. Disfrútenlo.

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Lux_Atman

Artículo Nº: 88
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viernes, noviembre 24, 2006

IN STRICT CONFIDENCE “Face the fear”


Publicado por : Zoth Ommog, (ZOT204), 1998
Edición comentada : Caja con CD en digipack.

Empire / Alles in mir / Prediction / Industrial love / Hidden thoughts / Room 101 / Engel mit feuer und schwert / Way of redemption / I don´t care / Ein mensch, ein kämpfer und ein schlächter

In Strict Confidence es uno de los grupos electrónicos que, a finales de los noventa, revolucionaron algunos conceptos musicales establecidos durante esta década a raíz del nacimiento y evolución del E.B.M, principalmente. In Strict Confidence dieron un nuevo dinamismo a la música electrónica, un aire innovador dentro del estilo electro-wave con ciertos acercamientos al industrial y elektronica.

“Face the fear” fue su segundo álbum y esta edición se publicó en una caja que incluía, a parte del CD en digipack, un poster en formato DIN A1, una camiseta negra con la impresión de la imagen de la portada, postales, fotos y pegatinas. Una edición muy completa y atractiva.

La relación que existió entre el sello Zoth Ommog, ya desaparecido, y el grupo In Strict Confidence no fue de lo más amistosa debido a que la compañía discográfica en ningún momento pagó cantidad alguna al grupo, ni por las ventas de este álbum, ni por las del anterior álbum, también publicado por esta compañía, hechos que obligaron al grupo a llevarlos a los tribunales. Zoth Ommog es un sello de leyenda para los amantes de la música electrónica, pero actitudes como esta ensombrecieron ese aura que les rodeaba. Es una lastima que unos actos innobles en Zoth Ommog marcaran un nombre que lo fue todo, pero pasemos a disfrutar este maravilloso álbum llamado “Face the fear”...

Impresiones post-audición :

Escuchando la canción “Empire” sentimos como las máquinas de una civilización triunfante avanzan inexorablemente, imponiendo su dogma. Gracias a “Alles in mir”, nada se escapará a su control. Mediante el uso de una programación espacial, el tiempo ha llegado a convertirse en otro instrumento más. El Sol vuelve a salir en este mundo binario y con la canción “Prediction”, veremos como la técnica se olvida de los sentimientos, pero “Industrial love” también nos dirá que entre el acero y el silicio puede surgir una rosa, aunque sea digital.

Aparece la canción “Hidden thoughts” con una situación angustiosa en una realidad opresiva. Tiene que haber una salida. En “Room 101”, la persona es prisionera de los pensamientos que la torturan y nunca encontrará la tranquilidad que tanto ansía hasta que “Engel mit feuer und schwert” permita a la mente viajar en sueños.

Con “Way of redemption”, no hay otra opción que la resignación ante un callejón sin salida. Delante de ti se encontrarán tus sueños rotos escuchando la canción “I don´t care” hasta que “Ein mensch, ein kämpfer und ein schlächter” te deje abandonado en caminos inhóspitos.

“Face the fear”, un álbum imprescindible en la colección discográfica de un buen amante de la música electrónica. Una garantía de calidad. Disfrútenlo.

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Artículo Nº: 87
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jueves, noviembre 23, 2006

“DEVILS”, Gilles Néret


Publicado por : Taschen
ISBN : 3-8228-2985-4 Edición : 2003

Este libro recopila las obras artísticas que han tratado de reflejar la imagen del Mal personificada en la figura del Diablo. Tanto en cuadros como en grabados, o incluso en esculturas, la diversidad de estilos y formas ha ido variando y evolucionando geográficamente bajo la influencia de las diferentes culturas y etnias humanas a lo largo del tiempo. Porque la evolución cultural ha sido determinante en el momento de establecer unos patrones con los cuales dar cuerpo a este maléfico ser. Cada etnia, con su visión religiosa particular, ha establecido una serie de signos y símbolos que identifican con el Mal, y ante los cuales hay que estar alerta, ante los cuales hay que tener cuidado para no caer bajo su influencia.

Representaciones del Diablo hay tantas como religiones han nacido en la historia del hombre. El Bien y el Mal, una dualidad innata del ser humano religioso. ¿Qué sería del hombre sin la religión?. Hasta en religiones tan poco propensas a ese dualismo extremo como la budista, también existen estas figuras infernales dentro de su marco espiritual. El lado oscuro tiene su lugar dentro de la vida del hombre, de cada ser, y quien sabe si estas supuestas criaturas no tendrán otra morada que el propio cuerpo, que la propia mente, que la propia psique del homo sapiens en su duro peregrinar por los confines de la Tierra.

¿Serán las imágenes de sus introspecciones? ¿Serán estas figuras semejantes a esa esencia destructora y egoísta que todo ser humano tiene en su interior? ¿Existirán verdaderamente estos seres externos que juegan con el ser humano, tratando de llevarlo a su destrucción? ¿O será la visión del propio alma mirando el siniestro reflejo que heredó junto con la carne?. Preguntas y más preguntas sin respuesta pero cuyas palabras, en el caso de este libro, se convierten en imágenes, un medio de expresión que va mucho más allá del significado de las palabras.

En el libro “Devils” encontraremos desde los diablos casi infantiles de Picasso hasta los diablos fantasmagóricos pintados por Matthias Grünewald, desde los siniestros diablos de Francisco de Goya hasta los diablos futuristas de Giger, desde el atractivo Satán de Antoine Wiertz al deforme y repulsivo diablo de Salvator Rosa. Sus ojos verán a negros diablos que sodomizan a condenados sobre ruedas de tortura (obra de un pintor anónimo francés), los cuales incluso, llegan a sodomizar usando teas ardiendo (Giorgio Vasari y Federico Zuccari, 1572-79). Diablos que encandilan a las damas, diablos vividores, diablos que anuncian desde jabón y perfumes hasta bebidas alcohólicas. Diablos representados por morfologías animales que van desde los siniestros diablos orientales devoradores de hombres hasta imágenes que rayan el surrealismo animal, ya sea este medieval (El Bosco) o actual (Félix Labisse). Y como no, un amplio muestrario de la figura del Diablo representada en distintas barajas de Tarot.

El Diablo, una imaginería variada e inagotable cuyo mensaje moral trata de provocar en el espectador el rechazo hacia ese mundo maléfico, ese sangriento y cruel mundo donde el ser humano es destruido de la forma más horrorosa posible. Las representaciones del infierno lleno de seres agonizantes, de seres sangrantes, de seres despedazados sin piedad como divertimento de los diablos que allí moran, se repite una y otra vez. Allí son sometidos a todo tipo de torturas inimaginables sin posible perdón, ni escapatoria. La sangre, el sexo más escabroso, la mutilación y el desamparo se extiende por este reino de fuego y dolor. Todo esto es lo que les espera a aquellos que caigan en las redes del Maligno.

Quisiera hacer hincapié en la excelente selección de muestras pictóricas relacionadas con el mundo de los faunos, de los sátiros, en donde la mujer es el objeto ha conquistar, la figura a ser disfrutada, porque la mujer tiene un papel muy especial dentro de la casuística del Diablo. La mujer es la que se pierde, la que cae con facilidad en los brazos del Maligno, la que no opone resistencia frente a la tentación, o sino, es la sacerdotisa adoradora del Mal, la seguidora fiel del Diablo, la que tienta al hombre con sus encantos para alejarlo del Bien, la que utiliza sus artes de seducción para engañar y corromper. Tanto en uno como en otro aspecto, la figura de la mujer nunca es representada oponiéndose al maligno y derrotándole. Tan solo el hombre, el héroe, es elegido para protagonizar este hecho. Una curiosidad aparentemente intrascendente pero cuyo mensaje condiciona fulminantemente la moral social. La mujer, o es débil, o es fuerte y poderosa pero al servicio del Mal. Tanto en uno como en otro caso, su imagen queda en entredicho.

Como colofón, quisiera destacar la extrema calidad del material utilizado por la editorial. Taschen ha cogido la calidad por bandera, y comprobamos como la selección del tipo de papel, del uso de tintas, de selección de temáticas y en su desarrollo, esta calidad alcanza niveles muy altos sin llegar a convertir sus publicaciones en obras prohibitivas en precio. Actualmente, su calidad/precio la convierten en una atractiva excepción indiscutible. Disfrútenlo.

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Lux_Atman

Artículo Nº: 86
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TEMPLE OF TWILIGHT “Moon Attraction”


Publicado por : Temple of Twilight, (TOT001-2), 2004
Edición comentada : CD

The temple of twilight / Misery / Anywhere / Firewalking / Into the light / Poison

Temple of Twilight es un grupo musical alemán que hace un rock gótico que no se escuchaba desde hacía bastantes años. Alejados de ruidos, de melodías simples y composiciones basadas en instrumentos acelerados, Temple of Twilight en cambio, se dedican a crear canciones llenas de sentimientos en donde cada uno de los instrumentos, brilla por sí solo de la mano de unos músicos profesionales de categoría.

El grupo musical Temple of Twilight lo componen Darc (vocalista), Ethan (teclados), Pete (batería), Dee (guitarra) y Josh (bajo), en una formación de rock gótico clásica que nos llevan a épocas en donde cada canción gótica se escuchaba detenidamente, se sentía, se apreciaba hasta el más mínimo detalle. Porque Temple of Twilight son eso mismo, el detalle en cada nota, en cada palabra que da cuerpo a la canción. En este grupo no te puedes quedar con un instrumento tan solo, sino que cada uno de ellos forma un todo vibrante y equilibrado de alto nivel musical. Las canciones compuestas por Temple of Twilight evolucionan, sus melodías entran y salen en tempos que respetan la vida y armonía de cada instrumento durante la canción, dándole esa riqueza musical tan especial.

Temple of Twilight es rock gótico puro, sincero, embriagadoramente oscuro, y este disco, “Moon Attraction”, es su primer trabajo musical y ya está pidiendo su hueco entre los discos de rock gótico de una colección que se precie.

Impresiones post-audición :

La composición instrumental “The Temple of Twilight” cobra vida, la oscuridad se abre paso en el cielo hasta que la canción “Misery” empiece a sonar lentamente, y los instrumentos vayan surcando el cielo nocturno arrojando rosas quemadas por la luz. El final de esta canción, increíble, con un piano de fondo marcando un tempo de lujo. Con las luces de la ciudad bajo nuestra mirada, observando en la oscuridad de la noche el color rojizo del extremo de nuestro cigarrillo, suena “Anywhere” con una esencia rockera de finales de los setenta que es una maravilla. El final de la canción con unos coros de fondo, genial.

Cerramos la ventana y un piano suena en el salón de la casa. “Firewalking” llega con la mirada perdida en el dibujo que las sombras forman en el suelo mientras un violín le regaña cada vez que alza la mirada. La sensibilidad nos embarga hasta que todo quede en una oscuridad total con otro excelente final de canción. Comienza la canción “Into the light” con un solitario piano que se acabará fundiendo con una guitarra eléctrica entre los desgarros de una voz rota por influjo del reflejo de la luz.

Con la canción “Poison” llegamos al final de este disco que nos sabe a poco ante tal despliegue de calidad musical. El amanecer llega con “Poison”, y la luz de la Luna dará paso a la luz del Sol, tiñendo el cielo de azul. Del negro al azul, ¿acaso no son el mismo fondo pero con distinta luz?.

Este grupo ha empezado con muy buen pie, y promete. Disfrútenlo.

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Artículo Nº: 85
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miércoles, noviembre 22, 2006

L´Ame Immortelle “SEELENSTURM”


Publicado por : Trisol, (tri190 y tri191), 2003
Ediciones comentadas : CD y CD más libro

Seelensturm (unreleased ´96) / For eternity (I am pain)(unreleased ´96) / I will not feel (unreleased 1996) / Winter of my soul (demo version ´97) / Hate is just a 4 letter words (cover version ´97) / Violation (unreleased ´97) / Silver rain (rare ´98) / Echoes (rare ´98) / Love is lost (Das Ich remix 99) / Ich gab dir alles (demo version ´99) / Bitterkeit (piano version ´99) / Forgive me (remix 2000) / Tiefster winter (remix 2002)

Si hay un grupo musical que ha revolucionado el ambiente gótico en Alemania, este no es otro que L´Ame Immortelle. Desde la mitad de la década de los noventa, este grupo no ha hecho otra cosa que crecer y crecer, tanto en calidad como en el número de seguidores, y como no, en ventas, haciendo que hoy en día sea considerada como una banda puntera dentro del panorama musical actual.

L´Ame Immortelle es una formación cuyos componentes tienen por norma arriesgar mucho con los temas que incluyen en cada nuevo trabajo, temas caracterizados por estar creados bajo la influencia de varias fuentes musicales como el black metal, la música electrónica y la corriente neoclásica. Y si hablamos de sus letras, nos encontramos con auténticas bellezas líricas. L´Ame Immortelle es un trío musical que le dan vida Sonja Kraushofer, Thomas Rainer y Hannes Medwenitsch.

Aunque las dos ediciones contienen estas trece canciones, la primera edición comentada contiene un precioso libreto de veintiocho páginas. Pero es la segunda edición la que se convierte no solo en una pieza de colección, sino en una obra de arte, combinando música y literatura, mis dos grandes vicios. Una edición publicada en un libro de noventa y seis páginas que incluyen letras de canciones y versos escritos por Thomas Rainer, y todo en una encuadernación de lujo ilustrada por Ingo Römling. Una joya de la corona para una colección de música gótica selecta.

Impresiones post-audición :

Entre violines y secuencias electrónicas se mueve la canción “Seelensturm (unreleased ´96)”, con una siniestra voz intencionadamente provocativa que la hace aun más oscuramente dulce hasta que “For eternity (I am pain) (unreleased ´96)”, con secuencias de corte militar nos lleven de la tierra al Cielo tras dejar atrás la prisión de carne y hueso.

Con “I will not feel (unreleased 1996)”, la presión y el estrés se vuelven densos, pegándose a la piel hasta hacernos insensibles, fríos como la canción “Winter in my soul (demo version ´97)” cuyos copos de nieve nos cubrirán hasta taparnos completamente. Con los ojos congelados, la canción “Hate is just a 4 letter words (cover version ´97)” llega para llevarse el escaso calor que aun nos pueda quedar en el cuerpo.

La rabia renace escuchando “Violation (unreleased ´97)” hasta que la voz de Sonja en “Silver rain (rare ´98)” de esa pincelada musical personal y única. Pulsante, la canción “Echoes (rare ´98)” entra en nuestro espacio sensitivo con sutileza y candor. Una canción agradable como el tacto de una pulida piedra preciosa.

El caos retorna con el remix de “Love is lost” realizada por Das Ich, grupo de sobra conocido en la escena musical gótica. Su estilo queda patente desde el primer hasta el último segundo de la canción hasta que lentamente de paso al piano de “Ich gab dir alles (demo version ´99)” con una melodía refugiada en medio de un bosque perdido, un lugar perfecto donde poder llorar sin que nadie la pueda ver. Donde poder soltar todas las desdichas. Pese a las secuencias electrónicas que lo apartaron, el piano sigue reclamando su protagonismo en “Bitterkeit (piano version ´99)”, una canción en donde Sonja se adentra en terrenos etéreos con comodidad y sensibilidad.

La electrónica vuelve con “Forgive me (remix 2000)”, una canción pensada para sonar especialmente en la pista de un local nocturno. Con la canción “Tiefter winter (remix 2002)” se cierran las puertas de este jardín musical solamente abierto a amantes de L´Âme Immortelle. Disfrútenlo.

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Lux_Atman

Artículo Nº: 84
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martes, noviembre 21, 2006

G. I. GURDJIEFF, “RELATOS DE BELCEBÚ A SU NIETO”


Publicado por : Editorial Sirio
ISBN : 84-7808-370-7 Edición : 2001

Pese a su título, no escribo sobre un libro satánico, o sobre satanismo, nada mas lejos de la realidad. “Relatos de Belcebú a su nieto” es un libro puramente espiritual y místicamente clarificador por la calidad de su mensaje, y escrito por uno de los maestros esotéricos más lúcidos del siglo XX, George Ivanovich Gurdjieff.

G. I. Gurdjieff nació el 1 de enero de 1877 en la ciudad de Alexandropol, perteneciente a la provincia rusa de Kars. Desde muy joven ya destacó por su inteligencia y facilidad de aprendizaje de los más diversos oficios, convirtiéndose muy pronto en una persona multidisciplinar, polifacética y amante de las diversas ramas del conocimiento, ya sean estos científicos o espirituales. Posteriormente decidirá, junto a un grupo de compañeros, iniciar el camino de la aventura por las vastas tierras del Asia Menor, un periplo personal de autoconocimiento al que dedicará más de veinte años de su vida, y durante el cual, tomará contacto con diversas escuelas místicas orientales que serán cruciales en su vida. Pasado este largo periodo de tiempo, en el año 1913 Gurdjieff reaparecerá en la ciudad de Moscú, empezando a impartir y enseñar los elevados conocimientos adquiridos hasta que la revolución rusa le obligue a buscar refugio en la ciudad de Constantinopla, pero durante el periodo de tiempo que permanece en tierras rusas, conocerá a quien será el principal discípulo y seguidor de su escuela filosófica, el matemático ruso Ouspenski.

De Constantinopla viajará a Inglaterra y de allí a Francia, país en donde fundará su institución filosófico-esotérica conocida con el nombre de Instituto para el Desarrollo Armonioso del Hombre. De allí saltará a la fama mundial debido al mensaje revolucionario de su doctrina, y cuya repercusión en Occidente será crucial. Pero en el año 1924, Gurdjieff sufrirá un accidente de coche que le llevará a reconducir el camino que hasta ahora había escogido, pasando a cerrar su institución y a dedicarse de lleno a escribir una serie de libros que se convertirán en obras místicas fundamentales para la corriente gnóstica. El 29 de octubre de 1949, el alma de Gurdjieff abandonó su cuerpo en la ciudad de París, dejándonos un legado cultural místico de incalculable valor. A Gurdjieff le debemos el conocimiento en Occidente del Eneagrama y de las danzas derviches, útiles para alcanzar planos de conciencia más elevados, y ambas procedentes de las escuelas místicas sufíes. Pero Gurdjieff, con ese espíritu renacentista que tan bien le define, destacó también como compositor musical, como creador de danzas y posturas corporales que permiten a quien las practica, elevar su espiritualidad de forma efectiva y comprobada, en unas danzas que llevan su propio nombre, Danzas de Gurdjieff; y sentó con sus bases espirituales, una avanzada enseñanza cuya metodología actúa tanto en el plano físico, como en el emocional y mental del individuo. Gurdjieff es esencial e insustituible para el hombre espiritual, como el agua lo es para los peces, y “Relatos de Belcebú a su nieto” es la primera parte de una obra compuesta por diez libros escritos por el autor. “Relatos de Belcebú a su nieto” lo forman los tres primeros libros, dejando los otros dos grandes libros pendientes de mi comentario.

“Relatos de Belcebú a su nieto” es un libro en donde Gurdjieff realiza una selección de lectores con una efectividad admirable. ¿Cómo puede ser esto? Pues de forma muy sencilla. Este libro tiene más de novecientas páginas, primer filtro; el maestro abusa del uso de términos inventados, difíciles de memorizar y leer, que llevan al lector no iniciado al aburrimiento y al desprecio de su contenido, segundo filtro; si esto todavía no ha permitido conseguir la harina más fina posible, Gurdjieff tiende a repetir las cosas una y otra vez hasta la saciedad, una inteligente estratagema para acabar con el profano más duro e insistente, tercer filtro; y como filtro final, como no, Gurdjieff inventa una historia pseudo-fantástica para quitarle todo posible apoyo documental a aquellos que creen que la mística es tan solo aprenderse de memoria una serie de símbolos, de mensajes y pautas. Aquí el maestro demuestra la gran sabiduría sufí adquirida, e integrada en su ser. Todo un genio del mensaje místico escrito. Se que más de un lector cuando vea el libro y se atreva a leerlo, así, sin ninguna persona que le guíe, pensará que este libro es poco menos que una burla, una broma literaria cara, un cuento vamos. ¡Pues sí!, este libro es un cuento, un exquisito cuento revelador. Disfrútenlo, y si no es así, busquen a un guía que les ayude. “Relatos de Belcebú a su nieto” se acabará convirtiendo en un libro que leerán y releerán... tras haber pasado por su tamiz. Disfrútenlo.

Lux_Atman

Artículo Nº: 83
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MANTUS “Ein Hauch von Wirklichkeit”


Publicado por : Trisol, (TRI 211 CD), 2004
Edición comentada : Digipack 2CD´s

Küss mich wach / Keine Liebe / Sehnsucht / Ich töte mich selbst / Dunkler Engel / Ein Hauch von Wirklichkeit / Ohnmacht / Stumme Schreie / Dein Feind / Der Spiegel / Blatt im Wind / Eiswasser

Bonus CD “Piano versionen”: Keine Liebe / Blatt im Wind / Dunkler Engel / Ein Hauch von Wirklichkeit / Küss mich wach / Sehnsucht


Espíritu romántico. “Ein Hauch von Wirklichkeit” es el título del quinto trabajo publicado por el grupo Mantus, una de las bandas góticas alemanas más pasionales de la escena musical actual. Mantus está formado por Thalia (letras) y Martin Schindler (composición musical e instrumentos), y sus creaciones se mueven entre la fuerza del rock gótico, la evanescencia del darkwave y la evocadora esencia del neoclasicismo en una acertadísima combinación de una grave voz masculina y una celestial voz femenina.

Esta edición en digipack contiene un CD adicional de corte neoclásico, incluyendo versiones instrumentales de algunas de las canciones de este trabajo, interpretadas a piano. Un lujo musical para una edición engalanada con un diseño acorde a su elegancia.

Mantus, música para almas al borde del decaimiento. El Romanticismo gótico sigue vivo en sus manos.

Impresiones post-audición :

La canción “Küss mich wach” suena y la voz de Martin Schindler se transforma en delicados dedos enredados en el sedoso pelo de la amada. ¿Unas caricias o una trampa? Sólo se que en la siguiente canción, “Keine Liebe”, la melódica voz de Thalia cubrirá ese difunto amor con la oscura capa de la nobleza. Maravillosa canción. En una misma línea musical entra la canción “Sehnsucht”, con Thalia en una escala ascendente de sensaciones y una calidez reconfortante. La suavidad se desvanece y la poderosa canción “Ich töte mich selbst” entra por la puerta mientras Martin Schindler arroja con su voz, unos guantes sobre un diván. Pasos sobre una alfombra sucia por las cenizas de una chimenea largo tiempo apagada. Una ventana se abre y la mirada de Thalia se pierde en el horizonte nuboso de “Dunkler Engel”, una delicia musical con pasajes neoclásicos. El cielo se termina cerrando entre los tonos grisáceos de “Ein Hauch von Wirklichkeit” y la tormenta se desata tras su largo viaje, dirigida por Martin Schindler.

El neoclasicismo regresa con la canción “Ohnmacht” en una de las composiciones más introvertidas que he escuchado en los últimos años, con unas melodías como olas rompiendo en nuestros recuerdos. Una canción que más parece el recuerdo de un mito. Lastima del final tan brusco al término de la canción. Pero para olvidar este pequeño resbalón, Thalia se encargará de embrujar el ambiente con “Stumme Schreie”, y Martin Schindler, de llevar a cabo la ceremonia “Dein Feind” antes de que el espejo se rompa con el mágico hechizo de “Der Spiegel”.

Tras “Der Spiegel” llega “Blatt im Wind”, desde mi punto de vista, la joya musical de este maravilloso disco. Una canción cantada por Thalia, con un timbre de voz que te impone, te llena, te desborda,... te domina. ¡Qué genial interpretación!. Pero el encanto continua con “Eiswasser”, una reflexión con ojos sellados por una realidad que defrauda. El final ha llegado, pero en el caso particular de esta edición, este no es otra cosa que el comienzo de otra nueva experiencia musical incluida en el segundo CD.

Escuchar hablar este piano en un día invernal mientras Martin Schindler y Thalia interpretan “Keine Liebe”, tiene algo especial que difícilmente se puede explicar con palabras. Y si es la canción “Blatt im Wind” la que suena, se hace imprescindible escucharla mientras la acompañamos con una copa de champagne rosado francés. Continuamos con la audición de “Dunkler Engel”, otra maravillosa versión como paso previo al virtuosismo interpretativo de Martin Schindler en la canción “Ein Hauch von Wirklichkeit”. La emotividad aparece de nuevo con “Küss mich wach”, pero es con “Sehnsucht” donde esta alcanza su punto álgido de la mano de Thalia. ¡Qué belleza!.

Merece la pena dejarse la piel para conseguir esta edición. ¡Qué segundo CD!. Disfrútenlo.
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Artículo Nº: 82
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lunes, noviembre 20, 2006

BlutEngel “DEMON KISS -limited edition 2-”


Publicado por : Out of line, SPV, (OUT 140/141/142, SPV CD 170-39608), 2004
Edición comentada : Caja con 3CD´s

CD 1 Demon Kiss : Angels of the mask / Forever / Silent tears (for you) / In the distance / Solitary angel / Love killer / Sensless life / Navigator / Stay / Ice angel / Go to hell? / Resurrection / Frozen heart / In my dreams / Verzweiflung
CD 2 Fire : Demon kiss (instrumental) / Second chance / Falscher stolz / Ohne dich / Kingdom

CD 3 Ice : Intro (konzertintro 2003) / Mistress of the club / Forever (schizophrenia remix by Buried Alive) / Die with you (akustik) / Multimedia track “Vampire romance part.1”


Lujuria. El grupo BlutEngel ha conseguido transformar los escenarios donde actúan en un exquisito baile de salón en donde la mascarada derivará en una ofrenda a la vida a través del sexo, la sangre y el espíritu. Con su renovado dark electro, BlutEngel se ha convertido en otro de los grupos estrella de la escena gótica actual, posición consolidada con obras como “Demon Kiss”, en cuya edición limitada nº2 la podemos disfrutar al completo.

Dividida en tres CD´s, “Demon Kiss”, “Fire” y “Ice”, este trabajo se convierte en un exhaustivo recorrido por su particular estilo musical, por su forma de entender las ideas convertidas en composiciones, y por una imaginería gótica estéticamente siniestra surgida en los confines ocultos de la ultratumba. Una preciosa caja exquisitamente presentada, que incluye un precioso libreto de 24 páginas con las letras de las canciones. Un lujo musical para una colección discográfica especialmente selecta.

BlutEngel está formado por Constante Rudert, Eva Poelzing y Chris Pohl, un grupo esencial para poder comprender los nuevos aires góticos que están renovando la escena en estos momentos. Una banda imprescindible en una sesión que se precie por su calidad, y por querer estar al día.

Impresiones post-audición :

Ponemos el primer disco en la bandeja del reproductor de CD´s, pulsamos la tecla Play y la canción “Angels of the mask” empieza sonar con sus bases electrónicas abriendo paso a la noche. Con “Forever”, los vampiros surgen de la nada, ofreciendo una vida eterna a quienes la deseen. Una forma de evitar que el calor carnal se termine como en “Silent tears (for you)”, una canción cercana a estilos musicales más etéreos. Si aun así la desesperanza no ha hecho mella en tu vida, “In the distance” será un buen cristal donde verse reflejado. Quien sabe si algún día conocerás a un ser tan especial como “Solitary angel” que ilumine tu cuerpo y te haga trascender más allá de donde nunca imaginaste. Pero ten mucho cuidado con los falsos ángeles, o te puede pasar lo mismo que en la canción “Love killer”, una desagradable experiencia.

No desestimes nunca el poder de los pecados, en “Sensless life” comprobarás como tu estado de conciencia puede quedar muy tocado si estos se adueñan de tu ser. Es verdad que lo prohibido es muy tentador, por eso la canción “Navigator” nos habla de un guía del placer nacido del fuego de las entrañas de la tierra. Es curioso como si este guía se le aparece a alguien, quien lo rechace estará arrepintiéndose de ello toda la vida, y si acepta coger su mano, se arrepentirá de ello por toda la eternidad, pero con una sonrisa en la boca, y cuando él falte, la excelente versión que el grupo ha hecho de la conocida canción “Stay” serán sus palabras de despedida, una partida que dejará las manos heladas como en “Ice angel”. “Ice angel”, una de las canciones que más me ha sorprendido en este CD. ¿Habrá abandonado definitivamente el camino de la luz?. Las intensas secuencias electrónicas de “Go to Hell?” tienen la respuesta.

A veces la vida para un ser supone la muerte y el sufrimiento de otro, y “Resurrection” es una prueba de esto, un oscuro acto que genera vida. ¿Contradictorio? La apoteósica “Frozen heart” así se define, o sino, abramos las puertas del reino de Morfeo y adentrémonos en sus dominios escuchando el neoclasicismo de “In my dreams” hasta que el final de la canción “Verzweiflung” nos abra los ojos. “Verzweiflung”, otra excelente canción con unos fondos electrónicos ensoñadores.

Encendamos la llama del segundo CD, y dejemos que el fuego ilumine la habitación con la versión instrumental de la canción “Demon kiss”, un poco curiosa al incluir en la misma voces. Sin abandonar los sonidos electrónicos, la reflexión llega con “Second chance”, una ingeniosa composición musical con un juego de secuencias imaginativa e innovadora. “Falscher stolz” es mucho menos compleja, más lineal, “Ohne dich” más melodiosa y cercana a sonidos etéreos, sin entrar de lleno en ese estilo, y la última canción, “Kingdom”, siguiendo pautas más sencillas.

Tras el fuego, el hielo del tercer CD cruje al sonar “Intro (konzertintro 2003)”, una excelente composición oscura e inquietante. De nuevo las bases electrónicas dance más repetitivas vuelven con la canción “Mistress of the club” hasta que la versión de la canción “Forever (schizophrenia remix by Buried Alive)” llegue con sus sonidos psicodélicos entre activos ecos. “Die with you (akustik)” es la joya musical de este álbum, y al que le pone su cierre, con una composición musical para piano a dos voces que es una maravilla. Una canción que justifica la posición de privilegio que disfruta BlutEngel dentro de la escena gótica.

Como regalo multimedia, el tercer CD incluye “Vampire romance part.1”, un video clip en donde la actuación en vivo del grupo se mezcla con el rodaje de escenas que no son otra cosa que guiños al cine de terror. Un excelente trabajo audiovisual. Disfrútenlo.

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Artículo Nº: 81
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“DHAMMAPADA. LA ENSEÑANZA DE BUDA”


Publicado por : RBA
ISBN : 84-473-2338-2 Edición : 2002

Hablar del “Dhammapada” es hablar de uno de los libros sagrados más importantes del budismo, es hablar de uno de sus pilares más importantes. El Dhammapada, el camino del Dhamma (pada, en sánscrito, camino o sendero; dhamma, o también dharma, deriva de la raíz verbal dhri y significa creencia recta, doctrina, verdad). El dhamma, todo ser humano tiene unos deberes, una integración en su ser del conocimiento de la verdad que ha de llevarle a la iluminación, porque el budismo, no lo olvidemos, es sobre todo una ética humana, una moralidad elevada y una vía espiritual serena y profunda cuyo objetivo final es la liberación del sufrimiento, dolor, o Dukkha. Por ello, el Dhammapada se convierte en una fuente de ese conocimiento fundamental para alcanzar ese estado de gracia divina y felicidad, el anhelado Nirvana. Atrás quedará el karma, la ley de causa-efecto que afecta de forma crítica y determinante la vida de las persona. Atrás quedará el doloroso ciclo de reencarnaciones, con sus procesos de nacimiento y renacimiento, en una vida condicionada por los erróneos actos cometidos en el pasado, tanto en esta como en otra vida. Así, el pasado ignominioso pasa factura en el presente, pero también, en manos de ese mismo ser estará el corregir y cambiar tal condicionamiento a través de unas pautas de comportamiento y actuación correctas. He aquí la importancia del Dhammapada. Una gran parte de las claves para conseguir ese cambio están contenidas en sus versos.

El Dhammapada es una recopilación de las lecciones que Buddha Shidharta Gautama dejó como legado en la India, un legado transmitido de forma oral por sus fieles seguidores durante siglos hasta que en el siglo III antes de Cristo, estas fueran reunidas y escritas en un solo libro. Así nació el Dhammapada, y lo componen cuatrocientas veintitrés estrofas mayoritariamente compuestas por dos versos, y divididas en veintiséis capítulos:

Versos Gemelos - El Estado de Alerta y Vigilancia - La Mente - Las Flores - El Necio - El Pandit (Sabio) - El Arhant (Honesto) - Los Miles - El Mal - La Violencia - La Vejez - Uno Mismo - El Mundo - El Buddha - La Felicidad - Lo Querido - La Ira - La Impureza - El Estar dentro del Dharma - El Camino - Temas Diversos - El Mundo del Sufrimiento - El Elefante - La Sed - El Bhikkhu (Monje) - El Brahmán (Noble).

Son lecciones fundamentales para poder recorrer la senda de la perfección con vitalidad y energía, pero el Dhamma es responsabilidad y Vinaya (disciplina). Es renuncia con convicción tras ser engañados por la materia, por la razón. Es fortaleza inmutable ante la adversidad. Es sintonía con la divinidad hasta que materia, espacio, sentimientos, tiempo e impulsos queden atrás como pruebas superadas. Es vivir con un único objetivo: la liberación definitiva para alcanzar la felicidad eterna.

Tras estas estrofas, esta edición viene complementada con un amplio estudio de esta doctrina titulado “Principales Conceptos Buddhistas”, el cual incluye cuarenta y seis referencias esenciales para poder comprender los términos más importantes mencionados dentro de las obras sacras del budismo. “Principales Conceptos Buddhistas” es una excelente guía donde las explicaciones se desarrollan de manera sencilla y trasparente. Aquellas personas que decidan adentrarse en este mundo harán de este apartado, una de sus fuentes de referencia a la hora de resolver las cuestiones que inevitablemente, le aparecerán durante su búsqueda.

Con el Dhammapada, la persona con ganas de seguir en su camino de aprendizaje encontrará esa sabiduría tan preciada, una sabiduría que exige un esfuerzo, una lucha constante contra los fantasmas de la mente, porque es en nuestra mente donde se encuentran nuestros padeceres, nuestras falsas ilusiones, pasiones y apetencias. Quien no lo vea de esta forma, seguirá comportándose en esta vida como un insensato, y sus insensateces le seguirán trayendo nuevos sufrimientos hasta que “sus ojos vean la realidad”. El Dharma es toda una filosofía de vida, un comportamiento no violento basado en la ética y moralidad enseñada por Buddha. Un camino religioso alejado de una fe que no se siente ni entiende, de unos ritos y ceremonias que no sirven nada más que para desviar a las personas por caminos sin principio alguno. Budismo es conducta, una conducta sabia, armoniosa, iluminada por la divinidad. Budismo es pureza interior, es luz.

“Dhammapada. La enseñanza de Buda”, una obra maestra llena de belleza. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 80
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