domingo, diciembre 31, 2006

SPEAKING SILENCE “The twilight world”


Publicado por : H.A.R / Sacral Productions, (referencia no incluida), 2002
Edición comentada : CD

All the seasons we are / Le miroir / Each song is a confidence / The leech / Fallen bird / Overflowing soul / Die nacht / Réveille-toi / The farewell kiss / The hurting / Dear friendship

Speaking Silence son la meticulosidad en la composición de cada canción, tanto en la letra como en la música, moviéndose en la frontera de lo etéreo y el rock gótico con clase. Rock gótico con la elegante y polivalente voz de Carla Picchiantano. De por si, en muchas canciones nos parece que más de una cantante participa en la interpretación. Un grupo que se autoproduce sus discos, toda una garantía de independencia, seriedad y rigor. Sencillamente, Speaking Silence es imprescindible en cualquier colección de rock gótico que se precie. Escucharlos es todo un lujo.

Impresiones Post-audición :

La tenebrosa “all the season we are” abre este viaje por los sentimientos donde una dulce voz, ve su miel amargada por otra diabólica voz oculta pero muy presente. Una guitarra eléctrica pone la guinda a esta excelente canción con brusco final, pasando a respirar ares bohemios con la canción “Le miroir”. En “each song is a confidence”, un bajo y una batería nos incitan a arrojarnos a los abismos de la pasión. ¿Serán cantos de sirenas escondidas en sus arrecifes malditos, o serán ninfas portando copas de hidromiel quienes nos estén esperando? ¿No te has arrojado aun al abismo de la pasión?, entonces “The leech” te contará lo que les sucede a quienes se dejan paralizar por la indecisión.

Con “Fallen bird”, llega el momento del sosiego previo al análisis de todo aquello que se nos escapa en la vida. La gélida voz de la derrota nos da paso a “Overflowing soul”, una canción donde el rock gótico se mezcla con sonidos etéreos, en donde el sonido de una guitarra eléctrica puede complementarse con la sutileza de un piano para dar como fruto, una de las canciones de rock gótico con más sentimiento que he podido escuchar. Aquí, la voz de Carla roza lo divino. Y por si todo esto fuera poco, en “Die nacht” esta maravillosa voz, acompañada de la magia de unos instrumentos de cuerda, nos lleva a volar en nubladas noches de Luna llena. Tras este vuelo nocturno, la decadente sonoridad del idioma francés nos erizará el vello de todo el cuerpo en “Réveille-toi”. Sólo nos falta un poco de absenta en los labios para disfrutarlo con total intensidad. El final de esta canción… ¡¡¡impresionante!!!.

El alma de la música gótica que se creaba en los ochenta, y que creías perdida, puedes encontrarla de nuevo en “The farewell” toda una rareza en los tiempos que corren. A continuación, en la canción “The hurting”, el tiempo se nos muestra inmisericorde con los fallos cometidos: así actuaste, así serás. Con “Dear friendship”, la tristeza de sus notas nos indican que estamos llegando al final de esta maravillosa obra, pero como siempre, la sorpresa nos cogerá desprevenidos con Speaking Silence. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 153
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ANTOINE DE LA SALE, “EL PARAÍSO DE LA REINA SIBILA”


Publicado por : Siruela
ISBN : 84-85876-25-3 Edición : 1995

“El paraíso de la reina Sibila” es un libro escrito en un periodo de grandes cambios en la cultura europea. A mediados del siglo XV, la cultura medieval se encuentra en el final de su ciclo y otra dimensión cultural, a la que denominamos como Renacimiento, empieza a gestarse alimentada por varios procesos desarrollados durante estas décadas: grave crisis en la jerarquía católica debido a las luchas existentes para conseguir el poder Papal, crecimiento imparable de la burguesía en un omnipresente mundo aristocrático, la peste y el hambre asolaban las tierras europeas, avance del imperio turco tras la caída de Constantinopla,...

“El paraíso de la reina Sibila” es un libro encargado por Agnès de Borgoña, duquesa de Borbón, a Antoine de la Sale (1385-1462), e inspirado en los sobrenaturales sucesos que acontecían en el interior de la Gola dell´Infernaccio (cueva situada en el monte de la Sibila, entre Ancona y Spoleto; Apeninos) a todo caballero que allí se internaba. El reino de la reina Sibila no es otra cosa que el jardín de las delicias, y las similitudes existentes entre la Sibila y la diosa Cibeles (en Italia es conocida con el nombre de Rea) son numerosas. Especialmente en lo que se refiere a los ritos orgiásticos celebrados en el interior de cuevas (simbólicamente hablando, cueva-vagina, interior de la cueva – útero; es volver al origen de la vida pero con dificultoso retorno), y por consiguiente, sus fúnebres ritos de culto a Atis, la muerte iniciática (Cibeles y Atis, Amor y Muerte, la generación de la vida y la desaparición de esta). El propio Antoine de la Sale tuvo oportunidad de experimentarlo el 18 de mayo de 1420 cuando a las ordenes de su señor, Luis III de Anjou, participó en la campaña italiana contra Alfonso de Aragón. Pasarán casi veinte años desde este acontecimiento en la vida de Antoine de la Sale hasta que se decida a escribir estas páginas.

Precursor de lo que será considerado en un futuro como cuento fantástico, “El paraíso de la reina Sibila” se aleja de la trama típica de la novela caballeresca en donde el caballero-héroe es un invencible libertador de reinas, damas y doncellas, para ofrecer otra estructura en donde el caballero es arrastrado por los acontecimientos. Pasa de superar las vicisitudes del destino a ser superado por este.

En “El paraíso de la reina Sibila” se encontrará con la Sibila y sus damas transformadas en melusinas, o serpientes bíblicas. Con “El paraíso de la reina Sibila” se adentrará en la cueva donde el hombre se mueve entre el placer y el terror, entre el erotismo y lo horripilante. Arriésguese y conozca a la Sibila, una femme fatale cuya morada se encuentra en el Infierno. Acepte su invitación para yacer en un lecho cuyas sábanas han sido bordadas por la Dama de la Eterna Sonrisa, la Dama Muerte. Entre en el reino de la Sibila, en el mundo de una mujer-serpiente con magnetismo sensual y perverso. Disfrútenlo.

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Lux_Atman

Artículo Nº: 152
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jueves, diciembre 28, 2006

STEFAN ZWEIG “LA PIEDAD PELIGROSA”


Publicado por : Editorial DEBATE
ISBN : 84-8306-520-7
Edición : 2002

¿Qué puede ocurrirle a una persona cuando se deja llevar por la incontrolable corriente de la compasión? ¿Qué efectos puede tener esa compasión en una persona, cuando lo que espera no es lo que recibe? La piedad, esa fruta que suele ser mordida por aquellos que creen recibir una meritoria y dulce recompensa por los actos realizados, pero al cual la realidad siempre acaba poniéndole en su sitio, en donde debería estar y no donde esperaba estar. La piedad, la compasión, esa atractiva imagen que nos conmueve y electrifica para realizar unos actos que en otras condiciones nunca haríamos, pero que por ese extraño poder interior que nos vuelve enérgicos, vitales, comenzamos a cuidar sin pararnos a pensar en el verdadero fondo. Y, estimado lector, cuando el fondo sale a la luz y nos trastoca todo ese mundo irreal que nos habíamos creado...¡la piedad pasa entonces a ser una red que nos atrapa!. Una red, un compromiso que antes era admitido de buen grado, pero que ahora se empieza a transformar en una pegajosa red en la cual, si nos movemos más nos enredamos, y si nos paramos, su simple contacto nos agobia. ¿Qué hacer entonces? ¿Huir? ¿Aguantar el tirón que nos anula como ser? ¿Mentir y hacer como si nada hubiera pasado? ¿Crearnos una mentira interna con la cual disfrazar la realidad que no nos place? Preguntas y más preguntas que poco a poco van contestándose según se van leyendo las páginas de este maravilloso libro. Algunas frases que me han encantado leer en este libro han sido las siguientes:

"...la mayoría de las veces, cuando se quiere reparar con demasiada prisa el engranaje de un mecanismo de relojería, se echa a perder toda la maquinaria."

"...¡de qué sirve hablarse y alentarse uno mismo cuando el equilibrio interior ha empezado a vacilar!."

"...una y otra vez, caemos sin remedio en la locura de creer que la Naturaleza distingue al primer vistazo a los hombres especiales con un aspecto especial."


“La Piedad Peligrosa”, una novela para pensar y reflexionar sobre nuestras actitudes, y sobre todo, sobre nuestras aptitudes. Stefan Zweig es uno de mis escritores predilectos, uno de los escritores que siempre recomendaré a aquellos que quieran tener obras maestras en sus manos y trasferirlas a su mente. A aquellos que quieren imprimir sus páginas, sus palabras, en su propia persona. A aquellos que aprecian la genialidad en el maravilloso mundo de la literatura. Si les apetece leer a uno de los mejores escritores del siglo XX, no lo duden, lean a Stefan Zweig. Disfrútenlo.

Lux_Atman

Artículo Nº: 151
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miércoles, diciembre 27, 2006

RENAUT DE BEAUJEU “EL BELLO DESCONOCIDO”


Publicado por : Siruela
ISBN : 84-85876-06-7 Edición : 1994

Un caballero sin nombre llega a la corte del rey Arturo. Con esta circunstancia se da inicio al libro “El bello desconocido”, texto escrito por Renaut de Beaujeu a finales del siglo XII. Pero, ¿por qué aconsejo la lectura de este libro medieval? Este libro no es el clásico libro de caballería en donde el protagonista pasa victorioso por una serie de pruebas sin más. En “El bello desconocido”, a parte de los lógicos duelos y combates, Renaut de Beaujeu nos adentra en la psicología del personaje principal, haciendo que el lector pueda identificarse rápidamente con el protagonista de la historia. No todo es una sucesión de disputas, sino que el enfrentamiento cara a cara con unos problemas serios en donde la espada no es la clave, nos despierta un interés creciente según vamos avanzando por sus páginas. Aquí no sólo importa la fuerza y el ser diestro con la espada o la lanza. Aquí lo que importan son las decisiones que el personaje ha de tomar, las cuales, en la mayoría de los casos, parecen llevarlo a un callejón sin salida escoja la opción que escoja. Renaut de Beaujeu nos demuestra claramente que es un excelente narrador e imaginativo tejedor de intrincadas tramas.

Otro importante motivo para su lectura es la curiosa dualidad existente en la elección del mundo femenino en la que se mueve el héroe. Por un lado, tiene el disfrute puro y verdadero del placentero amor a manos de una dama idílica; por otro lado, otra clase de vida compartida con una fiel dama, la del compromiso matrimonial, con todas las reglas morales que ello implica. ¿Cuál es su elección final? Eso si que no lo desvelaré en este artículo. En las páginas de este maravilloso libro hallarán la respuesta.

Pero el motivo principal en el que me apoyo a la hora de aconsejar la lectura de este libro es la atractiva combinación de frescura gramatical, de agilidad en el desarrollo de la historia, y en el ingenio en la construcción de frases con contenido moral, algo típico de la literatura medieval. Cuando leo estos libros, no solo disfruto con sus historias, sino que me formo como persona, como ser moral. Es verdad que los valores medievales pueden parecer alejados de la realidad actual, pero hay lecciones morales que son intemporales y que hacen grande a quien las posee. Y “El bello desconocido” es uno de los libros medievales más humanos que han pasado por mis manos. Esa es la belleza de la literatura medieval: la creencia en el ideal y en la formación moral del individuo. Valores que hacen al hombre más feliz en su peregrinar por la vida.

“El bello desconocido” es un libro de aventuras caballerescas que discurre por lejanas tierras, por ciudades encantadas en donde este bello caballero se encontrará con malvados gigantes, con damas de oscuro comportamiento, con apariencias femeninas que tratan de llevarlo al engaño y al fracaso, con situaciones idílicas que pronostican dificultades inminentes,... En “El bello desconocido”, todo queda en entredicho… ¡hasta el tiempo!. Disfrútenlo.

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Lux_Atman

Artículo Nº: 150
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martes, diciembre 26, 2006

FAITH & DISEASE “PASSPORT TO KUNMING”


Publicado por : Projekt, (PROJEKT146), 2003
Edición comentada : CD

She´s got a halo / Dyslexia / How far does the sky go / Between the folds / Lost in translation / Impermanence / Girl at the window / Made in wood / His faded muse / She´s got a halo (remix) / She´s got a halo (video)

Sigue viniendo a mi mente la imagen de un Squonk cada vez que escucho a este grupo. La melancólica voz de Dara Rosenwasser transporta a ese mundo idílico que nos gustaría poder tocar y sentir, que nos gustaría poder disfrutar y poder poner encima de la mesa como prueba en contra del tantas veces despiadado mundo en el que vivimos. Así, en este disco Faith & Disease nos vuelve a encandilar con nuevas canciones, manteniéndose fieles a las raíces de las que surgieron.

Impresiones Post-Audición :

La canción “She´s got a halo” abre este álbum iniciándonos a través de un rock gótico ligero y melodioso en donde una voz perdida busca su luz, busca su verdadero mundo, busca una puerta de salida a la oscura estancia en donde vive. Pero sobre todo, en donde muere lentamente. Con “Dyslexia” y “How far does the sky go”, la efímera permanencia del pasado y el anhelo del Paraíso serán los reyes del Tiempo. En “Between the folds”, son nuestros equilibrios entre el Bien y el Mal en la vida cotidiana, en nuestro presente perfecto que hacemos imperfecto la mayoría de las veces. En cambio, “Lost in translation” es laxitud, es la dura soledad de quien observa y respira en las alturas, de quien posee ese corazón que late y nunca es escuchado por nadie. Una guitarra afilada, un órgano fúnebre y una contundente percusión marcan la siguiente canción, “Impermanence”. Una calma que predice tempestades.

Lentamente, muy lentamente y con aires antiguos, nos encontramos con “Girl at the window”, una mirada a través de la ventana hacia un alegre pasado que nunca volverá, una mirada que añora momentos que se evaporaron como lágrimas de felicidad sobre una cálida piel. Si piensas que la estable seguridad sentimental por si sola no llena a un desilusionado y cansado ser, “Made in wood” es tu canción. Como apoteósico final y retornando al rock gótico de la primera canción, “His faded muse” reflejará esos injustos actos que van paralizando poco a poco hasta que la salvadora redención evite tu muerte en vida.

Como bonus track, este disco contiene una versión electro de la canción “She´s got a halo (remix)” y un video de la misma canción, en donde un acertado uso del simbolismo, provoca en el espectador un ambiente cargado de afectuosidad de lo más entrañable. Solo tres palabras, “Passport to Kunming”: Disfrútenlo.

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Artículo Nº: 149
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HAUS ARAFNA “BUTTERFLY”


Publicado por : Galakthorrö, (GALAKT014), 2003
Edición comentada : Vinilo 12”

Son of Cain / I kill to survive / Invisible / Für immer / Schockraum / Must be burn / Satanas and friends / Scars / Hingabe / Part of fortune / Agitation / Mirror me / Gravity to the end

Valoración de la calidad del vinilo : 10 (vinilo con una calidad increíble tanto en el material utilizado como en la grabación e impresión, especialmente las voces distorsionadas, los sonidos agudos y graves generados por moduladores y osciladores quedan reflejados fielmente; en nada se echa de menos el formato CD, mas bien, todo lo contrario).

Desasosiego se llama la particular musa de Haus Arafna. Este imprescindible grupo musical electrónico se mueve con soltura y comodidad por los reinos de la música industrial, noise y algunos territorios pertenecientes al más puro estilo dark-ambient. Detrás de la palabra aparentemente inofensiva que da nombre a este trabajo, “Buttefly”, se esconde uno de los ambientes electrónicos más fríos y sobrecogedores jamás publicados. Si lo que buscas es calidad, versatilidad y ambientes opresivos en la música electrónica, apunta el nombre de un grupo: Haus Arafna.

Impresiones Post-Audición :

En unos segundos caemos en un agujero sin escapatoria posible con “Son of Cain”. Esta brusca entrada en el mundo creado por Mr & Mrs.Arafna tan solo es una suave transición a “I kill to survive”, donde sólo los más fuertes sobreviven en este particular infierno. Los sentimientos se convierten en venenos letales cuando el implacable orden condiciona nuestra existencia. A esta dura entrada le sigue la canción “Invisible”, un lamento cuyo origen es el sufrimiento del alma. Pero el descanso y la tranquilidad aquí no son bien recibidos, y así, con “Für immer” nos invade la mente una voz que nace de la desesperación, una voz atrapada en la inhóspita ciencia. Una voz que dejará de existir muy pronto.

Con “Schockraum”, somos vidas reducidas a un eco, y posteriormente en “Must be burn”, todo lo material es efímero, todo lo que nos parece importante desaparece en un instante, quedándonos tan solo con sus cenizas en las manos. Seremos invitados a danzar en los salones del Infierno de “Satanas and friends”, y con la contundencia, la rabia y la opresión de “Scars” avanzaremos irremediablemente hacia la injusta y obligada sumisión de “Hingabe”, situación que no nos abandonará en absoluto pese a que “Part of fortune” contenga algunos mensajes de esperanza. Aunque eso sí, sospechosamente oscuros. A continuación, “Agitation” es un reflejo de la falsa libertad concedida al individuo en una sociedad dominada por la tecnología, llevando a la persona a “Mirror me”, la desesperada búsqueda de uno mismo. Cerrando este excelente disco se encuentra “Gravity to the end”, en donde encontramos en una de las frases de la letra de la canción, una definición muy clara del mensaje global de toda esta obra:
“why slave in Heaven when I could be lord in Hell”.


Como curiosidad, en esta edición comentada viene incluida una serie de cuatro diseños fotográficos en blanco y negro, cuyos títulos son bastantes explícitos. Disfrútenlo.
ISOLATION –CATHARSIS - TRANSFORMATION – RESURRECTION

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Artículo Nº: 148
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ITALO CALVINO “EL CASTILLO DE LOS DESTINOS CRUZADOS”


Publicado por : Siruela
ISBN : 84-7844-474-2 Edición : 1999

El libro está compuesto por dos obras, “El Castillo de los Destinos Cruzados” y “La Taberna de los Destinos Cruzados“, basados en diferentes barajas del Tarot. Pero este hecho, lejos de desviar nuestra atención durante la lectura del libro, acrecienta nuestro interés atrayéndonos irremediablemente hacia esa consistente variedad de escenarios en los que se desarrollan cada uno de los relatos. Realmente, Italo Calvino conoce muy bien como hacernos oscilar para poder movernos en perfecta armonía sobre la balanza de nuestra inquieta e intranquila curiosidad.

El Castillo de los Destinos Cruzados.

¿Qué sentirías sí en un viaje por tierras desconocidas perdieras tu rumbo en una noche cerrada, y como único refugio posible, encontraras un siniestro castillo (primera obra), o un mesón (segunda obra), en cuyo interior todos los que en él permanecen pierden su capacidad de habla?. Te sientes atraído por la historia, ¿no?. Pues este es el eje narrativo del libro cuya fuente de inspiración está fundamentada en las cartas de dos barajas de Tarot, el Tarot Visconti para la primera obra (la baraja original del Tarot Visconti se encuentra actualmente incompleta, al haber desaparecido dos de sus cartas pertenecientes a los Arcanos Mayores de “El Diablo” y “La Torre”), y el Tarot de Marsella para la segunda obra. Entonces, ¿cuál es la relación que Italo Calvino establece entre cada baraja con su respectiva historia?.

En la mente del escritor aparece la idea de escribir un libro de historias basándose en el establecimiento de series secuenciales de cartas del Tarot, y como regla a seguir decide que entre las secuencias ha de existir una relación tanto evolutiva, como no repetitiva y flexible. Con estos principios, comienza a encadenar las cartas en grupos, interrelacionándolos entre sí. ¿Cómo integra estos grupos de cartas en el libro?. El único medio de comunicación que los personajes encuentran, tanto en el castillo como en la taberna, son las cartas de una baraja de Tarot. Cada personaje hace uso de las cartas que cree más cercanas a la explicación de su relato, procurando que el resto de los allí presentes entiendan lo que él trata de contarles. De esta forma, aparecen historias como la de “el Ladrón de Sepulcros”, “Orlando Loco de Amor”, “el Bosque Vengador”, “el Reino de los Vampiros” y otros muchos más que harán deleitarse en su lectura al lector buscador de nuevas sensaciones literarias. Desde luego, este libro no le dejará en absoluto indiferente. Lo más probable es que pase a ser uno de los libros que más comente entre tu círculo de amistades.

Como final, quisiera resaltar el gran detalle ofrecido por la editorial en esta edición del libro al situar en los márgenes de las hojas, las reproducciones de las cartas allí mencionadas. Esta guía visual permite al lector no familiarizado con las cartas de cada Tarot, el poder vislumbrar claramente el vínculo existente entre cada una de las cartas con la trama que allí acontece. Disfrútenlo.

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Artículo Nº: 147
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lunes, diciembre 25, 2006

WILLIAM LAWES “Consort Set in Five & Six Parts”


Publicado por : ALIA VOX, (AV9823 A+B), 2002
Edición comentada : Digipack 2CD

Consort Set in Five Parts : Consort Set a 5 in g minor / Consort Set a 5 in a minor / Consort Set a 5 in c minor / Consort Set a 5 in F major / Consort Set a 5 in C major

Consort Set in Six Parts : Consort Set a 6 in g minor / Consort Set a 6 in C major / Consort Set a 6 in F major / Consort Set a 6 in B flat major / Consort Set a 6 in c minor


Escribir sobre William Lawes es todo un placer; y comentar un disco publicado por Alia Vox, o sea, el sello creado por el magnífico y estudioso director Jordi Savall, se convierte en mi reverencia personal hacia el esfuerzo, la dedicación y el tesón de una persona que ha hecho de las interpretaciones musicales, una obra de arte. Jordi Savall ha hecho de sus formaciones HESPÈRION XX, y actualmente HESPÈRION XXI, una compenetrada, flexible e impecable agrupación musical con la cual transmitir todo el sentimiento contenido en estas obras fundamentales de nuestro pasado musical. Con “Consort Set in Five & Six Parts”, Jordi Savall conmemora los doscientos años del nacimiento de este genial compositor.

El trabajo de alta calidad realizado por Jordi Savall en el sello Alia Vox, le ha permitido abrirse camino en el dificultoso mundo de la música clásica y hacer de Alia Vox, uno de los sellos más prestigiosos a nivel mundial. Y todo este inmenso trabajo tiene un especial valor al realizarlo en un país como España, tan dado a no reconocer los méritos de las mentes más despiertas e innovadoras nacidas en su tierra.

A destacar la cuidada presentación del disco, en donde podemos ver en la portada el supuesto retrato del compositor, obra propiedad de la Facultad de Música de Oxford en la actualidad. El libreto contiene una completa información sobre el compositor y su obra, y se agradece el poder leer los comentarios en español, idioma comúnmente ignorado en los libretos incluidos dentro de las grabaciones publicadas por los sellos discográficos de Música Clásica.

William Lawes.

Inglaterra, 1602. Nace en Wiltshire el que sería uno de los maestros de la música barroca inglesa. Teniendo como maestro a John Coprario y con sus grandes dotes para la música, con menos de 23 años William Lawes entró a formar parte del selecto grupo de músicos de la corte del príncipe Carlos de Gales, quien con el tiempo, sería coronado rey con el nombre de Carlos I de Inglaterra. Desde entonces, se establecerían estrechos lazos de unión entre ambos, llegando Lawes a ser el músico privado del futuro rey. Una devoción que será mutua ya que para Carlos I de Inglaterra, Lawes será “Father of musicke”, y para el compositor, su fidelidad hacia la monarquía perdurará hasta su muerte, el 24 de septiembre de 1645. Tras el estallido de la guerra civil en el reino, Lawes se alistaría voluntariamente en el ejército del rey, y tras varias campañas, en el asedio de Chester recibirá un disparo en la cabeza que terminará con su vida. El final de esta sangrienta guerra civil llegará con la victoria de Oliver Cromwell sobre las tropas realistas y la posterior decapitación del rey Carlos I de Inglaterra en 1649.

Como discípulo de Coprario, musicalmente hablando William Lawes superará a su maestro, convirtiéndose en el nexo de unión entre dos grandes genios de la música inglesa: John Dowland y Henry Purcell. Sus composiciones llegarán a estar a la altura del “Lachrimae” de Dowland, o de las “Fantasías” de Purcell. Como curiosidad, William Lawes tuvo por costumbre no poner título a sus obras.

“Consort Set in Five & Six Parts” es un disco que necesita varias audiciones para poder sacar de él todo su potencial musical, ya que William Lawes es la sorpresa permanente. La interpretación es magistral, con una flexibilidad digna de elogio. La grabación, impecable. Entre todas las obras contenidas en estos dos discos, quisiera destacar “On the playsong: a 5” perteneciente al “Consort Set a 5 in g minor”, “Fantazia: a 5” perteneciente al “Consort Set a 5 in c minor”, “Fantazy [no.2]: a 6” perteneciente al “Consort Set a 6 in F major”, y “Inomine: a 6” perteneciente al “Consort Set a 6 in c minor”. Pero no hay que confundir que las destaque, con que sean las mejores. Todas estas obras son excelentes muestras del placer musical, y escritas cuando el tempo en la música era puro virtuosismo. Cuando el tempo permitía concentrar los sentidos y llevarnos a un estado de equilibrio interior. Disfrútenlo.

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Artículo Nº: 146
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HERMANN von KEYSERLING “Diario de viaje de un filósofo”


Publicado por : Espasa-Calpe, S.A
ISBN : Inexistente Edición : 1928

En 1919, tras finalizar un largo viaje alrededor del mundo, el conde Hermann Alexander von Keyserling escribió un libro de viaje en donde reflejó una serie de razonamientos y conclusiones obtenidos en sus estancias por diferentes países, destacando especialmente, el continente asiático sobre todos los demás. Poco tiempo después, el libro se publicaría con el título “Diario de viaje de un filósofo” pero, ¿quién es Hermann von Keyserling? ¿por qué incluyo un diario de viaje en una sección sobre filosofía, religión y esoterismo?.

Hermann von Keyserling nació en 1880 en la ciudad alemana de Könno, actualmente perteneciente a Lituania. Su nacimiento en una familia de aristócratas permitirá que encuentre el excelente medio en donde desarrollar todo su potencial intelectual, haciendo del estudio y la preparación, su eje personal en la vida. Todo este despliegue intelectual se verá con el tiempo incrementado gracias a su afición viajera, afición que mantendrá a lo largo de su vida y que lo llevará prácticamente a todos los rincones del mundo. Pero estos viajes no serán simples visitas en las cuales ver otras culturas distintas a la europea. Para von Keyserling, cada viaje será una inmersión en otra cultura, será una nueva experiencia personal que le enriquecerá enormemente con nuevos puntos de vista, con nuevas perspectivas con las cuales ver el mundo. Pero el factor que será determinante en cada una de sus estancias será el influjo espiritual que recibirá de cada área, de cada ciudad, de cada poblado, de cada cultura. Los cinco continentes se convierten en su escuela de vida, en su biblioteca del conocimiento, en su libro de filosofía personal, libro que leerá con profundidad, seriedad y con un excelente punto de vista, pero cuyas páginas ningún ser humano ha llegado a terminar nunca. Toda una vida, incluso de trescientos años, es un periodo muy corto cuando lo que se busca es la Verdad. Sin esta búsqueda, la vida humana no tiene sentido alguno salvo lo exclusivamente animal.

“Diario de viaje de un filósofo” no es un libro, es un arcón lleno de ideas, conclusiones, separaciones dignas de un preciso cirujano, análisis precisos y detallados, y todo esto desarrollado con un estilo de escritura que hace de la sencillez, la forma de transmitir lo aparentemente complejo. Por ello, “Diario de viaje de un filósofo” se hace muy fácil de leer aunque la edición que está en mis manos esté compuesta por dos volúmenes. Sus palabras nos harán pensar, nos obligarán a hacer más de un alto en el camino para asimilar tal acumulación de razonamientos sencillos, pero profundos e intensos. En este medio filosófico, se lee y se ve a von Keyserling moverse con una soltura y agilidad digna de elogio, y esta agradable sensación nos anima a seguir leyendo, a seguir avanzando, a seguir aprendiendo con el mensaje contenido en cada una de sus frases, porque von Keyserling para nada se adentra en terrenos técnicos donde los términos complejos, terminan por convertir un libro de filosofía en un enredo.

Especialmente dotado para la filosofía, en este libro von Keyserling nos habla de cómo el carácter de cada uno de los pueblos se haya sutilmente condicionado por la religión dominante en la zona. Así, religión, sociedad e individuo se hayan íntimamente relacionados en una serie de lazos que, aunque permanecen sabiamente ocultos a la mirada del pueblo, para el ojo de halcón de un buen filósofo no pasan desapercibidos. Leer como el budismo da forma al intimismo, como el confucionismo da forma al bloque social, como el catolicismo da forma al inconformismo,... nos provoca la sensación de estar mirando claramente no la forma, sino el fondo. Porque von Keyserling nos induce a eso, a no dejarnos seducir por la forma y buscar ese fondo que se esconde detrás de la forma. Antídoto contra el seductor engaño de Maya.

En 1920, von Keyserling fundó una escuela de Sabiduría en la ciudad de Darmstadt. Su objetivo será difundir el mensaje filosófico mediante el cual la intuición prima sobre la inteligencia. Los razonamientos al respecto son indudablemente muy interesantes, pero en este apartado, difiero con el autor. Desde mi punto de vista, creo que la inteligencia prima sobre la razón, ya que la inteligencia va mucho más allá que la tensa razón, la cual peca de ser un poco corta de vista a la hora de ver la realidad humana. La intuición creo que es más bien una manifestación de la propia inteligencia que un ente concebido a parte de la misma. Del poder de la inteligencia humana conocemos muy poco. Intuimos, y nunca mejor dicho, su enorme potencial. Lo que sí podemos afirmar es que tan solo usamos una mínima parte de su capacidad. Quien sabe si la intuición está dentro de esas zonas oscuras de la inteligencia, pero bueno, el objetivo de este artículo no es abordar este tema. Sigamos con von Keyserling.

Cuando lleguemos al final del libro veremos que, a parte de todos los razonamientos expuestos, hay un mensaje que engloba todas estas ideas. Para von Keyserling, la crisis en la que se halla Occidente tiene solución, pero hay que buscarla en Oriente. Occidente necesita absorber ciertos conceptos e ideas orientales para dar un nuevo vigor a su estancado pensamiento. Esta unión entre Oriente y Occidente es la que von Keyserling propone como futuro, idea que comparto en su esencia. Difiero en asuntos muy concretos, pero en general, von Keyserling me parece un maestro de la filosofía, sobre todo, en su visión sobre el sentido, al cual define como la zona de más alto rango que nos es posible discernir. Para von Keyserling, todas las cosas en este mundo adquieren su propia significación a raíz del sentido. Sin sentido, nada existe, y el sentido además, no conoce límites. Si a la capacidad intelectual del ser humano no podemos poner límites, es obvio que al sentido tampoco. ¿Estarán relacionados? Desde mi punto de vista, sí, pero von Keyserling incluye un factor llamado intuición que altera esta relación, y cuyo concepto ya he tratado anteriormente.

Hermann von Keyserling murió en la ciudad de Innsbruck en 1946. Su legado literario es fundamental como guía de estudio en temas religiosos, sociales y filosóficos. Desde luego, leer un libro suyo es acceder a excelente una fuente de conocimiento, es beber de sus límpidas y cristalinas aguas, aguas a las que el ser humano ha gustado ennegrecer con actos propios de la barbarie. ¿Somos tan racionales como creemos? Dejo esta pregunta en el aire.

Como información adicional para aquellos lectores que se encuentren interesados en adquirir esta magnífica obra, aunque el libro se publicó en 1928, es posible encontrarlo sin problemas en las librerías de viejo de grandes ciudades como Madrid, Barcelona, Valencia,... Un poco de tesón y paciencia, y la búsqueda habrá merecido la pena en cuanto empiecen a leerlo. Como libro es una auténtica joya literaria. Desde LUX ATENEA les animo a adentrarse en esas aventuras literarias escondidas en las estanterías de las librerías de viejo, auténticas bibliotecas del saber donde siempre salimos con algún interesante libro de más, a parte del que buscábamos. Disfrútenlo.

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Artículo Nº: 145
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OLGA NEUWIRTH “Bählamms Fest”


Publicado por : Kairos Production, (0012342KAI), 2003
Edición comentada : Doble CD

Composición dividida en trece partes, de “1. Bild”a “13. Bild”.

Olga Neuwirth es una joven compositora de música contemporánea muy especial. Su obra es amplia para la juventud que atesora, pero es la excelente calidad de sus obras y en particular, la ópera “Bählamms Fest”, lo que me tiene enganchado desde que la escuché por primera vez. Desde luego, si lo que quieres es sentir el miedo convertido en música, “Bählamms Fest” es tu disco. No debes dejar pasar la oportunidad de escucharlo. Son noventa y tres minutos sobrecogedores. Como advertencia, no aconsejo su audición en la oscuridad de la noche. Impone mucho.

Aclaración: Etiqueto este disco también como “Música Clásica” ya que en las tiendas de discos lo podéis encontrar en esa sección.

Impresiones Post-audición :

Lentamente nos adentramos en “1. Bild”, una voz femenina fugaz y a su vez cercana, se acerca y se aleja ante nuestra presencia. Parece como si nos introdujéramos en una cueva maldita en donde los ecos son señales de advertencia, señales de peligro. De repente, todo cesa. Una conversación. Un sobresalto. Otro sobresalto. Voces demoniacas, ladridos, apariciones, olas de terror nos rodean, nos desorientan. Y los músicos de la orquesta parecen estar poseídos, tal y como están tocando sus instrumentos musicales. Si has llegado hasta aquí escuchando este disco, estás atrapado. Estás perdido. Como siempre sucede cuando el miedo nos visita, nuestros pasos nunca retrocederán. Siempre irán hacia adelante.

Los aullidos se presentan en el salón de los espíritus en “2. Bild”. Risas alocadas, instrumentos de viento que nos imponen, locura, tensión. Nuestra presencia no es bien recibida. Salimos del salón y entramos en una oscura y sucia habitación llamada “3. Bild”. Mal asunto. Como si de una casa endemoniada se tratara, unos entes espectrales nos asaltan, nos asustan, nos amenazan. Nuestra piel se sensibiliza, se contrae, se resquebraja,... se cae a trozos. Ten cuidado, no hagas ruido. No respires. Insensato, despertaste al guardián del Infierno. ¿Escuchas sus ladridos? Buscará nuestro rastro; nos buscará hasta encontrarnos. Huyamos.

¿Alguien se ríe en “4. Bild”? Debe parecerle muy graciosa nuestra situación. Nuestra angustia parece hacerle feliz. Somos su juguete, somos su diversión. Nos paramos y tratamos de hacernos una idea de donde estamos, pero la calma llega con intranquilos aires. Con “5. Bild” entramos en la composición más larga de toda la obra, diecisiete minutos y medio. “5. Bild” es ruptura, son grietas, son gritos desoladores, son fragmentos afilados que se clavan en la carne. Y lo decrépito empieza a cobrar vida mirándonos a través de sus cuencas de los ojos vacías. Buscábamos sentir miedo con la música, ¿no?.

Oídos atentos. “6. Bild” es una presencia, un teléfono que no para de sonar y nadie descuelga. Es un ser que se oculta, es la negra aura que todo lo domina. Rezos, plegarias teñidas de sangre, fuego y dolor, pasos que se alejan, estridentes compases que nos cortan el aliento. Estamos en “7.Bild”. Los momentos de relativa calma de “8. Bild” son un siniestro descanso en la cama con dosel de la habitación de los espectros. “9. Bild” y “10. Bild” forman un todo en este disco. Con “9. Bild” regresan los desgarradores gritos, el gélido sudor del sufrimiento, las palabras de un despiadado juez y verdugo: Gevurah y Maat han sacado su inmisericorde balanza. Así, una vez juzgados, “10. Bild” es pura aflicción y de la punta de una espada gotea sangre en “11. Bild”. Alegrías y llantos se suceden; el desenlace parece estar cerca con “12. Bild”. Craso error. Aullidos de reunión, escalofriantes llamadas, bajamos a “13. Bild”, al sótano de esta mansión embrujada, de este lugar de celebración de aquelarres y misas negras, pero precisamente aquí será donde encontremos la puerta de salida de este paraíso infernal. ¿O prefieres quedarte dentro?. Entonces, pulsa de nuevo el botón de play de tu reproductor de CD´s. Disfrútenlo ( o súfranlo).

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Lux_Atman

Artículo Nº: 144
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domingo, diciembre 24, 2006

“THE QUEENES GOOD NIGHT: Elizabethan music played upon Harp & Lute”


Publicado por : SYMPHONIA, (SY02197), 2002
Edición comentada : CD

Anónimo “Callinoe” / Thomas Robinson “Passamezzo Galliard” / John Johnson “Dump in c” / Thomas Robinson “A plain song” / “Twenty ways upon the bells” / Anónimo “Robin” / John Johnson “The hunt´s cup” / John Dowland “Melancholy galliard” / Anónimo “Bergamasca” / John Johnson “Dump in F” / “The leaves be green” / Anónimo “An almain” / Richard Allison “spanish measures” / John Johnson “Rogero” / “Wakefield on a green” / Anónimo “Quadro Pavan” / “Galliard” / “Le rossignol” / John Dowland “ Sir John Smith” / John Johnson “Green garters” / Francis Pilkington & Marchant “Echo almain” / Anónimo “Conde Claros” / Thomas Robinson “The Queens good night”

Tres son los instrumentos musicales cuyos sonidos me atraen irremediablemente. Muy especialmente, la clave, y todas sus variantes, clavecín, clavicordio, clavicémbalo,...; el laúd, con sus notas medievales te transportas a otras perspectivas con las cuales ver la vida; el arpa, mágicas notas salen de las cuerdas de este instrumento (cuenta la leyenda que fue Hermes quien la inventó, usando el caparazón de una tortuga). Esto no significa que no me gusten otros instrumentos, o que no los aprecie, si no que al escuchar cualquiera de los instrumentos citados anteriormente, hay algo dentro de mí que se activa al hipnótico canto de sus notas. Me imagino que cada persona debe tener sus propios instrumentos musicales favoritos, y quien sabe que ocultos mensajes recibimos cuando cada uno de ellos nos habla. El mundo de la música se crea dentro de un orden matemático, y curiosamente, su mensaje nos aleja de los sentimientos racionales. Una paradoja de lo más extraña, pero real.

En este disco nos encontramos con una recopilación de composiciones creadas durante el reinado de Elisabeth Tudor (1558-1603), y James Stuard (1603-1625), periodo de gran esplendor y gloria en la cultura inglesa. Enrique VIII, padre de Elisabeth Tudor, ya destacó en su reinado por sus gustos musicales, estimulando las composiciones para arpa, instrumento por el que sentía una especial debilidad. En estas partituras para laúd y arpa, podemos encontrar un excelente reflejo de la vida social de la época en donde elegancia y distinción se mezclaban con lo tradicional.

Piezas para danza, para recitales,... para mecer a la reina hasta llevarla a un mundo de dulces sueños. “The Queenes good night” es un delicatessen musical para amantes del buen gusto y la finura en las notas musicales. Escuchar las obras incluidas en este disco de John Johnson, compositor y figura destacada en las composiciones para laúd de ésta época, es embriagarnos con una belleza incomparable. Sentir la magnífica interpretación de las maravillosas composiciones de John Dowland, es todo un lujo. Y que decir del resto de obras escritas por autores tristemente anónimos. Es entrar en suntuosos palacios dignos de la nobleza. Desde luego, mi consejo es que este disco y otros que comentaré en próximos artículos, no deben faltar en cualquier visita a un parador nacional, edificios llenos de historia en donde estas obras vuelven a sentirse como en casa. Disfrútenlo.

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Artículo Nº: 143
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DOMENICO SCARLATTI “LETTERE AMOROSE”


Publicado por : Virgin Classics, (7243 5 45546 2 9), 2003
Edición comentada : CD

Piangete, occhi dolenti / Sonata in A major K 208 / Sonata in A minor K 532 / Tinte a note di sangue / Sonata in F minor K 466 / Sonata in B flat major K 248 / Sonata in E flat major K 508 / Scritte con falso inganno / Sonata in D major K 511 / Sonata in D major K 492 / Sonata in G major K 412 / Sonata in G major K 521 / L´Ottavia restituita al trono (Duetto) / Tolomeo et Alessandro (Recitativo e Duetto)

“Lettere amorose” es un disco que incluye una exquisita selección de obras musicales del compositor Domenico Scarlatti, 1685–1757. Cantatas, sonatas y duetos son interpretadas por dos maravillosas voces femeninas, Patrizia Ciofi (soprano) y Anna Bonitatibus (mezzo-soprano) acompañadas por un clavicordio sutilmente acariciado por las excelentes manos de Alan Curtis. Alan Curtis también dirige la formación musical Il Complesso Barocco encargada de llevar todo peso de la parte instrumental, y el cual está compuesto por seis violinistas, violonchelo, contrabajo, laúd y clavicordio. Una completa formación cuyos músicos realizan una interpretación musical de alto nivel profesional. El resultado final no es otro que hacer de “Lettere amorose”, un disco de auténtico lujo.

Tanto la calidad del sonido en la grabación como la interpretación merecen las más altas calificaciones, y más aún, cuando un instrumento tan especial como el clavicordio entra en escena. En este apartado, Alan Curtis hace alarde de sus excelentes cualidades para abordar algunas partituras, por difíciles que estas sean. Por ejemplo, tanto podemos disfrutar de su delicada interpretación en “Sonata in F minor K 466”, en donde no parece tocar las teclas, sino besarlas con delicadeza, como acto seguido, sentir su alegre técnica en vibrante actividad en “Sonata in B flat major K 248”. ¡Que precioso es el clavicordio cuando es mimado por expertas manos!.

Entre todas las obras incluidas en este disco, desde mi particular gusto musical destacaría “Tinte a note di sangue”, una pieza maravillosamente interpretada y que rápidamente se apodera de nosotros para hacernos sentir como si fuéramos partícipes en una escena de amor de la época. Grande es la magia poseída por esta atractiva pieza. En cuanto la escuchen, ya verán como asentirán este comentario. Desde luego, no perdería la ocasión de adquirir un disco como “Lettere amorose”, e incluirlo en uno de los lugares privilegiados dentro en su colección discográfica. Discos como éste, fácilmente acaban agotándose porque en las ediciones de música clásica de alto nivel, las piezas de lujo literalmente vuelan. Aquí si que no te puedes andar con parsimonias, sino luego llegan las sorpresas.

“Lettere amorose”, música barroca escrita por uno de los grandes maestros de la música, Domenico Scarlatti. ¿Quiere ponerle un broche de oro a su audición? Pues acompáñelo con una copa de champagne y deje que tu mente se evada... ¡Embriáguense con la dulzura de tan aristocrático ambiente! y disfrútenlo.

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Artículo Nº: 142
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STEFAN ZWEIG, “LA LUCHA CONTRA EL DEMONIO (Hölderlin – Kleist – Nietzsche)”


Publicado por : El Acantilado
ISBN : 84-95359-04-9
Edición : 1999

Ángel del suicidio. Encaramado en su posición de Gran Heraldo en el reino de la Dama Muerte, es el encargado de elevar a las cumbres celestiales a los escogidos discípulos de los dioses. Y me pregunto, ¿miramos a través del espejo nuestra gran paradoja?. Creo que no. Simplemente percibimos e intentamos acercarnos al esquivo eje del sentido de la vida universal. Genialidad, suicidio y muerte. Letal triada dominadora tanto de los tres pensadores en este libro incluidos, como del autor y escritor del mismo. Curioso es el final de los grandes. Y, ¿por qué juntar a Hölderlin, Kleist y Nietzche? Los nexos de unión que demuestran esa clasificación son las siguientes, aunque el autor huye de ese tipo de terminología por las limitaciones que conlleva:

a) Los tres viven en un permanente estado de alejamiento del mundo. Lo terrenal les resulta totalmente ajeno e indiferente.
b) Poseen un caudal de creatividad casi infinito que supera totalmente a su propio ser. Viven en un continuo éxtasis de creación casi hipnótico. Son verdaderos genios.
c) Nacen rebeldes y mantienen su rebeldía hasta el final, aunque esto los arroje hacia su autodestrucción.
d) Viven en una época que no es la suya. Su personalidad, pensamiento y obra se encuentran mucho más allá del resto de la sociedad, por ello sufren de la más profunda incomprensión.
e) Los tres mueren de forma prematura, ya sean arropados por la locura o besados por el ángel del suicidio. Como bien dicho Nietzsche

“La estrella que brilla mucho más que el resto, es la que menos duración tiene”. Y como siempre sucede en esta vida, también existen las excepciones.

Tanto a Hölderlin, como a Kleist y Nietzche, Zweig los considera esclavos, posesos del demonio. Así es como él define al demonio y su influjo, y de ahí su apreciación:

“Llamaré demoníaca a esa inquietud innata, y esencial a todo hombre, que lo separa de sí mismo y lo arrastra hasta el infinito, hacia lo elemental”

“El demonio es, en nosotros, ese fermento atormentador y convulso que empuja al ser, por lo demás tranquilo, hacia todo lo peligroso, hacia el exceso, al éxtasis, a la renunciación y hasta la anulación de sí mismo”

“Todo espíritu creador cae infaliblemente en lucha con su demonio, y esa lucha es siempre épica, ardorosa y magnífica. Muchos son los que sucumben a esos abrazos ardientes - como la mujer al hombre -; se entregan a esa fuerza poderosa, se sienten penetrar, llenos de felicidad, para ser inundados del licor fecundante. Otros lo dominan con su voluntad de hombre, y a veces ese abrazo de amorosa lucha se prolonga durante toda la vida”


Hölderlin – Kleist – Nietche versus Goethe.

Zweig procede a la comparación con Goethe como método para realzar sus virtudes, igual que para destacar un color, un pintor lo acerca a su color opuesto, iniciando una serie de estudios comparativos entre ellos. Mientras Hölderlin-Kleist-Nietzsche ( y a partir de ahora, me referiré a ellos con las siglas H-K-N) son poseídos por el demonio, Goethe se mantiene en un permanente estado de alerta ante su influjo, evitando en todo lo posible sufrir el dominio de este. El demonio se convierte en su más encarnizado enemigo, y al cual nunca le permitirá establecer la más mínima tregua. Decide enarbolar la bandera roja de la guerra sin cuartel. En cambio, H-K-N nunca tuvieron ni mujer ni hijos, ni hogar ni propiedades, ni trabajo fijo ni empleo duradero, sus amistades fueron frágiles y su reconocimiento social nulo. Son auténticos nómadas en el interior del mayor de los vórtices. Goethe es todo lo contrario. Tiene mujer e hijos, una gran casa propia con estupendas colecciones en su interior en donde nunca faltaron unos pocos buenos amigos, e increíble éxito social con innumerables distintivos que así lo acreditan. Es un completo sedentario dedicado a la expansión y profundización de su propia base. Goethe, como eterno curioso, considera las cosas terrenales como esenciales en su vida, todo lo contrario a H-K-N. Goethe ama la vida, la necesita para desarrollarse como ser. Para H-K-N, la vida llega a convertirse en un lastre, en una limitación a su expansión espiritual, y mientras Goethe muere con honores, H-K-N mueren con la aureola de los héroes. Puro misticismo. Por este motivo, quisiera destacar tres comparaciones realizadas por Zweig que considero muy acertadas y bastante esclarecedoras :

a) Usando la geometría, considera a Goethe como un circulo en expansión. Crece en todas las direcciones por igual, teniendo como centro su “yo”. Mientras H-K-N son parábolas, crecen hacia el infinito con increíble fuerza pero en su punto más álgido, sufren una brusca y rápida caída hacia la nada. Y yo me pregunto, ¿caen o en realidad se liberan?.
b) Usando la música, y tomándola como “la razón que se transmuta en éxtasis, y el idioma en himno”, le resulta bastante revelador que Goethe siempre temiera su fatal atracción, mientras que para H-K-N es pura magia, pura energía abstracta sin fronteras.
c) Y finalmente, usando la medicina por comparativa, Goethe es para Zweig la salud, mientras H-K-N son la enfermedad, lo vírico. Pero cuando lo vírico, lo patológico, transforma a un ser en inmortal, deja de tener ese aspecto nocivo para convertirse en la más pura y salvífica salud.

El Romanticismo del siglo XIX versus Deus.

El siglo XIX se despierta con unos años convertidos en una letal etapa en la cual, su nueva generación pura y entusiasta, será brutalmente sacrificada. Durante los primeros quince años del nuevo siglo, Europa sufrirá el mayor holocausto cultural que jamás haya conocido hasta entonces. Los dioses debieron reverenciarse ante tan magnífica generación nacida, y como respuesta, decidieron mandar a la Gran Dama Muerte para evitar la eclosión y maduración de tan excepcionales semillas. Debieron pensar que qué sería de la Humanidad si estas iluminadas almas unieran a su ya temprana sabiduría, la experiencia y reflexión que nos da el dios Cronos.

Con André Chénier, Francia ve nacer un nuevo helenismo. Será guillotinado. John Keats, genio lírico inglés, a los 27 años sucumbe ante la enfermedad. Shelley, ante su tumba, entona en su honor el más magnífico canto fúnebre que un poeta dedicó a otro, “Adonais”. Dos años después, Shelley muere en una pequeña tempestad en el Mar Tirreno. Lord Byron, amigo suyo, enciende su pira funeraria. Dos años más tarde, Byron morirá víctima de unas fiebres. Francia e Inglaterra quedan convertidas en un desolado cementerio cultural, pero no serán las únicas en sufrir esta letal carnicería. Alemania ve como Novalis, místico y gran descubridor de los secretos más ocultos de la Madre Naturaleza, muere prematuramente; Kleist se suicida de un disparo en la cabeza; Raimund morirá al poco tiempo también de forma violenta; George Büchner muere a los 24 años víctima de una fiebre nerviosa; Wilhelm Hauff, muere a los 24 años; Schubert, músico excepcional, tendrá el mismo final. Alemania en pocos años queda convertida en un inmenso mausoleo cultural. El resto de Europa sigue sus mismos pasos: Leopardi, Bellini (“Norma”), Gribodejov (el espíritu más clarividente de la nueva Rusia) es apuñalado, Aleksandr Pushkin muerto en duelo,… Ninguno llegó nunca a alcanzar los cuarenta años de edad, y unos pocos privilegiados llegan a la treintena. Pero, entre toda esta grandiosa tragedia, sobrevive un único e irrepetible poeta en Alemania. Su nombre es Hölderlin.

En este libro podréis encontrar las biografías de tres de estas grandes almas, Hölderlin, Kleist y Nietzsche de la mano de Stefan Zweig, uno de los escritores más grandes del siglo XX. Esta obra, que forma parte de un conjunto de libros a los que reunió bajo el nombre de “Constructores del Mundo”, es de lectura imprescindible para aquella persona cuya alma se vea reflejada en los sentimientos y actos de los genios del Romanticismo. Disfrútenlo.

Este artículo está dedicado a ti, Hölderlin, allí donde te encuentres. Espero que tu alma se halle en ese idílico mundo que tanto buscabas.

Lux_Atman

Artículo Nº: 141
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sábado, diciembre 23, 2006

THE CREATURES “Hái!”


Publicado por : Sioux, (SIOUX15V), 2003
Edición comentada : Doble vinilo 12”

Say yes! / Around the world / Seven tears / Godzilla! / Imagoró / Tourniquet / Further nearer / City island / Tantara!

Valoración de la calidad del vinilo : 10 (increíble calidad tanto en el material como en la grabación e impresión; a destacar las percusiones, quedando reflejadas con una gran fidelidad).

Hablar del grupo The Creatures es hablar de uno de los pilares de la cultura gótica: el eclecticismo. Tanto Siouxie como Budgie, disco tras disco, nos vienen demostrando que la amplitud de miras no está para nada reñida con la perspectiva gótica personal. Si Hawai fue el punto de inspiración de su trabajo “Feast”, España lo fue para “Boomerang” y Francia para “Anima Animus”, la inspiración para poder crear este excelente disco llega tras el fin de su gira “Seven Year Itch Tour” en Japón, agosto del 2002. El país del Sol Naciente enciende la imaginación musical del grupo y tras el periodo lógico de grabación, The Creatures nos sorprende con un trabajo lleno de instinto, de profundidad, de sensualidad, de pura inspiración y aires sacros. Montes nevados, estéticos bosques, ecos de cantos religiosos en templos sintoístas, equilibrados reflejos en la superficie de un lago, gestos sensuales intensos, tensión y límite,... paisajes mentales contenidos en este disco con portada minimalista casi iniciática.

En este disco, el peso de los ritmos Taiko está solidamente sostenido con la colaboración de Leonard Eto, auténtico especialista en este arte. La palabra Taiko se utiliza para denominar al arte del tambor japonés. Como curiosidad, en las artes marciales el Taiko ha sido utilizado como vía de refinamiento cultural. El poderoso retumbar del Taiko también es usado por las principales religiones de Japón como vehículo de comunicación con los Dioses.

Impresiones Post-audición :

El sonoro viaje por tierras japonesas se inicia con la vitalidad tribal, con el carácter y la fuerza trasmitida por las canciones “Say yes!” y “Around the world”. Adentrándonos en “Seven tears” nos convertimos en los ojos del viajero, en la mente del observador, nos transformamos en movimiento con la inquietud a nuestras espaldas. El toque de modernidad llega con “Godzilla!”, una canción que da culto a esta bestia fantástica, a este monstruo universalmente conocido. Con “Imagoró”, el sentido musical da un giro de ciento ochenta grados, entrando en un ambiente espiritual trascendente con cadencias rituales y voces que nos hipnotizan.

“Tourniquet” exhala sensualidad, sudor y contacto con una cálida piel, sedas y latex en un paseo por las fronteras del placer y el dolor. Tras “Tourniquet”, la languidez nos embriaga escuchando “Further nearer”, una peligrosa atracción por la imagen idealizada y cuya sonrisa es letal para quien la recoge. En el baile de la serpiente solamente hay una posible vencedora, y si creíamos que tras estas sensaciones, el margen creativo casi no existe, “City island” nos absorbe con sus silencios, nos atrapa con ese decaimiento en la atmósfera. Para finalizar este recorrido musical, no puede quedar todo en este estado tan peligrosamente interior. Por este motivo, la canción “Tantara!” inicia un estallido de positividad, optimismo y energía acorde con su título, y cuyo significado es ese alimento imprescindible para una sociedad en correcta evolución.

A ver si muy pronto podemos volver a tener la oportunidad de ver a este grupo en directo. En su última visita a España, en la ciudad de Barcelona ofrecieron uno de los mejores conciertos que haya tenido oportunidad de ver. Creo que en su próxima gira, una parada en nuestras tierras sería más que de agradecer. Mientras dura la espera, ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Lux_Atman

Artículo Nº: 139
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DIES NATALIS “StraBen voller Staub -Live in Europa-”


Publicado por : Nielozilla, (NZ003DN), 2003
Edición comentada : Doble Vinilo 12”

Dies natalis solis invicti / Anabell / Ein wanderer also am ende seiner reise / The time / We stand / Time goes on (from dusk to dawn) / Rain / Harvest rain / The seventh seal / Have you ever / Gnade / Angels of Babylon / The clock / Gestern / Anabell returns / Deine hand zu halten / Tristan / The past dies in a crime

Valoración de la calidad del vinilo : 10 (vinilo con una calidad increíble tanto en el material utilizado como en la grabación e impresión, especialmente los agudos y percusiones quedan reflejados fielmente).

Dies Natalis es un grupo que han hecho del estilo musical neofolk, su bandera, y de la calidad en sus melodías, el estandarte en donde lucirla. Unas composiciones basadas fundamentalmente en un instrumento, la guitarra, y una acertada combinación de graves voces masculinas con suaves voces femeninas como acompañamiento, les permiten crear unas amplias y variadas creaciones musicales cuya efectiva sencillez nos hacen navegar en el cuidado mar de sus melodías. Con grupos musicales de esta calidad, la cultura musical gótica queda engrandecida intemporalmente. Si quieres escuchar a un grupo que se destaque por su imaginación en la elaboración de excelentes canciones, su nombre es Dies Natalis.

Impresiones Post-audición :

Bajo la lluvia, internados en la profundidad de un frondoso bosque, los recuerdos inundan nuestra mente escuchando “Dies natalis solis invicti”. Con la entrada de la sencilla presencia musical de una flauta y una guitarra, “Anabell” nos narra la historia de un corazón débil, la historia de ese cruel dictador llamado inseguridad que a tantos seres subyuga. Si la sencillez era la base de “Anabell”, en “Ein wanderer also am ende seiner reise” es la percusión la que marca el tempo, la que establece el orden hasta que “The time” nos invite a cerrar los ojos, a leer en los libros de nuestra memoria. Si lo que buscamos es ser llamados por el susurro de la mujer amada, “We stand” será la canción perfecta, pero si son las sombras las que nos persiguen y asedian, “Time goes on (from dusk to dawn)” nos pondrá en el centro de esa difícil situación.

Nubes grises aparecen en el horizonte de “Rain” para ofrecernos su sosegado llanto en “Harvest rain”. Con el ímpetu de “The seventh seal” pasamos a la alegría de “Have you ever” para regresar, acto seguido, a las mágicas notas de piano de “Gnade”. A continuación, “Angels of Babylon” se convierte en todo un himno al espíritu de unidad que debería regir los destinos de la escena gótica. Esa fuerza de fraternidad que tantos supuestos góticos tratan de destruir para impedir que esta reine en nuestra cultura. El tiempo transcurre inmisericorde en “The clock” y nadie puede pararlo hasta que el hechizo del sonido del piano regrese con la canción “Gestern”, paso previo a la audición de “Anabell returns”, en donde nunca un ser querido queda perdido en nuestro olvido. Gravoso es el ambiente que respiramos con “Deine hand zu halten” como antesala a una bellísima canción, “Tristan”. Cerrando los ojos casi podemos sentir a nuestro lado a Isolda.

Finalizando este maravilloso viaje, “The past dies in a crime” nos devolverá a una realidad de la que hemos conseguido evadirnos durante un largo periodo de tiempo. Así como la razón mata la imaginación y el instinto, la cruda realidad amenaza y atacará nuestras esperanzas. Disfrútenlo.

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Lux_Atman

Artículo Nº: 140
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viernes, diciembre 22, 2006

SOL INVICTUS “THE BLADE”


Publicado por : Tursa, (TURSA014), 1997
Edición comentada : Vinilo 12”

The Blade / In Heaven / Time flies / The house above the world / Laws and crowns / Once upon a time / See how we fall / Gealdor / From the wreckage / Nothing else / Remember and forget / The Blade

Valoración de la calidad del vinilo : 8 ( una calidad buena, el material utilizado en el disco es muy bueno pero la grabación y producción podía haber sido mucho mejor ya que la tecnología actual permite calidades mucho mayores sin elevar excesivamente el coste final; la impresión es muy buena).

Sol Invictus es una pieza esencial dentro de la escena neofolk europea, aunque los aires neoclásicos ocupan un espacio considerable dentro de sus creaciones. Hay que destacar en cada composición la importancia de los instrumentos de viento y cuerda, y muy especialmente, el violín, dando una extraordinaria solidez musical. Esta característica es precisamente una de sus principales señas de identidad. También los toques sacros, tanto cristianos como paganos, tienen su sitio en el universo musical de Sol Invictus, que unido a una voz masculina en el más puro estilo inglés, nos hablan de una pagana visión cuya seriedad e imaginación en las obras permiten unir la evolución musical actual a la tradición europea.

Desde luego, es totalmente recomendable la audición de Sol Invictus en formato vinilo, y si adoran también la parte fetichista del universo musical, si pueden conseguir la edición firmada por el propio Tony Wakeford, como es este caso, mejor que mejor. Tony Wakeford, el alma mater de Sol Invictus.

Impresiones Post-audición :

La versión orquestal de la canción “The Blade” abre este disco, dándonos paso a “In Heaven”, una reflexión sobre el paseo por el filo de la espada que cada uno de nosotros debemos realizar en esta vida. El tiempo nos lleva de un escenario a otro como hojas mecidas por el viento en “Time flies”. Aquí, el peso de los instrumentos de cuerda da estabilidad a una canción dominada por la fragilidad en el mensaje de la letra. El final de esta canción pule la belleza musical creada dándola un brillo muy especial. Una necesaria luz solar trata de salir en “The house above the world”, luz que espantará las sombras en las que se encuentran las tierras europeas. Con “Laws and crowns” los gloriosos himnos de la victoria dejan su sangrienta huella en las coronas del poder. El sonido de los instrumentos de viento nos introducen en “Once upon a time”, unas tierras dominadas por la decadencia, la tristeza y el recuerdo de glorias pasadas. Escuchando “See how we fall” parecía que todo estaba dominado y bajo control, pero la confianza llevó al desastre, un desastre muy bien representado por los distorsionados sonidos de la guitarra eléctrica al final de la canción.

Oscuras plegarias emanan en “Gealdor”, siendo “From the wreckage” la continuación al ritual desatado. Una flauta nos ofrece esos momentos de armonía perdida hasta que el violín nos devuelve a la cruda realidad, violín que se convierte en la base musical de “Nothing else”, una apocalíptica visión. “Remember and forget” es la joya musical de este disco, una delicada voz del canto sacro acompañada del sonido de una flauta harán de esta canción, una de las piezas musicales más especiales para todo aquel melómano amante de la música escrita con mayúsculas. Con estas demostraciones de calidad, Sol Invictus puede permitirse el lujo de callar muchas bocas que buscan con el ataque a la ideología, ensombrecer sus composiciones musicales extraordinarias. La versión vocal de “The Blade” cierra este impresionante disco con un aura de grandeza acorde con el espíritu de esta obra. Disfrútenlo.

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Artículo Nº: 137
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DANKO JONES “We sweat blood”


Publicado por : Bad Taste Records, (BTR1205), 2003
Edición comentada : Vinilo 12”

Forget my name / Dance / I love living in the city / I want you / Heartbreak´s a blessing / Wait a minute / Strut / Home to hell / Hot dawn woman / The cross / Love travel / We sweat blood

Valoración de la calidad del vinilo : 9 (vinilo con una calidad increíble tanto en el material utilizado como en la grabación e impresión, calidad reflejada especialmente en las guitarras y la batería, pero en las canciones “Home to hell” y “The cross” el tratamiento técnico de sonido que se le ha dado a la grabación baja un poco respecto al dado al resto de las canciones que componen este excelente álbum musical).

Estamos ante uno de los grupos con el rock más contundente y cortante que existen en la actualidad. Con una formación de tan solo tres componentes, Danko Jones ha demostrado tanto en sus discos publicados como en sus directos, que el rock para nada está muerto. Letras directas cantadas por una voz surgida de la rabia y las heridas de la vida. Unas guitarras afiladas que caen sobre nuestros oídos como las rápidas sacudidas de un hacha. Una batería que nos mantiene en tensión constante. Con estas armas, Danko Jones nos vacía todo un cargador de sónicas balas, persiguiéndonos por las angostas calles de un suburbio, por los sucios pasillos de un antro oculto al final de un callejón sin salida, por atractivos clubs enrojecidos por calientes destellos fluorescentes,... por todos esos marginales mundos que coexisten en nuestra sociedad. Todos esos mundos en los que nadie reconoce su participación.

Impresiones Post-audición :

Elevando la temperatura ambiental con “Forget my name”, unas largas piernas de diablesa juegan con nuestros instintos más primarios. Una entrada triunfal en la particular vida de la ciudad Danko Jones. ¿Exagerados? Mira a tu alrededor cuando el próximo fin de semana andes por las calles de tu ciudad. Entras en un local y ella te estaba esperando. Tu no la conoces pero... ”Dance” te lo cuenta todo. Miras al cielo y suena “I love living in the city”. Hay amores que besan con ásperos labios. En “I want you”, una diosa se pasea por tu barrio, una atracción más allá de la razón. Un templo destinado a ser profanado por ti. Aprende. La vida es una dura escuela en donde el error se suele pagar muy caro, salvo que la Diosa Fortuna pague la fianza. Si no tuviste esa suerte, es probable que “Heartbreak´s a blessing” se convierta en tu diario, el diario de un perdedor. ¿Salvado por una campana llamada “Wait a minute”? mira la letra pequeña de ese nuevo contrato antes de firmarlo.

Damos la vuelta al disco, damos la vuelta a la esquina y nos encontramos con “Strut”. Miramos al suelo y vemos las huellas de una perfumada tigresa que recientemente pasó por allí. ¿Te animas a seguirla?. Ten cuidado, no te vayas a encontrar en el centro del punto de mira de un destino aciago llamado “Home to hell”. Pero toda persona de mundo sabe que quien no arriesga, no gana, y “Hot dawn woman” es la prueba. Cuando llegues al minuto y cuarenta y siete segundos de esta canción, una poderosa guitarra cargará plenamente tu apasionado corazón de energía. ¿Te parece una poderosa descarga? Con “The cross” vas a saber lo que es una descarga adrenalínica explosiva. Con la testosterona a cien entramos en “Love travel”, un viaje por el carnal paisaje de los cuerpos que arden en la pira de Venus.

Todo lo bueno se termina acabando, y tristemente con “We sweet blood” (canción que da título a este disco) llegamos al final de este paseo nocturno por los ambientes urbanos, por los oscuros roles que se forman en la terrenal química selenita. Amanece. El Sol empieza a reclamar su reino perdido, y sus heraldos, en forma de rayos, traerán de nuevo esa luz que oculta más nuestras verdaderas vidas, que las aclara. ¿Un café, o mejor un penúltimo trago?. Disfrútenlo.

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Artículo Nº: 138
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jueves, diciembre 21, 2006

STOA “Urthona”


Publicado por : Hyperium, (391005922), 1993
Edición comentada : CD

Candide / Autumn / Infant joy / Spin / In memoriam / Stoa / Captivity / Dust / [N]ever / Taumel / Hommage

Retrocedamos en el tiempo hasta 1991. En este año en Alemania, el compositor Olaf Parusel encuentra el nexo de unión entre sus ideas musicales y sus conceptos filosóficos tras conocer a la cantante e instrumentista clásica Conny Levrow. El grupo musical STOA acababa de nacer.

Estas dos mentes privilegiadas formadas desde su niñez en el culto a la música clásica (Olaf Parusel durante su infancia fue miembro del Stadtsinge-chor Halle, el coro más antiguo del mundo; Conny Levrow llevaba más de diez años tocando el violín, con una especial atención a las composiciones musicales barrocas, y también había participado como vocal en corales clásicas) funden sus experiencias, y el fruto de este esfuerzo llegará ese mismo año con su primera composición llamada “Stoa”, canción que sería incluida en el recopilatorio “From Hypnotic... to Hypersonic” publicado por el sello Hyperium. Posteriormente, esta canción sería de nuevo publicada en este álbum.

Aunque algunas fuentes (incluida la página web oficial del grupo) fechan el año de salida de su primer trabajo “Urthona”, publicada por Hyperium, en 1992, en el disco original, del cual poseo un ejemplar, el año de publicación impresa por la propia compañía es 1993. En fin, misterios, pero lo más importante es que “Urthona”, su opera prima, entra por la puerta grande dentro de la música etérea de corte neoclásico. Esta obra creada y compuesta por Olaf, está inspirada en la obra de William Blake titulada “Las bodas del Cielo y del Infierno”, publicada en 1790, así como también beberá de las aguas surgidas de la fuente y corriente filosófica seguida por los estoicos. Por ejemplo, canciones como “Infant joy” están basadas en los textos originales escritos por el poeta William Blake. Pero en “Urthona”, existe una presencia fundamental en las letras escritas para este trabajo. Su nombre es Kai U. Skerra, lider del grupo musical Anchorage, dejando el inconfundible arte de la prosa a niveles celestiales en canciones como “Autumn”, “[N]ever” y “Taumel”.

“Urthona” es un disco que saca a la luz los lánguidos ojos de la melancolía para que con nuestra mirada, quedemos atrapados en su decadencia. Esos violines que hablan como almas en pena, ese violonchelo que con su cadencia, nos marca la constante perdida del aliento vital en espera de una muerte inevitable, y unos teclados que nos fascinan con sus evocadoras melodías y pasajes etéreos. Y si hablamos de la voz de Conny Levrow, vocalista principal del grupo, su poderosa y sentimental interpretación transforma cada una de las letras en un nuevo mundo sensorial nacido en nuestra psique. Una ambientación purista, imaginativa y culta que hace del estilo neoclásico, una de las corrientes musicales góticas más importantes y complejas. Pasemos a escuchar este maravilloso disco...

Impresiones post-audición :

La luz espiritual de “Candide” aparece, y nos abre la puerta del palacio de los juegos mientras de un clavicordio, salen a volar melodías. La voz de Connie se deja sentir en las brumas de “Autumn”, un mágico paseo por el bosque mientras amanece, experiencia que he vivido escuchándola en un discman, y la cual recomiendo. La sonrisa de la melancolía llegará con “Infant joy” y el espíritu de William Blake nos acompañará hasta que “Spin”, nos muestre la soledad de la desesperanza en boca de un clavicordio. “In memoriam”, una canción que es un augurio. “In memoriam”, la muerte siempre nos arrebatará los seres más queridos cuando menos lo esperemos. A continuación, la canción “Stoa”, sus primeras luces creativas donde iluminadas por los rayos, las almas en pena sólo anuncian una interminable aflicción bajo la lluvia. Aquí la voz de Connie Levrow deja nuestras lágrimas a punto de caer sobre las mejillas. ¡Qué voz! ¡Qué interpretación!.

Con “Captivity”, los fundamentos épicos se transmutan en un cantar. En la canción “Dust”, nuestros pies caminarán descalzos sobre los afilados cristales del conocimiento hasta llegar a “[N]ever”, ¿un suicidio final o un naciente esplendor?. “[N]ever” es mi canción de Stoa predilecta, y desde mi punto de vista, una de las mejores canciones góticas nunca escritas. Esa voz mortuoria, ese violín cuyo cuerpo se va transformando poco a poco en polvo, esos hilos que nos sostendrán en la vida hasta que la Parca decida cortarlos. “[N]ever”, el neoclasicismo que escucharé una y otra vez hasta el final de mis días. La tragedia tiene voz en la canción “Taumel”, una mirada a través del vaho de una fría ventana. Una vida escondida tras unos cristales porque el mundo que hay ahí fuera, está ansioso por despedazar a los sensibles seres que osen pisar sus calles. Finalmente, un piano se convertirá en el mayordomo que nos conduzca a la puerta de salida del palacio en “Hommage”, y mientras, la herrumbre se irá encargando de borrar todos nuestros recuerdos.

“Urthona”, el depresivo romanticismo.

STOA, EL NEOCLASICISMO DE CULTO (1ª parte)

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Artículo Nº: 136
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miércoles, diciembre 20, 2006

ROBERT WALSER, “EL PASEO”


Publicado por : Siruela
ISBN : 84-7844-324-X Edición : 2000

CARL SEELIG, “PASEOS CON ROBERT WALSER”

Publicado por : Siruela
ISBN : 84-7844-502-1 Edición : 2000

Sensibilidad en la observación. El detalle como color de vida. La pasividad autoconvencida ante la insignificancia del individuo en el universo. El arte de escribir manifestado sin trabas, tapujos, reglas o intereses comerciales. La poesía enlazada amorosamente con la prosa dando sabrosos frutos de satisfactorio placer. Así podría seguir escribiendo frases que me inspira Robert Walser cada vez que leo uno de sus libros, y que incluso alguno, ya ha sido releído varias veces como es el caso de “El Paseo”.

Experimento un inmenso placer en mi lectura solitaria, ya que como buen amante de la observación del mundo que me rodea, esta novela me muestra como incrementar y concretar mi mirada reflexiva y escudriñadora. Además, Robert Walser tiene la gran virtud de rodear sus textos descriptivos con pensamientos satíricos, más propios de antiguos filósofos que de un escritor del siglo XX. La sátira y el sarcasmo son una poderosa arma para anular toda posible actitud seria en la vida. Aquellos que se suelen tomar la vida en serio, no suelen ser más que moscas que han perdido sus alas, y tratan de convencer a las demás para que lo las usen con la intención de ahogar su incapacidad con la subyugación de aquellos que le rodean. En fin, cada uno es dueño y señor de sus actos, y esclavo de sus consecuencias.

Robert Walser es considerado uno de los más grandes escritores del último siglo, pero como siempre suele ocurrir en este ingrato e insolente mundo en el que vivimos, no pudo disfrutar de las mieles del éxito, muriendo solitariamente durante uno de sus queridos paseos que acostumbraba a realizar. Ese paseo, que como él decía, “era su fuente de inspiración primordial en la creación de sus obras”. Robert Walser tuvo como residencia en sus ultimas décadas de vida un triste y aséptico psiquiátrico en donde separó definitivamente su alma artística de su ser, para dejarse llevar por un silencioso y afable Caronte hacia su último destino en esta vida. Pero he aquí la aparición de un hombre, llamado Carl Seelig, que como gran admirador de la obra de Walser, al enterarse de su solitaria existencia tuvo la afortunada decisión de contactar con él y, a partir de entonces, con el previo permiso de la institución psiquiátrica, pudo visitar (o mejor dicho, pasear) con el escritor, estableciéndose una relación intelectual que quedaría plasmada en el libro “Paseos con Robert Walser” tras la muerte del amigo escritor. Gracias a su esfuerzo y sinceridad de espíritu, podemos hoy llegar a conocer un poquito más sobre la forma de pensar y el modus operandi de este incomprendido escritor. Como apunte para aquellos que, como yo, amamos y disfrutamos con la obra literaria de Kafka, quisiera señalar que Robert Walser era su escritor predilecto.

El Paseo: La Radiografía Social.

Este libro no es simplemente una inconsecuente descripción de uno de los muchos paseos que Robert Walser dio a lo largo de su vida. El Paseo” es una vivisección de nuestra sociedad y de aquellos que viven en sus entrañas. Walser tiene el don divino de la observación de todo lo que se oculta tras lo cotidiano. Ve y analiza aquellas cosas que la comunidad ha catalogado de inservible, absurdo o ha apartado en el vertedero de la sinrazón. Con un don así, en cuanto uno sea honesto consigo mismo y trate de vivir sobre su magia, habrá de cubrirse inmediatamente con una oscura y tupida capa que lo proteja de los gélidos vientos que el resto de la sociedad pondrá en tu camino. Ellos se creen dioses y no son de su agrado los aspirantes al nuevo Ícaro. Saben que, tarde o temprano, los arrojará de su ficticio mundo al interior del Reino de Onuris. Disfrútenlo.

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Artículo Nº: 135
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STOA “Porta VIII”


Publicado por : Hyperium, (391011626), 1994
Edición comentada : CD

Introitus / Partus / Urthona / Luvah / Tharmas / Urizen / Scrupus / Mors / Conclusio

VV.AA “Heavenly Voices Part. 4”

Publicado por : Hyperium, (391017925), 1994
Edición comentada : CD (incluye la canción de STOA “My inner labyrinth”)

VV.AA “Hypnotic & Hypersonic”

Publicado por : Hyperium, (391019226), 1998
Edición comentada : Digipack con 2CD´s (incluye la canción de STOA “My inner labyrinth”)

Tras el éxito de “Urthona”, tan solo pasaría un año antes de que el grupo viera publicado su segundo trabajo llamado “Porta VIII”, una edición que será de nuevo otro éxito en ventas. Con “Porta VIII”, Olaf Parusel crea una obra que hará que el público considere a Stoa como sinónimo de calidad dentro de la vanguardia musical neoclásica. En países como México, se convierten en un fenómeno de masas. Connie Levrow pondrá de nuevo su inconfundible voz, interpretando unas letras escritas íntegramente en latín. En “Porta VIII”, también publicado por la compañía discográfica Hyperium, la influencia del poeta William Blake seguirá presente, siendo sus Cuatro Zoas, o Eternals, los que darán título a las canciones “Urthona”, “Luvah”, “Tharmas” y “Urizen” que formarán parte de este álbum. Los Cuatro Zoas son los caminos de revelación espiritual que Blake menciona en su obra, y cuyos significados son los siguientes:

- Los / Urthona: Los es la imaginación, la manifestación temporal de Urthona. Los es la visión creativa en la mente del creador, del artista, y su emanación es Enitharmon. Los es el padre de Luvah (la pasión) y Orc (la energía que trasciende). Urthona es la manifestación original de Los, la imaginación en su origen.

- Tharmas: Tharmas es el Yo gobernado por el instinto, un poderoso instinto en estado puro.

- Urizen: Urizen es el intelecto, y por consiguiente, se encuentra relacionado con el materialismo y el racionalismo. Urizen es despótico, débil y patético pero capaz de llevar a cabo actos heroicos. La Razón con la que ve el mundo que le rodea, limita la profundidad de su mirada. Se le relaciona con el dios griego Urano.

- Luvah: Luvah es la pasión, la pasión del amante. En “El libro de Thel”, Blake lo relaciona con la figura de Cristo. Luvah también está relacionado simbólicamente con el Sol, y en su manifestación más ardiente es Orc, el calor del místico cuando se encuentra iluminado por Dios.

También los personajes místicos que Blake reflejó en sus pinturas serán utilizados para decorar los CD´s de sus dos primeros trabajos, y el libreto incluido en este CD. La fuente de inspiración que da base a toda esta obra es el cuento de hadas llamado “Arianne y Barba Azul”, creado por el escritor Maurice Maeterlick. “Porta VIII” se convierte en la representación musical de una historia donde el peso del significado de los símbolos que en ella aparecen, configuran una evolución lineal de complejo trasfondo metafísico. “Porta VIII” es drama, es la verdad oculta tras el preciosismo en la composición exuberante y delicada que conjuga perfectamente los conceptos musicales barrocos y neoclásicos, dando como resultado una obra maestra.

Este mismo año, el sello Hyperium también publicaría una canción inédita del grupo, titulada “My inner labyrinth”, en la cuarta entrega de su famoso recopilatorio llamado “Heavenly Voices”, un nombre que pasaría a ser utilizado como denominación de una de las vertientes de la música gótica etérea. “My inner labyrinth” es una composición neoclásica pura que mece con oleadas de instrumentos de viento y cuerda, entrando y saliendo bajo la dirección vocal de Connie. En 1998, esta canción volverán a publicarla dentro del recopilatorio “Hypnotic & Hipersonic”, con el cual los sellos Hypnobeat e Hyperium celebraron el décimo cumpleaños de su fundación.

La Diosa Fortuna parecía sonreír al grupo y colmarles de fama, pero Fortuna es una diosa caprichosa, y como tal, les tenía reservadas algunas sorpresas, pero estos temas los abordaré en el siguiente artículo sobre su, hasta ahora, último trabajo publicado que lleva por título la palabra “Zal”. Pasemos a disfrutar de la magnífica obra llamada “Porta VIII”...

Impresiones post-audición :

Pulsas el botón de Play del reproductor de CD´s, y se abre la puerta de la Casa del Conocimiento en cuanto “Introitus - the opening of the gate” empieza a sonar con sus mensajeras melodías del sentido profundo. Una exuberante composición de corte épico. Luego, con la canción “Partus” llegará la angelical voz de Connie acompañada de un piano, hablándonos de una soledad donde sólo las caricias del recuerdo reconfortan.

La oscuridad hace acto de presencia en “Urthona”, un paisaje musical que nos descubrirá una belleza escondida. La percusión utilizada en esta composición instrumental, unida a un fondo orquestal, es todo un placer para melómanos incondicionales de la música clásica, y si “Urthona” nos ha fascinado, en “Luvah”, la voz de Connie nos conducirá a la herida abierta que todo ser pasional lleva grabado en el corazón. “Luvah”, otra de mis canciones favoritas de Stoa. ¡Qué bella!. Y del sentimiento más irracional pasamos al mensaje más terrenal de todo este disco, “Tharmas”. Aquí hay que dejarse hechizar por la sublime inmensidad que se encuentra en la fuerza del Yo creciente. Un tempo más marcado aparece en “Urizen”, una composición majestuosa y atractiva. La voz de Connie con melodías neoclásicas complejas nos dejará asombrados ante las imágenes que provocará en nuestra mente. Olaf Parusel sabe muy bien como convertir las notas musicales en pura fantasía.

Con “Scrupus”, comprobarás que tu única barrera es la conciencia. Los instrumentos de viento aquí son una delicia. En “Mors”, pondremos rumbo al Reino de Hades sentados en la barca de Caronte mientras las aguas sobre las que navegamos esperan poder hacerse con nuestra alma antes de que arribemos a nuestro destino. Un corazón dejará de latir al termino de la pieza musical. El viaje llega a su recta final con “Conclusio”, lugar donde todo lo que nace, muere; todo lo que sube, cae; todo lo que existe, desaparece. “Conclusio”, la composición más larga de toda esta obra, es una recreación instrumental que impresiona, que nos deja con una sucesión de inspiraciones casi constante. Si esta pieza hubiera sido compuesta hace unos siglos, actualmente sería considerada de obligada escucha. El final de la canción, ¡sobrecogedor!.

“Porta VIII”, el libro de la vida que tantas personas no llegan nunca a abrir

STOA, EL NEOCLASICISMO DE CULTO (2ª parte)

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Lux_Atman

Artículo Nº: 134
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